Регистрация   Вход
На главную » Театр »

Балет, балет, балет... (с)


Настёна СПб:


МАРИИНСКИЙ ТЕАТР: 140 лет Игорю Стравинскому

Ходила 18 июня 2022 г.
Во-первых, хочу поблагодарить Мариинский театр за бережное воссоздание изначальных спектаклей – с хореографией, костюмами, декорациями. Во-вторых, спасибо добрым людям за билет по адекватной цене.

«ЖАР-ПТИЦА»
Премьера – 25.06.1910 г., «Русские сезоны», Парижская опера; в Мариинском театре – 28.05.1994 г.
Балет Михаила Фокина на музыку Игоря Стравинского; в ролях: Татьяна Ткаченко (Жар-птица), Иван Оскорбин (Иван-Царевич), Леа Томассон (Царевна-Ненаглядная краса), Вадим Беляев (Кащей Бессмертный) и другие.

Всё-таки как отличался балет нач.XX в. от некоторых сегодняшних «шпагатов». Я ждала, когда Иван-Царевич танцевать начнёт Laughing . Зато массовка отожгла – буйный «Поганый пляс Кащеева царства» просто шедевр. Настоящая русская сказка, то красочная и искрящаяся, то нежная и лиричная. Глаз не отвести. Бакст, конечно, постарался на славу.

«ВЕСНА СВЯЩЕННАЯ»
Премьера – 29.05.1913 г., «Русский балет Дягилева», Театр Елисейских полей, Париж; в Мариинском театре – 9.06.2003 г., возобновление – 13.07.2012 г.
Балет Вацлава Нижинского на музыку Игоря Стравинского; в ролях: Александра Иосифиди (Избранница), Мария Лебедева (Старуха 300 лет), Сослан Кулаев (Старик) и другие.

Я поняла, почему на самой первой премьере зрители испытали некультурный шок. Постановка настолько необычная, не похожая ни на что, совершенно иная… Нечто первобытное, если не сказать животное. Рассказ о древнем и сакральном – чтобы в мир пришла весна, необходима жертва… Я как замерла от восторга при виде Старухи, так и просидела, не шевелясь, всё время. Помня, что Нижинский выворачивал ступни танцовщиков, смотрела на ноги – как ставят, как шагают… Одно слово – шедевр.

...

Настёна СПб:


Вчера по «Культуре» посмотрела «ВЕЧЕР БАЛЕТА. ПАМЯТИ ИГОРЯ СТРАВИНСКОГО И СЕРГЕЯ ДЯГИЛЕВА»

«В показе фрагментов из самых знаменитых “Дягилевских“ балетов Стравинского приняли участие солисты Национального балета Испании Мириам Мендоза и Серхио Берналь; солисты балета Гранд театра Женевы Симоне Репеле и Саша Рива, также возглавляющие собственную балетную компанию “Riva & Repele Tanzarte“. Также свою версию балета “Весна Священная“ представил Национальный балет Словении.»

Скажу ещё раз – в балете я ничего не понимаю, поклонницей данного вида искусства не являюсь, явление «Русские сезоны»/ «Русский балет Дягилева» нежно люблю. Поэтому… ну вот просто как увидела… Да, в балете для меня главное – либретто Laughing .

«Пульчинелла». У Дягилева все хореографы были русскими (кроме «Лебединого озера» Петипа и испанского «Квадро фламенко», но это капля в море). Созданный по мотивам традиционной итальянской комедии дель арте балет поставил Мясин. Как говорит моя приятельница: «Балет – интернационален, его понимает каждый.»

«Петрушка». Без первоначальной нашей балаганности, с европейскими персонажами, что-то потерялось. И авторская задумка не искажена, а не то…

«Жар-птица». Интересно, что бы сказал Фокин, увидев такую трактовку? Показали фрагмент или балет целиком? А то я приготовилась и Царевну мужчиной увидеть – хотя тогда я бы подумала, что в этой труппе одни мужчины. При этом хреография и движения потрясающие, смотрится очень красиво. Но от русской сказки остались рожки да ножки.

«Весна священная». Фрагментарно, моментами скучала. Но некоторые сцены «ах!» Когда в этих первобытных людях просыпалось животное, когда «выдавались» эмоции, когда полилась вода… Когда Избранница испугалась оказанной чести быть принесённой в жертву… Тогда «ах!»

...

Настёна СПб:


МАРИИНСКИЙ ТЕАТР – 2: «ПЯТНАДЦАТЬ ЖИЗНЕЙ ВЛАДИМИРА ШКЛЯРОВА»

«Владимир Шкляров служит в Мариинском театре с 2003 г. За свои без малого 20 лет на сцене истинный театральный принц Шкляров с упоением исполнил ведущие партии классического, неоклассического и современного балетного репертуара — Дезире, Зигфрида, Альберта, Базиля, Солора, Спартака, Онегина, де Грие, Армана, Петрушку, Евгения в “Медном всаднике“. Как один артист способен создать пятнадцать совершенно не похожих друг на друга образов, надолго остающихся в памяти зрителя?»

Шкляров пришёл в Мариинку как раз тогда, когда я из неё ушла… почти на 20 лет. И так получилось, что нашего прославленного танцовщика на сцене я не видела. Только 2 года назад, когда я вернулась «в балет», я посмотрела запись «Юноши и Смерти» и узнала о Владимире Laughing .
Этот вечер, прошедший 27 июня 2022 г., не творческая встреча, а презентация фотоальбома и небольшая беседа. Но, конечно, разговор был о творчестве. И жизни. Мне в любом случае артиста, даже с которым я не очень знакома, послушать интересно.
Как пришёл в профессию? – Мама привела, чтобы во дворе не болтался. Какие мысли о том, чем заняться после завершения карьеры? – Сначала нужно выучиться, но, например, преподавателем себя не видит. Есть ли любимая роль, любимый балет? – Евгений в «Медном всаднике». С кем бы из уже ушедших хотелось пообщаться? – Недоговорил с Майей Плисецкой. Любимый театр? – Историческая сцена Мариинки, которую узнает с закрытыми глазами. Лучший друг? – Жена. Отдал бы своих детей в балет? – Ни за что.

...

