Алфавитный список музыкальных исполнителей

reborn: 10.08.14 21:36

 » Holly Buddy / Холли Бадди

Имя: Buddy Holly/Ба́дди Хо́лли
Дата рождения: 7 сентября 1936
Дата смерти: 3 февраля 1959 (22 года)
Место рождения: Лаббок, Техас, США
Профессии: Певец, гитарист, композитор
Коллективы: The Crickets
Направление в музыке: Hок-н-ролл, рокабилли, бит
Годы активности: 1955-1959 гг

Чарльз Ха́рдин Хо́лли (англ. Charles Hardin Holley), известный как Ба́дди Хо́лли (англ. Buddy Holly) — американский певец и автор песен, один из первопроходцев рок-н-ролла. Несмотря на то, что его успех продолжался всего полтора года (будучи лишь 22-летним он погиб в авиакатастрофе), критик Брюс Эдер описал его личность как «самую влиятельную созидательную силу в раннем рок-н-ролле».
Его инновации в творчестве сильнейшим образом повлияли в равной мере как на современников, так и на последующие поколения музыкантов, включая The Beatles, The Beach Boys, The Rolling Stones, Боба Дилана; ключевым образом отразились на дальнейшем развитии поп-музыки.
Холли был в числе первых включенных в Зал славы рок-н-ролла в 1986.
В 2004 по версии журнала Rolling Stone Бадди Холли получил 13 место в списке «Пятидесяти Величайших Артистов Всех Времен»

Ранние годы:

Чарльз Хардин Холли родился в городе Лаббок, штат Техас, в День Труда 7 сентября 1936. Его родители — Лоуренс Оделл Холли и Элла Паулина Дрейк. Семья Холли была музыкальной, и мальчик с детства учился игре на фортепиано, гитаре и скрипке. В семье его всегда называли Бадди (Buddy — англ. разг. дружок, приятель). В 1949 Бадди делал первые записи на магнитофон, позаимствованный у друга, работавшего в музыкальном магазине.
Осенью того же года он встретил Боба Монтгомери в Хатчистонской высшей школе для юниоров. Они обнаружили общие интересы и вскоре объединились в группу «Бадди и Боб». Изначально на них повлияла музыка стиля блюграсс, они пели дуэтом в местных клубах и на школьных представлениях. Его портрет был повешен на стену почета Хатчистонской высшей школы. Кроме того, Холли посещал также Высшую школу Лаббока, где он пел в хоре; школа неоднократно его награждала.
На протяжении обучения в высшей школе музыкальные интересы Бадди Холли расширялись.

Карьера в музыке:

Бадди Холли пришёл к рок-н-роллу после того, как увидел концерт Элвиса Пресли в Лаббоке в начале 1955. 15 октября на аналогичном шоу он попался Пресли на глаза. Также в ходе местного выступления Билла Хейли Бадди Холли был на разогреве. Концерт был организован Эдди Крэнделлом, который был также менеджером Марти Роббинса.
В результате этого выступления 8 февраля 1956 года Decca Records заключила с ним контракт, в котором его фамилия Holley была написана с ошибкой, но без изменения произношения, как Holly. Такое написание имени прижилось в музыкальной карьере Бадди. Он организовал собственный музыкальный коллектив, который к тому времени пока ещё не имел названия. Позже он был назван the Crickets.
В этом же году он приехал в Нашвилл для трех сессий записи под руководством продюсера Оуэна Брэдли. Однако Холли попал в напряженную атмосферу, ему не был обеспечен простор для деятельности.
Наравне с другими треками, он записал раннюю версию песни «That’ll Be the Day», в названии которой использованы слова персонажа Джона Уэйна из фильма Искатели. Первыми синглами компания звукозаписи выбрала «Blue Days, Black Nights» и «Modern Don Juan», которые не произвели на слушателей особого впечатления. 22 января 1957 Decca Records уведомила Холли, что его контракт продлен не будет, но, несмотря на это, он не имел права записывать те же песни где-либо ещё на протяжении пяти лет.
Для группы Бадди Холли менеджментом занимался Норман Петти, группа начала записываться в студиях Петти в городе Кловис, штат Нью-Мексико. Петти начал налаживать связи с музыкальными издателями и лейблами. 19 марта группе The Crickets удалось подписать контракт с лейблом Brunswick Records, дочерним лейблом Decca. Вскоре после этого Холли подписал, как соло-артист, контракт с другим дочерним предприятием Decca, а именно Coral Records. Таким образом получилась необычная для него ситуация, когда у него было подписано одновременно два контракта.
27 мая вышла в качестве сингла запись «That’ll Be the Day», приписываемая группе The Crickets, в попытке избежать конфликтов с правами Decca на песни Бадди Холли. Когда сингл стал хитом, Decca решает закрыть на это глаза. Песня занимает лидирующую позицию среди самых продаваемых в магазинах и возглавляет британский чарт синглов на протяжении трех недель, начиная с 1 ноября. The Crickets представляют его и ещё один хит публике на Шоу Эда Салливана 1 декабря.
Бадди Холли выступал за преодоление расовых границ, существовавших на тот момент в рок-н-ролле. В то время, как Элвис Пресли сделал афроамериканскую музыку более доступной «белым», Холли завоевывал «черную» аудиторию, в том числе на концертах The Crickets в театре Аполло в Нью-Йорке 16—22 августа 1956. Тогда, в отличие от показанной в фильме Жизнь Бадди Холли мгновенной реакции публики, в реальности потребовался не один концерт, чтобы аудитория признала его таланты. В августе 1957 «The Crickets» были единственными белокожими участниками национального гастрольного тура, первого в их карьере.
В результате двух контрактов выходят два дебютных альбома Бадди Холли, как участника The Crickets и как сольного артиста: 27 ноября 1957 The "Chirping" Crickets и 20 февраля 1958 Buddy Holly Синглы «Peggy Sue» и «Oh, Boy!» покорили вершины американского и британского чартов. В январе Холли со своей группой гастролировал по Австралии, в марте отправился в Великобританию. Третий и последний альбом That’ll Be the Day был составлен целиком из ранних записей и выпущен в апреле. Он получил плохие отзывы критиков и содержал, по их мнению, лишь одну запоминающуюся песню, давшую название альбому.

Смерть:

2 февраля 1959 года ансамбль играл в Клир-Лейк в Айове. Все были крайне уставшими, и Холли решил вместо автобуса добраться на самолете до следующего пункта — города Мурхед в Миннесоте.
3 февраля 1959 года самолёт, в котором кроме Холли находились восходящие звёзды рок-н-ролла Ричи Валенс и Биг Боппер, не долетел до места назначения: он попал в бурю и разбился на поле за 8 миль до аэропорта. Все музыканты погибли.
Дон Маклин впоследствии назвал эту трагедию «Днём, когда умерла музыка».

Влияние:

После смерти Холли осталось много неизданного материала, который был выпущен в 1960-е гг. Его техника игры на гитаре оказала большое влияние на The Beatles и группы британского вторжения. В Лаббоке, его родном городе, находится музей Бадди Холли, его именем названы улица и различные фестивали. Также в честь Бадди была названа группа The Hollies.
В 1978 году вышел художественно-биографический фильм «История Бадди Холли», с Гэри Бьюзи в главной роли (за эту роль Гэри Бьюзи был номинирован на Оскар).
Бадди Холли стал прообразом Диона Селина, главного героя книги Терри Пратчетта «Роковая музыка». От оригинала ему достался не только псевдоним, но и судьба.
В художественном фильме «Шестиструнный самурай» главный герой не только внешне (одежда, очки, гитара) похож на Бадди Холли, но и носит имя Бадди.