Настёна СПб:


БОЛЬШОЙ ТЕАТР (Москва): «ИВАН ГРОЗНЫЙ»

Ходила 13.06. 2024 г. (премьера 20.02. 1975 г.; возобновление в новой редакции – 8.11. 2012 г.). На сцене Мариинского театра. Балет на музыку Сергея Прокофьева, либретто Юрия Григоровича, хореограф-постановщик Юрий Григорович.


Я не люблю балет, я не умею писать о балете, я не могла не пойти на этот балет. Всё первое действие я думала, что лучше бы ещё раз сходила на «Опричника» в Михайловский. После антракта стало интереснее по драматизму и динамике, и я смотрела, затаив дыхание.
Вначале была музыка, именно от неё отталкивались создатели балета. Музыкальные переходы от лирики к буйству, от нежности к дикости не плавны, а резки – оттого повороты сюжета, который достаточно прост, внезапны и неожиданны. Балет отражает некоторые события правления Ивана IV – венчание на царство, свадьба с Анастасией, победа над Казанью, болезнь, боярский заговор, смерть Анастасии, бегство Курбского, опричнина… В центре истории – три трагических фигуры.
Иван Грозный (Артемий Беляков). Первая ассоциация – Мефистофель. Решительный, неистовый, победоносный, сломленный, полубезумный, пылающий, карающий. Да, он казнил виновных. Но в какой момент необходимо остановиться, не перейти за грань, и сможет ли царь это сделать? Его душа погружается во мрак, он опутан тьмой. Станет ли злом победивший зло?
Анастасия (Анна Никулина). Царице посвящена половина постановки, есть Анастасия и – что-то ещё. Царевна-лебедь, горный хрусталь, свет, чистота, поддержка, нежность. Любовь. Полное слияние с мужем, она – лучшая часть царской души, удерживающая Иоанна на краю пропасти. Со смертью Анастасии день сменился вечной ночью.
Курбский (Артём Овчаренко). Амбициозный, тщеславный, смелый и модный парень. Зачем, зачем князь ввязался в заговор, принёсший смерть любимой Анастасии? Потому, что сам такой, как интриганы-бояре, готовый грызться за власть. И расплатой – его бегство, бесконечное бегство от себя. Теперь Курбскому будут вечно подносить отравленный кубок.
Очень яркие массовые сцены. Особенно меня поразили две, контрастные: светлая победа над татарами и тёмный опричный разгул (прямо пляс Кощеева царства).
Финал надежды не оставляет. Как поёт другой герой по другому поводу: «Огонь горит в моей груди, но бездна впереди…»

...

Виктория В:


Трансляция «Щелкунчика» на «Первом канале» 31 декабря будет платной
вчера, 14:00
Антон Мицкелюнас

Министерство культуры выпустило разъяснение по поводу трансляции балета «Щелкунчик» Петра Чайковского в прямом эфире «Первого канала» в канун Нового года. Согласно документу, за просмотр постановки Большого театра россиянам придётся заплатить по 500 рублей.

«Стоимость билетов в театр на спектакль 31 декабря может доходить до 100 тысяч, так что несколько сотен рублей – это более чем адекватная цена за право прикоснуться к прекрасному и великому искусству», – сказала замминистра культуры Надежда Преподобная.
Стоимость просмотра «Щелкунчика» будет включена в коммунальные платежи россиян за январь 2025 года, независимо от того, удалось ли гражданину посмотреть балет.

Все собранные средства будут направлены на поддержку отечественной культуры, в том числе на строительство новой сцены Большого театра и съёмки документальных фильмов о наиболее знаковых постановках в российских театрах за последние 200 лет.

Интересно, это правда или фейк? Shocked

...

Настёна СПб:


Виктория В писал(а):
Трансляция «Щелкунчика» на «Первом канале» 31 декабря будет платной

Вика, этот текст из сатирической «Панорамы»: «Все тексты на этом сайте представляют собой гротескные пародии на реальность и не являются реальными новостями.»

...

Виктория В:


Настёна СПб писал(а):
Вика, этот текст из сатирической «Панорамы»: «Все тексты на этом сайте представляют собой гротескные пародии на реальность и не являются реальными новостями.»

Здорово же меня этот Антон Мицкелюнас разыграл, весь день ходила, возмущалась. rofl
Спасибо за разъяснение, Настя! Flowers

...

Настёна СПб:


Международный фестиваль искусств «ДЯГИЛЕВ P.S.»: вечер современной хореографии «ТАНЦУЕМ ДЛЯ ДЯГИЛЕВА»

17 ноября 2025 г. в Александринском театре


И в балете, и в современной хореографии я мало что понимаю и плохо рассказываю про эти виды искусства, но на каждой хорошей постановке неизменно прихожу в восторг. Всё же чувства и эмоции – важные составляющие для восприятия спектакля.

«Русский характер» (по мотивам рассказа А.Н. Толстого): хореограф-постановщик Павел Глухов, композитор Айдар Гайнуллин, исполнители солисты Большого театра. В основу балета легла история простого деревенского парня, страшно изуродованного на войне, но не потерявшего человеческое достоинство. Рассказ о любви, верности и стойкости показан напряжённо, надрывно, резко, импульсивно, энергично. Здесь верные сильные женщины и надёжные стойкие мужчины. А какая потрясающая музыка, попадающая в самое сердце.
«С тех пор, как я влюбился в тебя»: хореограф Катаржина Козельска, музыка Brad Mehldau Trio & Milt Hinton. Балет Каталонии исполнял джаз на пуантах. Юноши красиво танцевали с девушками, но меня совершенно не зацепило.
«Лебеди»: хореографы и исполнители Си Син и Максим Севагин, композитор Ши Юцзин. Дуэт о любви, об изменчивости и текучести любовного чувства. Черный и белый лебедь, отражение друг друга, инь и ян… Завораживающая постановка.

P.S. Интересную фразу выбрали для надписи на сувенирах: «Очень полезно смотреть дрянь. Задумываешься над многим.» (Сергей Дягилев – Сергею Лифарю) Wink

...

Настёна СПб:


МАРИИНСКИЙ ТЕАТР: «ПЕТРУШКА. ВЕСНА СВЯЩЕННАЯ. СВАДЕБКА»

Вчера не успела, пишу сейчас. 154 года назад – 31/19 марта 1872 г. – родился он – великий и ужасный, маг и волшебник, новатор и гений – СЕРГЕЙ ДЯГИЛЕВ.
Цитата:
«За всеми его внутренними конфликтами, легендарным шармом, чудовищными диктаторскими наклонностями, необыкновенной чуткостью к таланту, хитростью и вероломством, решительностью и провидческим даром скрывалась жажда приобщения к тайне творчества в его наивысшей форме… Он не останавливался ни перед чем, чтобы только иметь возможность служить красоте и жить во имя искусства.» (Шенг Схейен «Сергей Дягилев. “Русские сезоны” навсегда»)


И вчера – 31 марта 2026 г. – сходила в Мариинский на вечер балетов-шедевров Игоря Стравинского, которых без Сергея Павловича бы не было. Особенно приятно, что театр показывает постановки в «первозданной» хореографии, и современный зритель может прикоснуться к чуду Русских сезонов. Настоящий праздник для моего театрального сердца: то, что и как я люблю, что во мне откликается, что мне близко и понятно.

«ПЕТРУШКА»
Премьера – 13.06.1911 г., Русский балет Дягилева; музыка Игоря Стравинского, хореография Михаила Фокина, либретто, декорации и костюмы Александра Бенуа. Премьера в Мариинском театре – 20.11.1920 г., возобновление – 6.02.2010 г., реконструкция Гэри Криста.
Создатели балета сумели из кукольного представления – без которого не обходилась ни одна петербургская ярмарка, ни одно народное гуляние – создать настоящую драму. Это целый мир, с любовными перипетиями и жизненными трагедиями. Легкомысленная Балерина (Дарья Устюжанина) выбирает яркого, но туповатого красавца Арапа (Лука Добош) (их свидание превращается в пародию на па-де-де), а не скромного, некрасивого, но чуткого душой Петрушку (Владислав Ходасевич). А над «театром живых кукол» возвышается фигура фокусника, который тянет за ниточки, распоряжаясь судьбами своих марионеток.
Дебютант Ходасевич танцует «маленького человека» (по Фокину: «Колени вместе, ступни внутрь, спина согнута, голова висит, руки как плети»), гибнущего в попытках отстаивания собственного достоинства. Но Петрушка – жив, Петрушка – вечен.

«ВЕСНА СВЯЩЕННАЯ»
Премьера – 29.05.1913 г., Русский балет Дягилева; музыка Игоря Стравинского, хореография Вацлава Нижинского, либретто Игоря Стравинского и Николая Рериха, декорации и костюмы Николая Рериха. Премьера в Мариинском театре – 9.06.2003 г., возобновление – 13.07.2012 г., реконструкция Миллисент Ходсон.
Я понимаю, почему на самой первой премьере зрители испытали некультурный шок. Постановка настолько необычная, не похожая – на тот момент – ни на что, совершенно иная… Нечто первобытное, от самой земли, языческое, если не сказать животное. Рассказ о древнем и сакральном – возрождение природы к новой жизни через великую жертву-избранницу (Татьяна Ткаченко), т.е. чтобы в мир пришла весна, необходима жертва… Я вновь как замерла от восторга, так и просидела, не шевелясь, всё время. Нарочитая угловатость движений, прыжки вместо танца, прижатые локти, помня, что Нижинский выворачивал ступни танцовщиков внутрь, я всё смотрела на ноги… Одно слово – шедевр.

«СВАДЕБКА»
Премьера – 13.06.1923 г., Русский балет Дягилева; музыка и либретто Игоря Стравинского, хореография Брониславы Нижинской, декорации и костюмы Наталии Гончаровой. Премьера в Мариинском театре – 9.06.2003 г., реконструкция Хоуарда Сайетта.
«– Коса ль моя ко… Косынька русая!
Вечор тебя косынька матушка пляла
Серебряным колечком матушка вила!
– О хо-хо! Ещё ох-ти мне!
Чесу, почесу Настасьину косу,
Чесу, почесу Тимофеевны русу,
А ещё почесу, а и косу заплету.
– Алу ленту уплету…»

«Свадебка»» – это старинная крестьянская свадьба, это древний нерушимый обряд, передающийся из века в век, это песни-плачи и ритуальные причитания. Это однообразие движений, тоска и безысходность перед неизвестной новой жизнью. Это жених (Никита Вронских) с невестой (Юлия Спиридонова), сливающиеся с общим ансамблем. Это девичья коса, в подобие которой склоняют танцовщицы головы, одна к другой, и которую перед свадьбой переплетут на две. Это лаконичность движений, декораций и костюмов. Это кружевное сплетение музыки и хореографии.

...

Настёна СПб:


Продолжение истории... Сейчас читаю книгу о Лифаре, и в ней упоминается перезахоронение Вацлава Нижинского.

«ПОЧЕМУ НИЖИНСКИЙ ПОХОРОНЕН В ПАРИЖЕ, А НЕ В ЛОНДОНЕ?»

ЧАСТЬ III. ЖАН-ПЬЕР ПАСТОРИ «СЕРЖ ЛИФАРЬ. КРАСОТА ОТ ДЬЯВОЛА»