Упоминания:

На альбоме группы «Кино» «46» 1983 года Виктор Цой в песне «Я иду по улице» поёт «И в зеркалах витрин я так похож на Бадди Холли…».
На альбоме группы Адо «Осколки» 1994 года есть песня «Золотые часы (Ещё не погиб Бадди Холли)».
В репертуаре группы «Крематорий» есть песня «Бадихойли».
У немецкой панк-рок группы Die Arzte есть песня «Buddy Holly’s Brille» («Очки Бадди Холли»).
У американской инди-рок группы Weezer есть сингл Buddy Holly.
Джейн Биркин в песне «Ex-fan Des Sixties» упоминает Бадди.

При жизни у Бадди Холли вышло три студийных альбома. В 1960 годы вышло много неизданных песен.

...

Cama s ytra: 11.08.14 08:42

 » Smokie / Смоки

Название группы: Smokie / Смоки
Жанры: рок-н-ролл, глэм-рок, софт-рок, поп-рок
Годы: 1975—наше время
Страна: Великобритания
Откуда: Брэдфорд, Англия
Состав: Терри Аттли
Мартин Буллард
Стив Пиннелл
Майк Крафт
Мик МакКоннелл
Бывшие участники: Крис Норман
Алан Силсон
Пит Спенсер
Рон Келли
Алан Бартон

Smokie (первоначально англ. Smokey, созвучно со словом англ. smoky, дымный, копчёный, прокуренный) — известная английская группа, основанная в 1975 году в Брэдфорде, графство Йоркшир, получившая большую известность в Европе в 1970-х годах.
История
Весьма продолжительное время ансамбль, тогда Kindness (рус. Доброта), не решался давать большие концерты, так как музыканты были выходцами из рабочих кварталов, и успешно выступали только в пабах и ночных клубах в окрестностях Брэдфорда. Попытки найти контакты с звукозаписывающими компаниями не увенчались успехом.
В 1974 году в небольшом лондонском клубе «Хэтчет» они попадают в поле зрения авторской паре Ники Чинн — Майк Чэпмен, уже успешно работавших с Сьюзи Кватро, группами Sweet и Mud.
В начале 1975 года Чинн и Чэпмен объявили о «зарождении» нового ансамбля «Smokey», который дебютировал с альбомом Pass It Around.
Состав ансамбля долгое время оставался постоянным — вокалист Крис Норман, гитарист Алэн Силсон, ударник Пит Спенсер и басист Терри Аттли. Но в 1986 году Крис Норман начал сольную карьеру, а группа продолжила с новым вокалистом Аланом Бартоном, часто используя старые и проверенные песни. Примерно в это же время в составе появляются клавишник Мартин Буллард и ударник Стив Пиннелл. Однако в 1995 году Алан Бартон погибает в автокатастрофе в турне по Германии. Его место занимает старый друг группы Майк Крафт.

...

Nimeria: 11.08.14 10:55

 » Armstrong Louis / Армстронг Луи

Имя: Louis Armstrong / Луи Армстронг
Дата рождения: 4 августа 1901 года
Дата смерти: 6 июля 1971 года (69 лет)
Место рождения: Новый Орлеан, Луизиана, США
Направление в музыке: джаз, блюз, свинг
Годы активности: 1914-1971 гг

Биография: Луи́ А́рмстронг, также «Сэчмо», «Попе», «Биг Джаз» (англ. Louis Daniel «Satchmo» Armstrong) — американский джазовый трубач, вокалист и руководитель ансамбля. Оказал (наряду с Дюком Эллингтоном, Чарли Паркером, Майлсом Дейвисом и Джоном Колтрейном) наибольшее влияние на развитие джаза и много сделал для его популяризации во всем мире.
Луи, как называли его на креольский манер, родился в беднейшем негритянском районе Нового Орлеана. Рос в неблагополучной семье (мать — прачка, отец — рабочий-поденщик). Его отец рано бросил семью, и мальчика вместе с младшей сестрой Беатрис отдали на воспитание бабушке Джозефине, которая ещё помнила времена рабства. Спустя некоторое время мать Армстронга, Мэйэнн, забрала Луи и в дальнейшем воспитывала его сама (хотя должного внимания ему никогда не уделяла). Они жили в Сторивилле, районе, известном своими свободными нравами, а также барами, клубами, танцзалами и публичными домами. Армстронг с детства работал, развозил уголь, продавал газеты и тому подобное.
Семилетнего мальчишку пожалела и пригрела у себя еврейская семья Карнофски, недавно иммигрировавшая в Америку из Литвы. Поначалу они просто давали ему «работу» по дому, чтобы подкормить вечно голодного ребёнка. Потом он стал оставаться ночевать в доме евреев, где впервые в жизни с ним обращались с добротой и лаской. Когда он ложился спать, г-жа Карнофски пела ему русскую колыбельную, и он подпевал ей. Позже он научился петь и играть множество русских и еврейских песен. Со временем мальчик фактически стал приёмным сыном в этой семье. Карнофски дали ему деньги на покупку его первой трубы; как водится в еврейских семьях, они искренне восхищались его музыкальным талантом. Позже, когда он стал профессиональным музыкантом и композитором, он использовал еврейские мелодии, в таких, например, композициях, как «St. James Infirmary and Go Down», «Moses». В память о них он до конца жизни носил Звезду Давида и рассказывал, что именно у этой семьи он научился «how to live — real life and determination».
Армстронг рано начал петь в небольшом уличном вокальном ансамбле, играл на барабанах и за несколько лет натренировал свой слух. Первое музыкальное образование он получил в исправительном лагере-интернате «Уэйф’с Хоум» для цветных подростков в 1913 году, куда попал за случайный озорной поступок — стрельбу из пистолета на улице в Новый год (пистолет был похищен им у полисмена — одного из клиентов матери). Там он сразу присоединился к лагерному духовому оркестру и научился играть на тамбурине, альтгорне, а затем освоил корнет. Оркестр исполнял традиционный для того времени репертуар — марши, польки и популярные песенки. Ко времени окончания срока Луи уже решил стать музыкантом. Освободившись, он начал ходить по клубам и играть на одалживаемых инструментах в местных оркестрах. Его взял под своё покровительство Кинг Оливер, считавшийся тогда лучшим корнетистом города и которого сам Луи Армстронг считал своим настоящим учителем. После отъезда Оливера в Чикаго в 1918 году Армстронга взял в свой ансамбль весьма авторитетный тромбонист Кид Ори. Луи эпизодически начинает выступать в ансамбле «Tuxedo Brass Band» Оскара «Папы» Селестина, где играли тогда такие музыканты как Пол Домингес, Затти Синглтон, Альберт Николз, Барни Бигард и Луис Рассел. Участвует в джазовых парадах по улицам родного города и играет в бэнде «Jazz-E-Sazz Band» Фэтса Мэрейбла, который выступал в дансингах на пароходах, плавающих в летний сезон по Миссисипи. Мэрейбл, достаточно профессиональный бэнд-лидер, преподал юноше первые основы нотной грамоты и Армстронг становится квалифицированным музыкантом. За ним, постепенно, в среде музыкантов закрепляется прозвище Сачмо — сокращение от английского Satchel Mouth (рот-меха).