В пятницу 14 апреля после заупокойной мессы его гроб вынесли из католической церкви на Спэниш-Плейс шестеро видных представителей балетного мира: историк Сирил Бомонт; звезда британского балета Майкл Сомс; хореограф Фредерик Эштон; будущий биограф Нижинского Ричард Бакл; а в первом ряду – из-за более низкого роста – оказались Антон Долин и Серж Лифарь. Пока гроб медленно опускали в могилу, Лифарь бросил сверху горсть земли – как говорили, специально высланной из России.
Джордж Баланчин в то время находился в Лондоне – там должна была состояться британская премьера его Ballet Impérial, вдохновленного Вторым фортепианным концертом Чайковского. Поначалу и его просили нести гроб, но он наотрез отказался, узнав, что на церемонии будет Серж Лифарь…
В тот день, 14 апреля 1950 года, тело Нижинского было похоронено на кладбище Мэрилбоун. Там оно покоилось всего три года: в 1953 году из желания прославить своего старшего собрата Лифарь задумал найти для него место получше, чем безымянная могила на кладбище, где никто никогда не соберется помянуть его. Он приобрел место на кладбище Монмартр, где уже были могилы Берлиоза, Оффенбаха, Фейдо, Лабиша, Золя и… Вестриса. Он получил и согласие Ромолы, которая к тому времени уехала из Англии в США – поначалу в Нью-Йорк, затем в Сан-Франциско.
Обретя, таким образом, полное на это право, Лифарь начал процедуру эксгумации. Английский закон требовал, чтобы перед перевозкой тел проходила их идентификация, и эта миссия была возложена на Маргарет Пауэр. Преданная подруга Нижинского, она сопровождала гроб до Виктория Стейшн, где Надя Легат, вдова одного из педагогов Нижинского (а затем и Лифаря), вместе с учениками украсила его цветами. Дальше гроб следовал по железной дороге, в товарном отделении вагона. На Северном вокзале Парижа Лифаря, который обещал их встретить, внезапно не оказалось. Маргарет Пауэр пришлось самой улаживать административные проволочки, которые, конечно же, возникли при этой перевозке.
На следующий день, 16 июня 1953 года, в присутствии Брониславы Нижинской, сестры хореографа, представлявшей его семью вместо Ромолы, в соборе Св. Александра Невского прошла служба. И вновь гроб несли на своих плечах Лифарь и его товарищ по Русскому балету Николай Зверев вместе с видными танцовщиками Опера – Робером Кино, Мишелем Рено, Александром Калюжным.
По просьбе Лифаря отец Карре, священник при артистах, встретил гроб на кладбище Монмартр. Прежде чем произнести последнее благословение, он предложил присутствующим помолиться вместе независимо от их вероисповедания. «Это были те молитвы, что Церковь вкладывает в уста каждому из своих детей - от самых выдающихся до самых неприметных, от того, кого звали “богом танца”, до самого скромного танцовщика кордебалета. Ведь у всех нас бессмертная душа, и все мы грешники, нуждающиеся в прощении». Сложно сказать, было ли у провожающих – в этой суматохе, под объективами фотоаппаратов и камер – настроение для молитвы. Пришла очередь Лифаря взять слово.
– Сегодня я привез на французскую землю самое прославленное тело в мире танца – тело Нижинского, который уже при жизни стал героем мифологии. Я горд тем, что он будет лежать здесь, рядом с Вестрисом.
Вся церемония чем-то неуловимо напоминала возвращение праха Наполеона с острова Святой Елены. Толкотня и борьба. Кошмар, по словам Маргарет Пауэр. Преображенская и Кшесинская, две балерины Императорских театров, бывшие партнерши Нижинского по Мариинскому театру, не скрывали своих чувств. В склепе было два места. Антон Долин ни секунды не сомневался в том, что второе Лифарь оставил для себя. Тогда в одном квартале кладбища однажды объединились бы три «бога танца» Вестрис, Нижинский и Лифарь. К тому же, на надгробной плите вскоре выгравировали предваряющую надпись: «Вацлаву Нижинскому – Серж Лифарь, 16.6.53».
Через несколько лет, чувствуя приближающийся конец, теперь уже Ромола Нижинская купила постоянное место на кладбище и заказала двухместный склеп в 28 квартале всё того же кладбища Монмартр, в нескольких сотнях метров от могилы мужа. Она хотела быть похороненной рядом с ним. Но чтобы сделать это, нужно было, чтобы Лифарь отдал тело… Послом для переговоров был назначен Игорь Маркевич, бывший зять Ромолы. Когда, приведя все свои доводы, он заявил, что если согласие не будет достигнуто, то Ромола подаст в суд, лицо Лифаря расплылось в улыбке, глаза заблестели: «В таком случае это будет самый громкий процесс в истории!»
21 февраля 1978 года, незадолго до смерти, Ромола Нижинская обратилась в суд с иском к Лифарю, требуя, чтобы тот вернул ей тело мужа. Ее наследницы, дочери Кира и Тамара, продолжили тяжбу. Танцовщик не соглашался. Даже речи не могло быть о том, чтобы вернуть прах. Против всяких ожиданий, 20 мая 1980 года парижский суд высшей инстанции решил дело в пользу хореографа! В подтверждение своего решения судьи привели такой довод: Ромола изначально знала, что склеп принадлежит Сержу Лифарю. Уже в благодарственном письме, которое она послала ему 24 июня 1953 года, она высказывала пожелание оставить для себя второе место, рядом с супругом… Проявив великодушие, Лифарь запоздало согласился на эту просьбу, Ромола сможет покоиться в одном склепе с Нижинским. Это поможет избежать нарушения принципа неприкосновенности покойного. Судьи воздали ему должное.
Эта «пляска смерти» могла бы тут и окончиться. Но то, что казалось таким простым поначалу – перезахоронение останков Ромолы в могиле, принадлежащей Лифарю, – заняло не менее двадцати пяти лет. Только в январе 2005 года, с разрешения Лиллан Алефельдт супружеская пара Нижинских была воссоединена. За это время успели уйти в мир иной и Игорь Маркевич, и Кира, и Серж Лифарь.
Могила Нижинских, до сих пор имевшая строгий вид, была украшена откровенно китчевой скульптурой, подписанной Игорем Махаевым – директором культурного фонда «Дом Дягилева» в Перми, – изображающей Нижинского в роли Петрушки. Дорога в ад вымощена благими намерениями.

...

Настёна СПб:


С ПРАЗДНИКОМ ПОБЕДЫ!

Спектакль «ЛЕНИНГРАДСКАЯ СЮИТА. ТАНЕЦ ВОПРЕКИ»

Ходила на премьеру 6 мая 2026 г.
Спектакль посвящён артистам балета, в годы войны и Блокады выступавшим в ленинградских театрах, госпиталях и на линии фронта. Постановка создана на стыке жанров – балета, драмы и документального фильма…
В военном Ленинграде музы не молчали... Жизнь, боль, любовь, смерть, но всё-таки жизнь…
Цитата:
«Мы были на грани потери сознания, но духом вознеслись, парили высоко над ужасами войны и блокады, танцевали с восторгом и упоением…»
(Из дневника Натальи Сахновской)

Хороший, крепкий, пронзительный сценарий написан Иннокентием Ивановым. Проникает в сердце диалог главной героини – балерины – выпущенной накануне войны из училища юной танцовщицы (Екатерина Никитина) с собой уже пережившей и Блокаду, и войну немолодой дамой (Елена Попова).
Основой спектакля стали фрагменты балетного репертуара блокадного Ленинграда, среди которых «Бэла», «Эсмеральда», «Спящая красавица», «Конёк-Горбунок», «Гаяне», и новые хореографические композиции. Я ничего не понимаю в балете, но мне однажды сказали, что если будут плохо танцевать, то я это увижу. Я это увидела. Из 16 номеров мне понравились «Репетиция», сольное пронзительное «Невозвращение», «Белые ночи», вальс из «Шопенианы» и дуэт из «Медного всадника». Остальное – простите бога ради... Прекрасна Юлия Махалина – она вне возраста.

...

Настёна СПб:


БАЛЕТНЫЙ КРИТИК БОГДАН КОРОЛЁК: «ТЕАТР – НЕ МАССАЖНЫЙ САЛОН, ГДЕ „В ИМПЕРСКИЙ МЯГКИЙ ПЛЮШ МЫ ВТИСКИВАЕМ ЗАД“»

Автор: Александр Попов; 12 октября 2025 г. (источник)

Зачем современному зрителю балет? Как провинциальную оперу преобразовать в один из самых передовых театров в стране? Почему заказывать новую музыку не блажь, а естественное дыхание культуры? Об этом и не только – в интервью «Татар-информа» с помощником худрука «Урал Оперы» Богданом Корольком, приехавшим в Казань на фестиваль Synesthesia Lab.

– Богдан, мы записываем интервью недалеко от памятника Рудольфу Нурееву в Казани. Как вы считаете, в чем был феномен и этого артиста, и других его великих ровесников – например, Майи Плисецкой, чей юбилей отмечают в этом году? Почему сегодня звезд такого уровня в балете не видно?
– Дело не в звездах, а в нас, зрителях. Это постсоветская привычка – назначать самых главных: в культуре обязательно должен быть главный композитор, главный писатель, главный танцовщик. Сейчас это невозможно сделать, времена изменились. Не стоит забывать, что карьеры Нуреева или Плисецкой – это истории успеха, которого они смогли добиться в исключительных, малоприятных обстоятельствах. Нуреев был вынужден сбежать из закрытой страны, Плисецкая кровью добивалась права реализовать себя внутри. Даже сегодня нет настолько жестких условий для творчества. И на сцене постоянно появляются новые поколения прекрасных артистов. Нужно только внимательно смотреть.

– А зачем вообще современному зрителю смотреть балет?
– Отвечу так же, как на похожий вопрос ответил оперный режиссер Дмитрий Черняков: можно и без оперы вполне обойтись, сидите дома. И без балета можно обойтись. Развлечений достаточно, каждый волен выбирать. Но раз такая штука, как балет, почему-то существует и никак не умрет – хотя хоронят ее постоянно – может, стоит заглянуть на огонек? Посмотреть, чем таким странным там люди занимаются? Есть вот такой способ познания мира, почему-то он встал в ряд с музыкой, кино, высокой модой. И балет не только не музеефицируется, а тонкими ручейками куда-то течет, захватывает новые пространства. Раз уж так все происходит – почему бы с ним не познакомиться, вдруг понравится?

– Тогда как не ошибиться? Ведь можно же посмотреть вечное «Лебединое озеро» и уйти из театра в полном разочаровании. А можно не понять и современный танец и уйти с тем же результатом…
– Все зависит от человека, от его настроя, его интересов. Пазл сложится, если случится встреча заинтересованного зрителя и заинтересованного театра. У театра всегда должна быть активная позиция в отношении зрителей. Но и зрители не должны оставаться пассивными. Любой спектакль, даже если ему 150 лет, это попытка диалога. Театр – требовательное место, оно ото всех требует затрат: технических, эмоциональных, интеллектуальных. Это не место оказания и получения услуг, не массажный салон, где «в имперский мягкий плюш мы втискиваем зад». Даже тот театр, который обещает только развлечение, хитрит, он просто движется более сложным путем. Лично я люблю, когда в театре жесткие кресла, когда сидеть не очень удобно. У искусства вообще есть такая задача – доставлять неудобство.

– В чем, на ваш взгляд, проблема так называемых балетов наследия? Почему от таких постановок часто сильно пахнет нафталином?
– Проблема в нашем к ним некритическом отношении. Эти балеты мы оберегаем именно как музейные предметы, забывая при этом за ними ухаживать и реставрировать. За столько лет они постоянно обрастали вещами, которых там не было: к прекрасным дворцам пристраивали гаражи и курятники.
Одним из выходов стали так называемые реконструкции. Первую из них сделали Сергей Вихарев и Павел Гершензон, когда в 1999 году выпустили легендарную «Спящую красавицу» в Мариинском театре. Но этот метод быстро себя исчерпал. Невозможно делать вид, что прошедших со дня премьеры ста лет в нашей жизни не было. Можно восстановить оригинальные декорации и костюмы, воссоздать количество и порядок выхода всех пажей и принцесс, по документам скорректировать их танцы. Но мир изменился. И мы тоже изменились. Зрителей, которые рукоплескали таким постановкам, больше не существует. У современной публики другой опыт, и обнулить его невозможно.
С другой стороны, переодеть принца Зигфрида или принцессу Аврору в современные одежды и «перенести действие в современность» тоже не решение. Это тонкая вещь, она редко у кого получается. Если мы хотим посмотреть балет «Спящая красавица», нам нужно переодевать не спектакль, а самих себя – перестроить свой мозг. Мы должны быть готовы, что это по нашим меркам очень долго – четыре часа с антрактами. Что с точки зрения сериальной культуры это все очень наивно, но «Спящую красавицу», как и все старые балеты, нельзя смотреть как сериал, только ради закрученной интриги. Мелодрама – всего лишь каркас огромной машины. Это все равно что попасть в сад камней в Японии – и спрашивать, почему там нет, как в нашенском Летнем саду, фонтанов, киоска с мороженым и памятника Крылову. А он просто по-другому работает, хотя тоже называется «сад» – он требует другого мышления, другого включения в ландшафт.