Карьера: В 1922 году Оливеру понадобился второй корнетист, и он приглашает Армстронга в Чикаго играть в «Линкольн Гарденс» (ресторан на 700 мест) в своем оркестре «Creole Jazz Band». Этот бэнд был в то время самым ярким джазовым составом в Чикаго, и работа в этом бэнде многое дала Армстронгу для его будущей карьеры. В составе «Креольского джаз-бэнда» Оливера в Чикаго Армстронг сделал свои первые записи. В 1924 году он во второй раз женится (первой его женой была проститутка, симпатичная креолка Дэйзи Паркер из Нового Орлеана) на пианистке ансамбля, Лил Хардин, и по настоянию своей жены начинает самостоятельную карьеру. Армстронги уезжают в Нью-Йорк, где Луи поступает на работу в оркестр Флетчера Хендерсона. Там к нему приходит известность, любители джаза приходят слушать бэнд зачастую ради его «горячих» соло. К этому времени окончательно формируется собственный стиль Луи Армстронга — яркий, импровизационный и изобретательный.
В этот период Армстронг участвует в записях ансамбля «Blu Five» пианиста Кларенса Уильямса и работает в составах различных аккомпанирующих ансамблей со многими блюзовыми и джазовыми вокалистами (Ма Рэйни, Трикси Смит, Кларой Смит, Бесси Смит, Альбертой Хантер, Мэгги Джонс, Евой Тэйлор, Вирджинией Листон, Маргарет Джонсон, Сипи Уоллес, Перри Брэдфордом).
В 1925 году по истечении срока ангажемента у Флетчера Хендерсона Луи Армстронг возвращается в Чикаго и там много и успешно работает. Играет у Эрскина Тэйта в театральном шоу-бэнде, где ярко проявляется его актёрское дарование. Делает исторические записи со своим лучшим студийным составом «Hot Five». Записи сделанные в эти годы при участии тромбониста Кида Ори, кларнетиста Джонни Доддса, исполнителя на банджо Джонни Сент-Сира и пианистки Лил Хардин (позднее в записях участвуют Фред Робинсон, Джимм Стронг, Эрл Хайнс и Затти Синглтон) становятся шедеврами джазовой классики. В 1926 году Луи — солист оркестра Кэрролла Диккерсона, после ухода которого Армстронг сам становится бэндлидером и в течение короткого времени руководит собственным оркестром «Louis Armstrong And His Stompers», членами которого были Бойд Аткинс, Джо Диксон, Эл Вашингтон, Эрл Хайнс, Рип Бассет, Пит Бриггс, Табби Холл. В 1927 году к студийному квинтету «Hot Five» примыкают Пит Бриггс и Бэби Доддс (брат Джонни) и образуется новый студийный состав «Hot Seven», с которым осуществляется ряд блестящих сессионных записей. В то же время Армстронг отказывается от корнета и полностью переходит на трубу, полюбившуюся ему более ярким звучанием. Выступает в дуэтах с пианистом Эрлом Хайнсом и начинает петь в манере «скэт» (впервые это происходит при записи пьесы «Heebie Jeebies»), получая огромный успех у слушателей.
В 1929 году Луи Армстронг окончательно перебирается в Нью-Йорк. Наступает эра биг-бэндов, и он все больше концентрируется на танцевальной, популярной тогда свит-музыке (sweet music). Армстронг привносит в этот музыкальный стиль свою яркую индивидуальную манеру, свойственную хот-джазу, и быстро становится звездой национального масштаба. Талант Сачмо достигает расцвета.
В 1930-е годы Луи Армстронг много гастролировал, выступал со знаменитыми биг-бэндами Луиса Расселла и Дюка Эллингтона, затем в Калифорнии — с оркестром Леона Элкинса и Леса Хайта, участвовал в киносъемках в Голливуде. В 1931 году посещает с биг-бэндом Новый Орлеан; вернувшись в Нью-Йорк, играет в Гарлеме и на Бродвее. Ряд турне совершенных в Европу (в довоенный период с 1933 года он несколько раз выступал в Англии, гастролировал в Скандинавии, Франции, Голландии) и Северную Африку приносит Армстронгу широчайшую известность как у себя на родине (прежде в США он был популярен в основном у негритянской публики), так и за рубежом. В промежутках между гастролями выступает с оркестрами Чарли Гейнза, Чика Уэбба, Кида Ори, с вокальным квартетом «Mills Brothers», в театральных постановках и радиопрограммах, снимается в кинофильмах.
В 1933 году вновь руководит джаз-бэндом. C 1935 года всю деловую часть жизни Армстронга берет под свой контроль его новый менеджер Джо Глейзер — тертый профессионал в своем деле. В 1936 году в Нью-Йорке выходит его автобиографическая книга «Swing That Music». Затем наступают проблемы со здоровьем: переносит несколько операций, связанных с лечением травмы верхней губы (деформация и разрыв тканей из-за чрезмерного давления мундштука и неправильного амбушюра), а также операцию на голосовых связках (с её помощью Армстронг пытается избавиться от хриплого тембра голоса, ценность которого для его неповторимой исполнительской манеры он осознает лишь впоследствии).
В 1947 году Джо Глейзер, его менеджер, собирает для Армстронга ансамбль «All Stars» («Все звезды»). Первоначально это действительно был оркестр всех звезд — в него тогда входили кроме Луи Армстронга (труба, вокал) Эрл Хайнс (фортепиано), Джек Тигарден (тромбон), Барни Бигард (кларнет), Бад Фримен (тенор-саксофон), Сид Кэтлетт (ударные) и другие знаменитые мастера джаза. Впоследствии музыканты часто менялись и благодаря своему участию в группе многие малоизвестные до тех пор джазмены приобретали большую известность.
«All-Stars» ориентировались на исполнение в стиле «диксиленд», а также джазовые обработки популярных песен, причем последние все же преобладали в репертуаре ансамбля. К середине 50-х годов Луи Армстронг был одним из самых знаменитых в мире музыкантов и шоуменов, к тому же он снялся более чем в 50-ти фильмах. Госдепартамент США присвоил ему неофициальный титул «Посол джаза» и неоднократно спонсировал его мировые турне. В середине 50-х, когда Госдеп при Эйзенхауэре был готов финансировать его поездку в Россию, Луи отказался: «Люди спросили бы меня там, что делается у меня в стране. Что я бы мог им ответить? У меня прекрасная жизнь в музыке, но чувствую я себя, как любой другой негр…». Впоследствии, в 60-е неоднократно обсуждались разные варианты его гастролей в СССР, но всё это так и осталось в проектах.
В 1954 году он пишет вторую автобиографическую книгу «Satchmo. My Life in New Orleans».
В дальнейшем популярность артиста продолжала возрастать благодаря его неутомимой и разносторонней творческой деятельности. Примечательна его совместная работа с Сиднеем Беше, Бингом Кросби, Саем Оливером, Дюком Эллингтоном , Оскаром Питерсоном и другими звездами джаза, участие в джаз-фестивалях (1948 — Ницца, 1956-58 — Ньюпорт, 1959 — Италия, Монтерей), гастроли во многих странах Европы, Латинской Америки, Азии, Африки. При его содействии был организован ряд филармонических джазовых концертов в Таун-холле и на сцене Метрополитен-опера. Классической стала сделанная им и Эллой Фицджеральд в 1950-е годы запись оперы Гершвина «Порги и Бесс».