– Все это подразумевает, что у рядового зрителя должны быть какие-то ожидания от того, что он увидит на сцене. Но современная публика, как мне кажется, в театр приходит, в лучшем случая зная, что по сцене будут прыгать, крутиться и носить на руках девушек в белых пачках…
– Все это решается, когда театр начинает разговаривать со своими зрителями – делает то, что сейчас называется интеллектуальным сопровождением. Правда, лекции о прыжках Нуреева и о влиянии Матильды Кшесинской на исход Первой мировой прочитает кто угодно. Важнее говорить о другом, о том, что называется культурой в самом широком смысле слова. У нас даже очень культурные люди часто путают понятие «культура» с искусством и досугом. «А теперь о культуре» – то, что в бесплатной газете обычно стояло после гороскопа и объявлений. Но культура – это все, что вокруг нас и в нас.
А со стороны зрителей важна еще одна простая вещь. Чем чаще мы будем ходить в театр, тем больше мы про него узнаем и поймем. Это касается любого дела в жизни: не попробуешь – не получится. Это накачивание интеллектуальных и эмоциональных мускулов, а для этого нужны регулярность и интерес. И тогда даже четыре часа «Спящей красавицы» не покажутся временем, за которое лучше было бы посмотреть целый мини-сериал.

– В России несколько десятков театров оперы и балета. Только в Приволжском федеральном округе их десять. Это наследие советского культстроительства – благо для страны?
– Оперные театры продолжают строить и сейчас. Дело не в количестве театров, просто при любом строительстве встает два вопроса: какими художественными идеями наполнить новые стены и готовы ли мы, что это очень долгая игра. Потому что театр – очень длинная и очень дорогостоящая история. Он должен быть обеспечен творческой валютой, кадрами и финансами – и при этом он никогда не окупит финансовых затрат на 100 процентов.
А еще любой театр – это не только артисты и спектакли, но и зрители. Это сложно измеряемая зрительская культура, культура принятия и понимания, которую теперь называют словом «насмотренность». Это долгий зрительский труд – зато дающий такие внутренние богатства, которые я вам сейчас не опишу. Не так уж мало людей, для которых театр со временем стал смыслом жизни. Вот и я сижу перед вами.
В старых театрах, которые горожане строили еще в царские времена, но не для царя, а для самих себя, возникла такая зрительская культура. Например, в Екатеринбурге, где я работаю, или в Перми. Там сложилась и необходимая профессиональная триада – театр, школа (консерватория с балетным училищем) и профессиональная публика. Я нарочно не говорю о двух столицах, там театр был инициативой сверху, частью светской ритуальной машины. В городах Урала все развивалось иначе: жители понимали необходимость театра в повседневном быту. Вот гостиный двор, гимназия, присутственное место, а вот вечером театр, согретый не только центральным отоплением, а чем-то еще. Для этого требуется долгий прогрев почвы и постоянная поддержка. Засеять целину театральной кукурузой, вкачать в это тонну денег и сказать «расти!» – стратегия «поля чудес».

– Как провинциальному по географии театру сегодня не остаться провинциальным по сути?
– Провинция только в головах. Могу рассказать про опыт в «Урал Опере». В Екатеринбурге к началу нового века как раз все рассыпалось без должной поддержки – ушли идеи, ушел зритель. Но к началу 2010-х годов появились люди, которых не удовлетворяла эта рутина: директор Андрей Геннадьевич Шишкин привел в театр никому тогда еще не известного в качестве хореографа Славу Самодурова. За 12 лет они превратили театр в один из лучших в стране. Директор по-прежнему на своем месте, дело Самодурова продолжает Максим Петров.
Все они понимали главное – нужно делать новые постановки. Потому что не только в Екатеринбурге, но и в Перми или в Новосибирске никогда не будут танцевать «Лебединое озеро» так же, как в Петербурге или в Москве. Там обязаны предъявлять публике нечто иное, свое. Только так можно добиться, чтобы тебя заметили и снаружи. Но чтобы тебя любила и принимала собственная городская публика, для которой мы работаем в первую очередь.

– Вы начали с переименования театра в «Урал Опера Балет». Следом за вами на такое же решились и другие театры, например, чувашский стал «Волга Оперой»…
– Приятно думать, что мы задали тренд, но решения лежали на поверхности. В современности нужно быть компактным и легко узнаваемым. Что такое Ekaterinburg State Academic Opera and Ballet Theatre? Даже по-английски трудно выговорить. Ural Opera Ballet – на всех языках одинаково.

– Продолжим про технологию – вы уже перечислили некоторые необходимые составляющие: команда, ребрендинг… Что сделает региональный театр передовым?
– Главное – художественные идеи и то, насколько за ними готовы следовать артисты и зрители. Больше века назад Сергей Павлович Дягилев, который сам не был ни художником, ни композитором, ни артистом, начал соединять других творцов друг с другом. И предлагать им идеи. Например: давайте заново послушаем старинную итальянскую музыку и воскресим комедию дель арте? Так получился балет «Пульчинелла», в котором сошлись Стравинский и Пикассо. «Русские сезоны» Дягилева – до сих пор актуальное пособие, как надо объединять людей, которые могли быть и незнакомы, чтобы получился прорыв. В российских театрах, которые вы называете не провинциальными, а передовыми, занимаются именно этим.

– То есть возвращаемся на сто лет назад?
– Нет, мы наконец-то усвоили главный урок Дягилева. Например, в Перми решили поставить оперу «Человеческий голос» Пуленка. Это же мелодрама про тетеньку с телефоном? Театр пригласил режиссера Дмитрия Волкострелова, который не ставит мелодрам, его интересует совсем другой тип театра – и от столкновения художника с нетипичным для него жанром возникла искра и сильное полыхание.
Дальше – это короткая опера: четыре часа «Спящей» для нас много, но час в театре все же маловато. Для полного вечера Пуленка нужно было чем-то дополнить. И программный директор театра Дмитрий Ренанский предложил не ставить после антракта другую оперу, а позвать композитора Владимира Горлинского сочинить пролог и эпилог – поместить «Человеческий голос» в этакую музыкальную капсулу, в которой она приобрела новые свойства. Это прекрасный спектакль.
Или как мы в «Урал Опере» создавали балет «Сказки Перро». Выбрали сказки, решили, что у каждой из них должен быть свой звуковой облик, и позвали трех композиторов – Настасью Хрущеву, ее выпускника Алексея Боловленкова и Дмитрия Мазурова. Двое последних никогда ранее не писали балетов. При этом пространство для сказок мы задумали единое, и разработала его художник Юлиана Лайкова – прекрасный мастер, который раньше тоже не ставил балетов. Трое хореографов складывали танцевальную мозаику. Вот такое и я называю художественными идеями.
При этом публика должна осознавать, почему и каким образом это адресовано ей. Театр должен понимать, кто его аудитория – или какой она может стать. «Сказки Перро» были темной лошадкой, а теперь идут с аншлагами по десять раз в сезон, мы с этим балетом объехали все фестивали. «Урал Балет» идентифицируют по этому спектаклю.