В 1959 году Армстронг перенес инфаркт и с этого момента здоровье уже не позволяло ему выступать в полной мере, однако он никогда не прекращал концертные выступления.
В 1960-е гг. Армстронг работает чаще в качестве вокалиста, записывая как новые версии традиционных композиций в стиле госпел («Go Down Moses»), так и новые песни (напр., тема к фильму «На секретной службе Её Величества», «We Have All the Time in the World»). Вместе с Барброй Стрейзанд он принял участие в мюзикле «Привет, Долли!»; выпущенная отдельным синглом песня «Hello, Dolly!» в его исполнении дошла до первого места в американском хит-параде продаж. Последним хитом Армстронга стала жизнеутверждающая песня «What a Wonderful World» (первое место в Великобритании).
В конце 60-х годов здоровье артиста стало резко ухудшаться, но он продолжает работать. 10 февраля 1971 года он в последний раз играл и пел в телешоу со своим старым партнером по сцене Бингом Кросби. В марте Сачмо и его «All Stars» ещё две недели выступали в «Уолдорф Астория» в Нью-Йорке. Но очередной сердечный приступ вновь заставил его лечь в больницу, где он пробыл два месяца. 5 июля 1971 года Армстронг просит собрать его оркестр для репетиции. 6 июля 1971 года величайший джазмен уходит из жизни. Сердечная недостаточность привела к отказу почек.
Смерть Армстронга вызвала настоящий поток самых искренних и глубоких соболезнований. Многие газеты не только в США, но и в других странах (в том числе и советская газета «Известия») поместили на первой полосе сообщение о его кончине. Похороны прошли очень торжественно и транслировались по телевидению на всю страну. 8 июля тело было выставлено для торжественного прощания в учебном манеже Национальной гвардии, предоставленном для этих целей по личному распоряжению президента США. В заявлении, сделанном президентом Никсоном, говорилось: «Госпожа Никсон и я разделяем горе миллионов американцев в связи со смертью Луи Армстронга. Он был одним из творцов американского искусства. Человек яркой индивидуальности, Армстронг завоевал всемирную известность. Его блестящий талант и благородство обогатили нашу духовную жизнь, сделали ее более насыщенной».
Оглядываясь на творчество Армстронга, поражаешься тому, какое огромное воздействие оно оказало на музыку XX века. Почти невозможно, включив радио или телевизор, услышать музыку, в которой бы не сказалось его влияние. Луи Армстронг был одним из величайших музыкантов, когда-либо игравших джаз и одновременно одной из самых противоречивых фигур в нём. Труба Армстронга звучала божественно, особенно, когда он был в ударе. Оттого, наверное, многих музыкантов и слушателей буквально ослеплял его талант. Поэтому и сегодня для большинства джаз — это прежде всего Луи Армстронг. Все, за что люди любят джаз, воплощено в этом имени. И хотя Луи Армстронг — это ещё не весь джаз, но он — это душа джазовой музыки.
Являясь трубачом-революционером своего времени, Армстронг заложил фундамент всех грядущих джазовых революций. Не будь его, судьба джазовой музыки могла сложиться иначе. С приходом Сачмо уходит в тень мягкая окраска звука и коллективные импровизации. А Луи Армстронг ярким звуком трубы, с удивительной вибрацией, с головокружительными переходами, с ритмической раскрепощенностью и неистощимой фантазией своих импровизаций расширяет представление о возможностях трубы и музыканта, играющего на ней. Благодаря Армстронгу джаз пошёл по сольному пути развития.
Армстронг-трубач прежде всего поражал своей удивительной техникой. Характеризуя его сольный «чикагский» стиль (созданный на основе новоорлеанского) американский критик и исследователь джаза Джеймс Линкольн Коллиер писал: «Его тон был насыщенным и ясным, атака — чистой. Он великолепно владел верхним регистром, мог исполнять в быстром темпе самые сложные пассажи. Современная техника игры на медных духовых инструментах была разработана в 1930-х — 1940-х годах американскими музыкантами, выступавшими в составе танцевальных оркестров. Следует, однако, признать, что все они при этом в значительной мере отталкивались от того, что ещё до них сделал Армстронг».
Известный свинговый ударник Джин Крупа не преувеличивал, когда говорил: «Каков бы ни был стиль джазового музыканта, он не сыграет и 32 тактов, не отдав музыкальной дани Луи Армстронгу. Всё сделал Луи, и сделал первым».
А известный продюсер Джордж Авакян писал: «Он был наиболее одаренным и искусным из всех импровизаторов джаза. Хотя тогда ещё и не было такого термина, но именно он «свинговал» больше, чем кто-либо другой, — сплошь и рядом тусклое исполнение любого номера озарялось искрой жизни, когда Луи начинал свое соло, даже если это соло длилось всего восемь тактов. Как новатор, он ввел в джаз множество новых приемов и внес ряд свежих идей, которые потом становились клише для других музыкантов, но из них опять же появлялись новые ростки хорошей музыки, которые благодаря Луи становились знакомыми каждому человеку в джазе».
Размах его интересов подтверждают сотрудничество и совместные выступления с музыкантами различных стилей — диксиленда, свинга и модерн-джаза, с симфонизированными составами, исполнителями спиричуэлов и госпелов, церковными хорами, блюзовыми певцами, а также участие в филармонических джазовых концертах, мюзиклах, шоу, музыкальных фильмах. Армстронг выработал стиль, легко адаптирующийся к любому музыкальному контексту и к любой аудитории. Он мог одновременно удовлетворять вкусы диаметрально противоположных категорий слушателей (включая поклонников поп-музыки и шлягеров).
Армстронг — едва ли не самая уникальная личность в истории джаза. В своем творчестве маэстро сумел соединить несоединимое: неповторимо индивидуальный тип самовыражения с беспредельной общедоступностью музыки, грубоватую простоту и спонтанность, традиционализм с новаторством, негритянский идеал звукоизвлечения с европеизированными идиомами свинга и мэйнстрима.
Армстронг оставался неоспоримым королем джаза до самой своей смерти, и ни на одну минуту не ослабевал его талант, не иссякала сила его воздействия на слушателей. Его теплота и юмор неизменно делали его дорогим и близким для всех, с кем он встречался. Его смерти соболезновали все ведущие мастера джаза — Дюк Эллингтон, Диззи Гиллеспи, Джин Крупа, Бенни Гудмен, Ал Хирт, Эрл Хайнс, Тэрри Гленн, Эдди Кондон и многие другие. «Если кого-нибудь и следует назвать Господин Джаз, так это Луи Армстронга, — говорил Дюк Эллингтон. — Он был и навсегда останется эпитомией джаза».
Говоря от имени музыкантов и от имени миллионов почитателей его таланта, Диззи Гиллеспи подчеркивал: «Луи не умер, потому что его музыка остается и останется в сердцах многих и многих миллионов людей во всем мире и в игре сотен тысяч музыкантов, ставших его последователями».

Личная жизнь: В возрасте всего лишь 16 лет Армстронг встретил проститутку Дэйзи Паркер и женился на ней. Этот брак был первым и через 5 лет закончился разводом.
Второй женой музыканта с 1924 года была пианистка Лилиан Харден, которая уговорила его переехать жить и работать в Нью-Йорк. С ней Луи развёлся в 1938 году.
Третьей женой с 1938 по 1942 год была Альфа Смит, которую по большому счёту интересовали только деньги и слава.
И только с 4–й женой он, наконец, обрёл любовь и счастье. Армстронг наконец-то был счастлив в браке (они прожили вместе с 1942 года до самой его смерти в 1971 году). Люси Уилсон была танцовщицей. Вскоре после свадьбы, в 1943 году она купила дом в рабочем квартале Квинса.
Вернувшись с гастролей, Луи Армстронг на такси приехал по новому адресу, и не мог поверить, что это его новый дом: «Я позвонил, - вспоминал он, - дверь открылась. И кто, как вы думаете, ждал меня на пороге в тонком шелковом халате?»
До конца его жизни, Люсиль Уилсон Армстронг поддерживала семейный очаг, которого ему так не хватало в детские годы на улицах Нового Орлеана.

...

Cama s ytra: 11.08.14 11:34

 » Piaf Edith / Пиаф Эдит

Псевдоним: Édith Piaf / Эди́т Пиа́ф
Полное имя: Эдит Джованна Гассьон
Дата рождения: 19 декабря 1915
Место рождения: Париж, Франция
Дата смерти: 10 октября 1963 (47 лет)
Место смерти: Грас, Франция
Годы активности: 1935—1963
Страна: Франция
Профессии: певица
Жанры: шансон

Биография
Детство
Эдит Пиаф родилась в семье несостоявшейся актрисы Аниты Майяр, на сцене выступавшей под псевдонимом Лина Марса, и акробата Луи Гассьона. В начале Первой мировой войны он отправился добровольцем на фронт. Специально получил двухдневный отпуск в конце 1915 года, чтобы увидеть свою новорожденную дочь Эдит. По одной из версий своё имя будущая певица получила в честь британской медсестры Эдит Кэвелл, расстрелянной немцами 12 октября 1915 года.
Через два года Луи Гассьон узнал, что жена его бросила, а дочь отдала на воспитание своим родителям. Условия, в которых жила маленькая Эдит, были ужасающими. Бабушке некогда было заниматься ребёнком, и она часто наливала внучке в бутылочку вместо молока разбавленное вино, чтобы та её не беспокоила. Тогда Луи отвёз дочь в Нормандию к своей матери, содержавшей публичный дом.
Потом выяснилось, что трёхлетняя Эдит совершенно слепа. К тому же оказалось, в первые же месяцы жизни у Эдит начал развиваться кератит, но бабушка по материнской линии, видимо, этого просто не замечала. Когда никаких других надежд не оставалось, бабушка Гассьон и благородные девицы повезли Эдит в Лизье к святой Терезе, куда ежегодно собираются тысячи паломников со всей Франции. Поездку назначили на 19 августа 1921 года, а 25 августа 1921 год Эдит прозрела. Ей было шесть лет. Первое что она увидела — это клавиши пианино. Но глаза её так и не наполнились солнечным светом. Великий французский поэт Жан Кокто, влюблённый в Эдит, называл их «глазами прозревшего слепца».
Вскоре Эдит пошла в школу, окруженная заботами любящей бабушки, но добропорядочные обыватели не хотели видеть рядом со своими детьми ребёнка, живущего в публичном доме, и учёба для девочки очень быстро закончилась. Тогда отец забрал Эдит в Париж, где они стали вместе работать на площадях — отец показывал акробатические трюки, а его девятилетняя дочь пела. Эдит зарабатывала пением на улице до тех пор, пока её не взяли в кабаре «Жуан-ле-Пен». Когда Эдит исполнилось пятнадцать лет, она познакомилась со своей младшей единокровной сестрой Симоной. Мать Симоны настаивала на том, чтобы одиннадцатилетняя дочь начала приносить в дом деньги, отношения в семье, где кроме Симоны росли ещё семеро детей, складывались тяжелые, и Эдит забрала младшую сестру к себе петь на улице. До этого она уже жила самостоятельно.
Юность
В 1932 году Эдит познакомилась с владельцем магазина Луи Дюпоном (фр. Louis Dupont), через год у 17-летней Эдит родилась дочь Марсель. Однако Луи не устраивало, что Эдит слишком много времени уделяет своей работе, и он потребовал оставить её. Эдит отказалась, и они расстались. Вначале дочь оставалась с матерью, но однажды, придя домой, Эдит не обнаружила её. Луи Дюпон забрал дочь к себе, рассчитывая, что любимая женщина вернётся к нему. Дочь Эдит заболела менингитом и попала в больницу. После посещений дочери заболела сама Эдит. В то время эта болезнь излечивалась плохо, не было подходящих медикаментов, и врачи зачастую могли просто наблюдать за болезнью в надежде на благополучный исход. В результате Эдит выздоровела, а Марсель скончалась (1935). Она была единственным ребёнком, родившимся у Пиаф.
В 1935 году, когда Эдит исполнилось двадцать лет, её заметил на улице Луи Лепле, владелец кабаре «Жернис» на Елисейских Полях, и пригласил выступать в своей программе. Он научил её репетировать с аккомпаниатором, выбирать и режиссировать песни, объяснил, какое огромное значение имеют костюм артиста, его жесты, мимика, поведение на сцене. Именно Лепле нашёл для Эдит имя — Пиаф (на парижском арго значит «воробушек»). В рваных туфлях она пела на улице: «Родилась, как воробей, прожила, как воробей, умерла, как воробей». В «Жернисе» на афишах её имя было напечатано как «Малышка Пиаф», и успех первых же выступлений был огромным. 17 февраля 1936 года Эдит Пиаф выступила в большом концерте в цирке «Медрано» вместе с такими звездами французской эстрады, как Морис Шевалье, Мистенгетт, Мари Дюба. Короткое выступление на Радио-Сити позволило ей сделать первый шаг к настоящей славе — слушатели звонили на радио, в прямой эфир, и требовали, чтобы Малышка Пиаф выступала ещё.
Однако успешный взлёт был прерван трагедией: вскоре выстрелом в голову был убит Луи Лепле, и Эдит Пиаф оказалась в числе подозреваемых, так как он в завещании оставил ей небольшую сумму. Газеты раздули эту историю, и посетители кабаре, в котором выступала Эдит Пиаф, вели себя враждебно, считая, что они вправе «наказать преступницу».
Новый взлёт
Вскоре Эдит познакомилась с поэтом Раймоном Ассо, который окончательно определил дальнейший жизненный путь певицы. Именно ему во многом принадлежит заслуга появления на свет «Великой Эдит Пиаф». Он научил Эдит не только тому, что непосредственно относилось к её профессии, но и всему тому, что ей было необходимо в жизни: правилам этикета, умению выбирать одежду и многому другому.
Именно Раймон Ассо добился того, чтобы Эдит выступила в мюзик-холле «АВС» на Больших бульварах — самом знаменитом мюзик-холле Парижа. Выступление в «АВС» считалось выходом в «большую воду», посвящением в профессию. Он также убедил её сменить сценический псевдоним «Малышка Пиаф» на «Эдит Пиаф». После успеха выступления в «АВС» пресса написала об Эдит: «Вчера на сцене „АВС“ во Франции родилась великая певица». Необыкновенный голос, истинный драматический талант, трудолюбие и упрямство уличной девчонки в достижении цели быстро привели Эдит к вершинам успеха.
Вторая мировая война
С началом Второй мировой войны певица рассталась с Раймоном Ассо. В это время она встретилась со знаменитым французским режиссёром Жаном Кокто, который предложил Эдит сыграть в небольшой пьесе собственного сочинения «Равнодушный красавец». Репетиции прошли удачно, и пьеса имела большой успех. Впервые она была показана в сезоне 1940 года. Кинорежиссёр Жорж Лакомб решил снять по пьесе фильм. И в 1941 году был снят фильм «Монмартр на Сене», в котором Эдит получила главную роль.
Во время Второй мировой войны скончались родители Эдит. Земляки ценили и личное мужество Пиаф, выступавшей во время войны в Германии перед французскими военнопленными, чтобы после концерта вместе с автографами передать им всё необходимое для побега, и её милосердие — она устраивала концерты в пользу семей погибших. В период оккупации Эдит Пиаф выступала в лагерях для военнопленных на территории Германии, фотографировалась с немецкими офицерами и с французскими военнопленными «на память», а потом в Париже по этим фотографиям изготавливали поддельные документы для солдат, бежавших из лагеря.
Триумф
Эдит помогла найти себя и начать свой путь к успеху многим начинающим исполнителям — Иву Монтану, ансамблю «Компаньон де ла Шансон», Эдди Константену, Шарлю Азнавуру и другим дарованиям.
Послевоенное время стало для неё периодом небывалого успеха. Её с восхищением слушали жители парижских предместий и утончённые ценители искусства, рабочие и будущая королева Англии. В это время она близко сошлась с знаменитым боксёром, французом алжирского происхождения, чемпионом мира в среднем весе, 33-летним Марселем Серданом. В октябре 1949 года Сердан вылетел в Нью-Йорк к Пиаф, которая снова выступала там с гастролями. Самолёт разбился над Атлантическим океаном около Азорских островов и Сердан погиб в авиакатастрофе, что стало шоком для Пиаф. В глубокой депрессии она спасалась морфием.
В январе 1950 года накануне сольного концерта в зале «Плейель», пресса писала про «песни улиц в храме классической музыки» — это был очередной триумф певицы.
Несмотря на любовь слушателей, жизнь, полностью посвящённая песне, делала её одинокой.
В 37 лет Пиаф снова влюбилась и даже вышла замуж за поэта и певца Жака Пилса, но брак вскоре распался.
В 1952 году Эдит попала подряд в две автокатастрофы, обе с Шарлем Азнавуром; чтобы облегчить страдания, вызванные переломами руки и рёбер, врачи делали ей уколы морфия, и Эдит вновь попала в наркотическую зависимость.
В 1954 году Эдит Пиаф снялась в историческом фильме «Тайны Версаля» вместе с Жаном Маре.
Последние годы
В 1958 году Эдит начала выступления в концертном зале «Олимпия». Успех был ошеломительный. После этого она отправилась в 11-месячное турне по Америке, после — очередные выступления в «Олимпии», турне по Франции. Такие физические, а главное, эмоциональные нагрузки сильно подорвали её здоровье. В 1961 году, в возрасте 46 лет Эдит Пиаф узнала, что она неизлечимо больна раком печени.
Но в 47 лет Пиаф опять влюбилась, на этот раз в 27-летнего грека, парикмахера Тео, которого она, как и Ива Монтана, вывела на сцену. Эдит придумала ему псевдоним Сагапо (по-гречески «я тебя люблю»). Тео хотел венчаться только в греческой церкви и ради него Пиаф перешла из католицизма в православие. С ним она была до своей смерти. Сагапо пережил её на семь лет, он погиб в автокатастрофе.
25 сентября 1962 года Эдит пела с высоты Эйфелевой башни по случаю премьеры фильма «Самый длинный день» песни «Нет, я ни о чём не жалею», «Толпа», «Милорд», «Ты не слышишь», «Право любить». Её слушал весь Париж.
Последнее её выступление на сцене состоялось 18 марта 1963 года. Зал стоя устроил ей пятиминутную овацию.
10 октября 1963 года Эдит Пиаф не стало. Тело певицы было перевезено из города Грасса, где она скончалась, в Париж в обстановке секретности, и официально о её кончине было объявлено в Париже только 11 октября 1963 года (с чем связаны ошибки в некоторых источниках). В тот же день, 11 октября 1963 ушёл из жизни друг Пиаф Жан Кокто. Существует мнение, что он скончался, узнав о смерти Пиаф.
Похороны певицы состоялись на кладбище Пер-Лашез. На них собралось более 40 тысяч человек, многие не скрывали своих слёз, цветов было столько, что люди были вынуждены идти прямо по ним.
Память
Памятник Эдит Пиаф установлен на площади Пиаф (Place Edith Piaf) в Париже.
В свои последние годы Эдит Пиаф написала автобиографию «Моя жизнь», а её сводная сестра Симона Берто также написала книгу о её жизни.
Именем певицы названа малая планета (3772) Пиаф, открытая 21 октября 1982 года сотрудником Крымской астрофизической обсерватории Людмилой Карачкиной.