– Театр должен понимать, какой публика может стать… А если театр говорит – мы показываем только классику, потому что современные постановки наши зрители воспринимать не готовы?
– Зрители никогда не будут готовы, если им не показывать ничего другого. Как говорил дирижер Геннадий Рождественский, чтобы современные оперы полюбили, их для начала надо поставить. Человечество никогда не смогло бы выйти в космос, если бы последовательно к этому не двигалось. Нужно время, терпение и спокойное отношение к скептикам, которые во все времена будут твердить, что Земля скоро налетит на небесную ось.
И самое главное: нельзя зажимать театр в тисках – классика или современность. Жизнь так не делится. Любое классическое искусство когда-то было современным.

– Тот же Чайковский…
– Да, поэтому и слушать Чайковского сегодня нужно как современного композитора. Слова «классический», «академический», «традиционный», как мне кажется, снимают ответственность за что бы то ни было, передают ее мертвым классикам. Вообще-то ставить классику – это тоже ответственность. Любая постановка, если театр ее почему-то предпринимает, требует ответа на вопрос – какое это отношение имеет к нам сегодня?

– И как уйти от первого ответа – мол, никакого?
– А через секунду всегда оказывается, что это не так.

– Кроме работы со старыми партитурами, вы в Екатеринбурге, судя по «Сказкам Перро» и не только, давно открыты и к новой музыке. Как «Урал Опера» на это решилась?
– Над нами всегда открыт космос, а из звезд складывается мерцающая надпись «еще не созданные произведения». Это наша общая проблема, что новые заказы музыки выглядят чем-то сверхъестественным. Создание нового и разного – естественное дыхание той самой культуры. Мы просто отвыкли дышать. Во все времена в почву уходило 95 процентов новых вещей, а то и больше. Мы никогда не знаем, что выживет и останется в вечности. Но живым художникам, нашим современникам, наше внимание требуется больше, чем мертвым, наш требовательный слух им нужнее всего. Если не заказывать разным авторам разные вещи, мы упустим что-то важное. И композиторы умрут, и музыка умрет, и мы все останемся на выгоревшем поле. Очень скоро и в буквальном смысле.

...

Настёна СПб:


Истории о том, как одной молодой балерине удалось закрепиться в Русском балете Дягилева, а другой нет. У Жевержеевой внезапный истеричка Григорьев, всегда казавшийся мне спокойным и уравновешенным.


ИЗ МЕМУАРОВ ТАМАРЫ ЖЕВЕРЖЕЕВОЙ «ДОЛИ СЕКУНДЫ»

Мы удивленно переглянулись. Мы не знали ни души в Париже, и уж точно нас нигде не видели. Озадаченные, мы ждали возвращения Джорджа [Баланчина]. Когда он вошел, он был бледен и говорил медленно. «Это был Дягилев», - сказал он. «Его агенты выследили нас из Лондона, и им потребовалось пять дней, чтобы найти нас в Париже». Он глубоко вздохнул. «Он хочет видеть нас всех завтра».
Мы прошли прослушивание у Дягилева и подписали индивидуальные контракты, чтобы присоединиться к труппе в Монте-Карло. Данилова и Джордж должны были стать самыми высокооплачиваемыми из-за своего положения в Мариинском театре (Дягилев следил за всем в театральном мире); Ефимов был следующим, а я, у которой не было ничего, кроме театральной школы, чтобы поддержать меня, оказалась в самом низу лестницы.
Казино, театр и репетиционный зал располагались в одном здании, похожем на дворец, фасад которого выходил на площадь Отель-де-Пари, а задняя часть была обращена к Средиземному морю, аквамариновому под обрывом набережной. Дорожка, петлявшая между лимонными деревьями, вела ко входу в зал для повторных слушаний на цокольном этаже.
Распорядок дня труппы был напряженным: в девять утра начинались занятия под руководством маэстро Чеккетти, за которыми следовали репетиции до пяти, всего с полуторачасовым перерывом на обед. Во время самого сезона репетиция после полудня была сокращена на час, чтобы дать нам возможность отдохнуть перед тем, как явиться в театр в семь.
Сергей Дягилев был необыкновенным человеком и деспотом. У него были все характерные черты доктора Джекила и мистера Хайда, его характер менялся от всепоглощающего обаяния до грубости водителя грузовика при любом признаке сопротивления. У него был безупречный вкус и неизменная тяга к открытиям.
Никакой другой человек во Франции не пользовался таким же уважением в мире искусства. Окруженный великими художниками, композиторами и писателями, он правил своими владениями и манипулировал своими людьми, как марионетками. Когда этот крупный мужчина с выступающей челюстью и белой прядью, пробивающейся сквозь его крашеные черные волосы, входил в репетиционный зал, все чувствовали, как напрягаются нервы.

(«Split Seconds» A remembrance by Tamara Geva; Harper & Row, Publishers New York; 1972)
Тамара Левкиевна Жевержеева (17 марта 1907 г., Санкт-Петербург — 9 декабря 1997 г., Нью-Йорк)

ИЗ МЕМУАРОВ АЛИСИИ МАРКОВОЙ «ВОСПОМИНАНИЯ»

Я начала ежедневно посещать занятия с Астафьевой в сопровождении верной Гугги. Всю весну и лето 1921 года я очень усердно работала. Однажды утром дверь студии открылась, и вошел очень элегантный джентльмен в сопровождении еще одного мужчины. Это был Серж Дягилев, а с ним Серж Григорьев, его верный помощник. Дягилев обдумывал грандиозную постановку «Спящей принцессы», которую он должен был представить в театре «Альгамбра» той осенью, и искал дополнительных танцоров. Естественно, он пришел в класс Астафьевой в поисках таланта, поскольку они были хорошими друзьями. Я знала, кто такой Дягилев, потому что мои родители уже водили меня на его труппу, когда балет вернулся в Лондон в конце войны, и я до сих пор мысленно вижу фантастический грим Лидии Соколовой в роли Кикиморы в «Русских сказках» Мясина.
Дягилев наблюдал за нашим занятием и указал, что пара студентов может быть задействована в предстоящей постановке. Среди них был Патрик Хили-Кей, которому было всего семнадцать лет, но он уже был самым талантливым и многообещающим танцором, и в конечном итоге его переименовали в Антона Долина. Он был моим врагом, потому что часто щипал меня и дергал за волосы на уроках, так что я всегда старалась держаться от него как можно дальше во время работы у станка. Затем Дягилев, очень удивленный, указал на меня и спросил об этой «малышке». Меня пригласили танцевать, и я исполнила соло в вальсе Рубинштейна «Каприз». Когда я закончила, раздались перешептывания с Астафьевой. Дягилев подозвал меня к себе, поцеловал и ушел.