...

Cama s ytra: 11.08.14 11:53

 » Дюна

Название группы: Дюна
Жанры: Поп, эстрада, поп-рок, шансон, камеди-рок
Годы: 1987 — наши дни
Страны: СССР, Россия
Город: Долгопрудный
Язык песен: Русский
Состав: Виктор Рыбин, Михаил Дульский, Андрей Апухтин, Игорь Пляскин, Олег Колмыков, Роман Махов
Бывшие участники: Дмитрий Четвергов, Ренат Шарибжанов, Альберт Романов, Валерий Жуков, Александр Малешевский, Андрей Шатуновский, Андрей Рублев, Сергей Катин, Михаил Алещенок, Леонид Петренко, Сергей Кадников, Михаил Кадников, Руслан Исаев, Михаил Юдин

История
Изначально группа играла рок, но вскоре участники поняли, что это не их направление. Виктор Рыбин предложил сменить стиль группы на поп-фолк. В 1988 году «Дюна» выступает с Московской областной филармонией с поездками по России. В этих поездках родился хит «Страна Лимония», сыгравший немаловажную роль в становлении успеха коллектива.
6 января 1989 популярная программа «Музыкальный лифт» показала инсценированную концертную съёмку со «Страной Лимонией» на всей территории СССР. Почти год «Дюна» не пела ничего, кроме этого шлягера. Лишь в декабре появились песни «Фирма» и «Дай-дай!».
В мае 1990 года «Дюна» выступила на фестивале «Звуковой дорожки» перед полным залом дворца спорта «Олимпийский».
Позже «Страну Лимонию» взяли в программу «Песня года», а государственная фирма «Мелодия» выпустила виниловую пластинку группы, также названную «Страна Лимония» (из 8 песен). В 1991 году добавляются 4 песни (включая новую провокационную «Привет с Большого Бодуна») и переиздают на обычной долгоиграющей грампластинке.
Несколько месяцев спустя выходит альбом «За нами Долгопрудный» с песней «Гороскоп» и лирической «Привет, малыш».
Из «Дюны» ушел Сергей Катин, который женился и уехал во Францию. Рыбин весь следующий год провел в бесконечных концертах и издал свой первый CD «Дюна, Дюночка, ДюнА, Привет с Большого Бодуна», состоящий из старого репертуара.
В 1993 году появился цикл «Витёк» из нескольких произведений — «Женька», «Пулемёт», «Лимпопо». В 1994 появились ещё два диска — «А нам всё равно» с песнями «Борька-бабник» и «Мечта» (другое название «Море пива») и «Детство золотое» с детскими песенками Владимира Шаинского, Юрия Энтина и других.
В 1995 году Сергей Катин вернулся в группу, после чего появилась пластинка «В городе большом», которая содержала хиты «Коммунальная квартира», «Фонарики», «Про Васю».
В 1996 году Дюна участвовала в предвыборной агитации в пользу кандидата Ельцина. В том же году группа выпустила альбом «Пошил костюмчик новенький», который студия «Союз» издала в январе 1997 года. 8 марта того же года Рыбин поздравил женщин России своей дебютной сольной работой «Поговорим о любви, мадемуазель».
В 1998 году выходит альбом «Танцор диско» с лирическим хитом «Воздушный змей», ставшим ещё одной из визитных карточек группы.
В 1999 году вышел альбом «Караганда» с хитами «Бутылочка», «Где-где-где, в Караганде» и «Мы — достойное звено». В том же году было положено начало циклу дуэтов Виктора Рыбина и Натальи Сенчуковой. Главный совместный хит — «Милый мой ботаник» (2004).
После 2004 года творческая активность «Дюны» снижается. Причина этого в том, что Виктор Рыбин занялся судоходным бизнесом. С 2008 года музыканты продолжили выпуск новых альбомов. Сначала «Закон природы», затем в 2010 году — «Якутские бананы». Музыкальные критики отмечают, что группа так и не вышла из своего творческого кризиса.
Песни «Страна Лимония» и «Привет с большого бодуна» являются плагиатом. Первая — на произведение «In the army now» группы Status Quo. Вторая — на композицию «Acapulco» Ricchi e Poveri. «Борька — бабник», с одной стороны, плагиат на трек «Меланхолия» Софии Ротару, с другой, был использован Валерием Сюткиным для создания «7000 над землёй».
В 2012 году группа приступила к сбору материала для нового альбома. В частности, были записана песня «Свет звезды». В 2013 году группа начала сотрудничество с украинским автором-исполнителем Славой Благовым, записав его песню «Медсестра» (Она в белом халатике до колен…) и «Дорога домой».
Альбомы
1990 — «Страна Лимония»
1991 — «Лучший»
1992 — «За нами Долгопрудный»
1993 — «Привет с Большого Бодуна»
1993 — «Витёк»
1994 — «А нам всё равно»
1995 — «Вспомни детство золотое»
1996 — «В городе большом»
1996 — «Лучшие песни»
1996 — «Пошил костюмчик новенький»
1997 — «Поговорим о любви, Мадемуазель»
1997 — «The BEST»
1998 — «Танцор Диско»
1999 — «Альбом для жены»
1999 — «Караганда»
2000 — «Тринадцатый»
2001 — «Дребедень»
2003 — «Не слабое звено»
2008 — «Закон природы»
2010 — «Якутские бананы»

...

Blоndinоchka: 11.08.14 16:00

 » Metallica / Металлика

Группа: Metallica
Жанры: хеви-метал, трэш-метал, спид-метал, хард-рок
Годы: 1981 — наши дни
Страна: США
Состав: Джеймс Хэтфилд, Ларс Ульрих, Кирк Хэмметт, Роберт Трухильо
Бывшие участники: Рон Макговни, Дэйв Мастейн, Клифф Бёртон, Джейсон Ньюстед
История группы. Раннее время. (1981—1983) Metallica была основана в Лос-Анжелесе в октябре 1981 года гитаристом и вокалистом Джеймсом Хэтфилдом и барабанщиком Ларсом Ульрихом, после того, как оба поместили объявление о создании группы в издании «The Recycler». Дуэт пригласил басиста Рона Макговни, знакомого Хэтфилда по его предыдущей группе "Leather Charm", однако на ранних стадиях существования группы постоянно возникали проблемы с гитаристами, поэтому уже поначалу их сменилось несколько: Ллойд Грант, Брэд Паркер и Джефф Уорнер. Metallica получила своё название, когда Рон Куинтана попросил Ларса Ульриха помочь ему выбрать название для своего нового журнала об американских и британских метал -группах. Куинтана имел такие варианты как «Metallica», «Metal Mania» и «Hesse». Ульрих сообразил, что «Metallica» будет отличным названием группы и сказал Рону, что такое название вряд ли кому-нибудь понравится. Вдохновением для Metallica служила музыка таких групп как Venom, Black Sabbath, Motörhead, Diamond Head, Saxon, Judas Priest, Mercyful Fate, и другие британские метал-группы. Также на музыку Metallica повлияли панк рок группы Misfits, Zeroption, Discharge и The Ramones. В начале 1982 года, Ульрих убедил основателя и владельца Metal Blade Records Брайана Слэйджела включить песню « Hit The Lights » в первую компиляцию Metal Massacre. Отчаявшись в поисках постоянного лидер-гитариста, Ульрих поместил объявление в местной газете. Дэйв Мастейн из Ханингтон Бич, который в то время уже играл в группе Panic, ответил и встретился с участниками Metallica для прослушивания. Ульрих и Хетфилд были так впечатлены оборудованием и одной лишь разминкой Мастейна, что они попросили его присоединиться к группе ещё до начала самого прослушивания. В марте и апреле 1982 года, было записано несколько небольших демо, включая Hit The Lights, Ron McGovney’s '82 Garage Demo, которая была записана в гараже Макговни и Power Metal demo. Несколько месяцев спустя группа записала полноформатное демо No Life 'Til Leather, которое быстро привлекло внимание неофициальных кругов продажи метал-музыки. После этого они выпустили концертное демо Metal Up Your Ass. 25 мая 1982 года происходит историческое событие: Metallica впервые выходит на сцену (группа выступила с концертом в школе, в которой учился Ларс Ульрих).
После того как Metallica увидела, как играет группа Trauma, коллектив попросил басиста Клиффа Бёртона присоединиться к нему. заменив тем самым менее профессионального Макговни. Бёртон согласился, но с условием, что группа переедет в его родной город Сан-Франциско. С Клиффом Бёртоном группа записала Megaforce Demo. После того как группа зарекомендовала себя как важная единица в Bay Area thrash metal, Metallica поехала в Нью-Йорк в 1983 году. Группа подписала контракт с новым лейблом Megaforce Records. Вскоре после этого, Джеймс Хэтфилд и Ларс Ульрих решили, что становится всё сложнее выдерживать агрессивное и взрывное поведение Мастейна. Ему сказали покинуть группу, и Кирк Хэммет был приглашён из группы Exodus в качестве лидер-гитариста. После ухода из Metallica, Дэйв Мастейн создал свою собственную группу, которая достигла огромных успехов. Поздней весной 1983, группа отправилась в Рочестер (Нью-Йорк), чтобы записать свой первый альбом Kill 'Em All. Альбом не получил начального коммерческого успеха, но группа получила растущую фанатскую базу из среды метала. Годом позже, Metallica выпустила альбом Ride The Lightning. Включение в альбом более медленной, интроспективной песни « Fade To Black », отделило Metallica от большинства других трэш-метал -групп.
Master Of Puppets. (1986—1987) Когда Ride The Lightning привлёк внимание крупных звукозаписывающих компаний, Metallica подписала контракт с Elektra Records. Их первым релизом с Elektra былMaster of Puppets 1986 года, который считается их переломным альбомом. Несмотря на то, что из альбома не было выпущено синглов, группа получила небольшой радиоэфир за счёт песен « Master of Puppets » и « Welcome Home (Sanitarium) ». Группа получила ещё большую славу, когда её попросили открывать концерты слово , и Master of Puppets достиг #29 в чарте Billboard Top Album Charts. Критики считают Master of Puppets «одним из величайших хэви-метал -альбомов всех времён». 27 сентября, 1986 года, во время Европейского турне, Клифф Бёртон погиб в Швеции, когда автобус группы по дороге в Стокгольм занесло на скользкой дороге, и он перевернулся. Бёртона выбросило из окна, и придавило автобусом. Был ли Клифф Бёртон уже мёртв или нет остаётся спорным вопросом, но он получил критические ранения. Лебёдка, которая поднимала автобус, порвалась, что привело к тому, что автобус упал на него второй раз.
— Джеймс Хэтфилд, 1993 год Смерть Клиффа оставила группу в сомнении, что делать дальше. Три оставшихся участника Metallica решили, что Клифф Бёртон пожелал бы, чтобы они продолжали; с благословения семьи Бёртона Metallica начала поиски замены и почти сразу начала прослушивания. Среди претендентов был Лес Клэйпул, друг детства Киpка Хэмметта. Клэйпул понравился группе, но стиль его игры не подходил для неё. В серии Behind the Music, посвящённой Metallica, Хэтфилд объясняет, что Клэйпул был «слишком хорош» для Metallica. В конечном счёте, Клэйпулу не было предложено место в группе, и Джейсону Ньюстеду, бывшему члену группы Flotsam and Jetsam было предложено присоединиться к Metallica. Ньюстед официально вошёл в состав группы 28 октября, 1986 года — спустя три недели после похорон Клиффа Бёртона. Группа закончила своё турне в начале 1987 года. Вслед за турне Metallica записала Garage Days Re-Revisited в июле 1987 года, чтобы опробовать новую построенную ими студию и оценить талант Ньюстеда.
…And Justice For All. (1988—1989) ... And Justice for All, первый студийный альбом, записанный после смерти Клиффа Бёртона, был выпущен в 1988 году. Басовая партия Ньюстеда едва слышна на альбоме, и многие фанаты предположили, что это было сделано намеренно в качестве реакции на смерть Бёртона либо подшучивания над Ньюстедом. Наиболее вероятная причина, указанная Хэтфилдом и Ульрихом в последовавших интервью, заключалась в том, что Ньюстед не присутствовал на сеансах сведения и не был в состоянии повлиять на этот процесс. Ульрих также высказал своё мнение, что нехватка ощутимых басов вызвана тем, что басовая партия Ньюстеда повторяет партию ритм-гитары Хэтфилда. Альбом …And Justice for All логически завершил существование трэш-метала как жанра. Таких сложных конструкций, какие были представлены на этой пластинке, мир хэви-метала до этого не знал, даже принимая во внимание не очень удавшийся звук. Но дальше усложнять и без того сложное не имело смысла. Как заметил Ларс Ульрих, «Песни на …And Justice for All были совсем уж длиннющие, порой запутанные и мрачные. Нам нельзя было допускать второго такого альбома». Джеймс Хэтфилд после одного из живых исполнений заглавной песни альбома сказал: «We will never play this fucking song again!» (в пер. с англ. — «Мы больше не будем играть эту чёртову песню!»), хотя спустя несколько лет, песня опять вошла в сет-листы концертов.