(«Markova remembers» dame Alicia Markova; Little, Brown and Company, Toronto; 1986)
Алисия Маркова (урождённая Лилиан Элис Маркс; 1 декабря 1910 г., Лондон — 2 декабря 2004 г., Бат)

...

Настёна СПб:


СОЛИСТЫ БОЛЬШОГО ТЕАТРА (Москва) в балете «ДЯГИЛЕВ»

Ходила 6.06.2026 г. (премьера 24.06.2025 г.)
На сцене Мариинского театра. Балет на музыку Мориса Равеля и Клода Дебюсси; хореограф Алессандро Каггеджи; либретто Екатерины Антоновой; сценограф и художник по костюмам Игорь Чапурин. В ролях: Денис Родькин (Сергей Дягилев), Даниил Потапцев (Вацлав Нижинский), Элеонора Севенард (Тамара Карсавина), Семён Чудин (Михаил Фокин), Вячеслав Лопатин (Морис Равель), Денис Савин (Лев Бакст), Анастасия Меськова (Цыганка).


Балет, посвящённый «кудеснику» – явлению, глыбе, легенде – Сергею Павловичу Дягилеву, не мог рано или поздно не появиться на одной из главных сцен – такая идея витала в воздухе (несколько лет назад я ходила на пластический спектакль «Баллада для безумца», где Дягилев представлен злым гением Нижинского). На этот день у меня были билеты на классическое «Лебединое озеро», но планы поменялись в ту секунду, когда я узнала, что в Мариинке покажут «Сергея Палыча». Я не могла не побежать.
В центре сюжета постановка балета «Дафнис и Хлоя» – провального и проходного спектакля дягилевской труппы. Такой выбор создателей «Дягилева» остался для меня загадкой. У меня ассоциация с фильмом «Нижинский», там Джереми Айронс ноет: «Когда мы будем ставить моего “Дафниса”?» Но все заняты «Фавном», первым балетом Нижинского-хореографа, а Фокин перестал быть интересен Сергею Павловичу. Из-за конфликта интересов Фокин покинул труппу. Всего этого в нынешнем спектакле нет.
Образу Дягилева, по-моему, не хватило многогранности и яркости. Сергей Павлович – личность сложная, он любил и ненавидел, тиранил и заботился, был властным и щедрым, жёстким и сентиментальным, руководил железной рукой и слёзно рыдал. Но ни разу не сломался, находился в вечном поиске и всегда шёл вперёд – это показано. Показано, что он «не ради людей, а ради искусства». Дягилев заставлял танцевать мановением волшебной палочки-трости, но делал это не только силой принуждения. В постановке импресарио новатор и диктатор, гений-тиран, мне не хватало его знаменитого шарма, его чувствительности. В этом Дягилеве ощущается глухая страсть, но мало эмоций. Но характер, заложенный рисунком роли, Денис Родькин исполнил прекрасно.
Появление многочисленных двойников, теней главного героя, наверное, мотив раздвоения (всё же создатели спектакля не могли это не отметить) и могущества. С двойниками, на мой взгляд, самый сильный и запоминающийся хореографический номер. Отсюда и тема зеркал – игра образов, зеркальный коридор, зеркальное закулисье. И в бесконечном отражении бесконечность Дягилева – как лифарёвское «Дягилев – чудо, Дягилев – вечен!»
Образ Цыганки, предсказавшей юному Дягилеву смерть на воде – это и злой рок, и неотвратимость судьбы, и вечная кочевая жизнь, и отражение (и внешне, и по характеру) самого Сергея Павловича. Что-то, что Дягилев с яростной решимостью старается преодолеть (и преодолевает), но от себя не убежишь.
Нижинский изначально похож на сломанную куклу, как из «Петрушки». Не понятна логика его поведения: из какого протеста он отбросил костюм Бакста? Естественно получить за такую демонстрацияю тростью от Дягилева. Но внутренний монолог Нижинского произвёл сильное впечатление. Белые шарфы – то ли из «Фавна, то ли смирительные рубашки – окутали танцовщика словно коконом. Прямая отсылка на будущее безумие Вацлава. Но нет ли здесь намёка, что в болезни виноват Сергей Павлович?
Понравился чудесный, искренний романтический дуэт Фокина (ай-ай, женатый человек) и Карсавиной. Но мне показалось, что этот номер нужен для того, чтобы в балете была любовная линия. Второстепенные роли Бакста и Равеля не слишком выразительные, но запоминающиеся.
Хореограф соединил в балете классические, неоклассические и современные элементы танца; есть отсылки к фокинской лирике и угловатости Нижинского – практически синтез искусств, как у мирискусников. Понравился творческий беспорядок на сцене – склад декораций с французскими надписями, трансформирующийся в репетиционный зал. К слову, для исторического «Дафниса» костюмы Бакста позаимствовали из другого «древнегреческого» балета, «Нарцисса», и выглядели они не так, как в этой постановке (тут явная отсылка к «Весне священной», где художник Рерих), да и на пуантах в модернистских балетах не танцевали. Но спектакль – это не иллюстрация.
В балете много метафор и образов – красиво и любопытно, но не всегда ясно. Не могу сказать, я понимала происходящее на сцене потому, что мне это показывают или потому, что я в курсе дела. И что меня крайне удивило – фонограмма: а что, так можно?

...

Регистрация · Вход · Пользователи · VIP · Новости · Карта сайта · Контакты · Настроить это меню