Несмотря на то что лирика песен была восхвалена, продюсирование альбома получило резкую критику из-за того что ударники Ульриха звучали слишком глухо и гитары имели слишком слабое звучание. Последовало турне « Damaged Justice » для раскрутки альбома. Несмотря на критику, в 1989 году, Metallica претендовала на свою первую номинацию Грэмми в недавно созданной категории «Лучшее вокальное либо инструментальное хард-рок / метал выступление». Тем не менее, награду получила группа Jethro Tull за альбом Crest of a Knave. Это спровоцировало много споров, так как Metallica была ожидаемым победителем и осталась ждать получения награды за исполнение песни One для телеэфира. Jethro Tull (которую большинство даже не считало хард-рок/метал группой) даже не следила за церемонией, считая, что их шансы получить награду слишком малы. Спустя три года, на церемонии вручения Грэмми за « Enter Sandman » Ларс Ульрих пренебрежительно отозвался о Jethro Tull, сказав: «Мы должны благодарить Jethro Tull за то, что они не выпустили альбом в этом году». Вслед за выпуском …And Justice for All, Metallica охватила массовое направление музыки со своим дебютным клипом песни « One ». Группа исполняла песню на заброшенном складе, также в клипе были вставки из фильма Johnny Got His Gun. Вместо организации предстоящей сделки с владельцами лицензии, Metallica просто полностью купила права на фильм. Поэтому фильм впоследствии не был выпущен на DVD. Конечный результат представлял из себя последовательную, но укороченную «мини-версию» фильма «Johnny Got His Gun» с замысловатой синхронизацией между песней и диалогами фильма.
The Black Album. (1990—1993) В 1991 году, Metallica выпустила альбом без названия (также известный поклонникам как Metallica или The Black Album — «Чёрный альбом»), который включал такие песни как " Nothing Else Matters ", « Sad But True », « The Unforgiven », « Holier Than Thou » и « Wherever I May Roam ». Сопродюсером альбома был Боб Рок, который также работал с The Cult, Bon Jovi и Mötley Crüe. Обложка альбома была чёрной с очень бледным изображением змеи в правом нижнем углу и логотипом группы в противоположном. Большинство информации о создании альбома Metallica и о туре в его поддержку было включено в A Year and a Half in the Life of Metallica. Запись альбома была долгим и трудным процессом, продолжавшимся более года из-за длительных споров членов группы и Боба Рока относительно направленности и звучания альбома. Стоимость записи альбома превысила 1 миллион долларов. Несмотря на всё это альбом стал самым успешным релизом группы и занял первую позицию в чартах Billboard. Первым синглом из альбома был « Enter Sandman », который показал сниженный темп нового альбома по сравнению с предыдущими работами Metallica. Black Album на данный момент занимает 26 место среди самых продаваемых альбомов Америки всех времён. В связи с изменением звучания нового альбома в девяностых всё больше фанатов стали критиковать группу за то, что она по их мнению сделала огромный шаг в сторону коммерциализации своей музыки. Metallica часто шутливо подтверждала это мнение. В 1992 во время очень финансово успешного тура вместе с Guns N' Roses Хэтфилд получил ожоги второй и третьей степени левой руки из-за пиротехнических эффектов во время вступления песни « Fade To Black », которые привели к тому, что он не мог играть на гитаре часть турне. Гитарист Metal Church Джон Маршал (бывший сопровождающий Metallica) играл на гитаре оставшуюся часть турне, а Хэтфилд продолжал петь.
Load, ReLoad, Garage Inc., S&M. (1995—1999) После почти трёхлетнего турне в поддержку The Black Album, Metallica вновь отправилась в студию для создания и записи своего шестого студийного альбома Load. Они сделали перерыв в 1995 году и отыграли три концерта в Donington Park при поддержке групп Slayer, Skid Row, Slash’s Snakepit, Therapy? и Corrosion of Conformity. Короткое турне было названо «Escape from The studio Tour 1995». Metallica потратила около года на написание и запись новых песен, составивших альбом 1996 года Load. На ранних стадиях работы над альбомом предполагалось, что Load будет двойным альбомом. В конце концов было решено, что лучший вариант — выпустить сначала половину песен, продолжить работу над остальными, и выпустить их в следующем году. Следующий за Load альбом был назван ReLoad. В 1996, вместе с релизом Load, все участники Metallica состригли себе волосы (хотя Хэммет в итоге вновь их отрастил), что было высмеяно фанатами, включая друзей группы Alice in Chains. Эти альбомы представили существенные изменения в музыке Metallica. Скоростные темпы предыдущих работ группы были сменены медленным блюзовым звучанием гитар. В некоторых песнях использованы новые инструменты включая волынку в «Low Man’s Lyric». Изменения в музыке, сделанные в Load и ReLoad были ожидаемы после предыдущих экспериментов (особенно в альбоме Metallica). Эти альбомы продавались хуже предыдущих трёх. Хэтфилд позже отметил в документальном фильме Some Kind of Monster, что изначально по планам группы песни из обоих альбомов должны быть лишь среднего качества, и неоднократно шлифовались и перерабатывались, пока не было решено, что они подходят для релиза. В 1998, Metallica выпустила двойной CD, названный Garage Inc.. Первый диск содержал недавно записанные кавер-версии песен различных групп начиная Killing Joke, The Misfits, Thin Lizzy, Mercyful Fate и Black Sabbath и заканчивая неожиданно выбранными Nick Cave и Bob Seger. Второй CD собрал вместе ранее выпущенные кавер-версии, включая оригиналThe $5. 98 E. P. : Garage Days Re-Revisited, который уже стал редкой записью. На диске также содержались бонус-треки 1994 года. 7 марта 1999 мэр Сан-Франциско Уилли Браун объявил «Официальным днём Metallica» в городе. Месяцем позже, 21-22 Апреля, группа записала два концерта с симфоническим оркестром Сан-Франциско, в то время дирижируемым Майклом Каменом. Камен, который уже работал с Бобом Роком над « Nothing Else Matters на www. mp-3. net. ua », предложил группе идею комбинирования музыки Metallica с симфоническим оркестром. Камен и оркестранты сочинили дополнительный оркестровый материал для нескольких песен группы, и на концерте было сыграно много песен начиная со времен Ride The Lightning. Metallica также представила две новые песни: «Minus Human» и «No Leaf Clover» по поводу концерта. Запись аудио и видеосъёмка концерта были выпущены в ноябре того же года как альбом S&M.
Уход Ньюстеда, St. Anger. (2001—2005)
Так как Metallica планировала вернуться в студию в 2001, Ньюстед покинул группу из-за, как он сказал, «физического вреда, который он нанёс себе за годы игры музыки, которую он любит». Однако из последующих интервью с Ньюстедом и оставшимися участниками Metallica стало известно, что желание Ньюстеда выпустить запись своего проекта Echobrain и отправится с ним в турне и упорное сопротивление этому Хэтфилда стали основными причинами ухода басиста из группы. Также интервью журнала Playboy раскрыло тот факт, что подшучивания над Ньюстедом как над новичком, начавшиеся с момента его прихода в группу, не прекратились со временем. Плюс ко всему, у Ньюстеда никогда не было статуса партнёра в написании песен, который был у Клиффа Бёртона (за 15 лет вместе с группой он был соавтором лишь трёх песен — « Blackened » из ... And Justice for All, « My Friend Of Misery на mp-3. net. ua» из Metallica и « Where The Wild Things Are » из ReLoad). Документальный фильм 2004 года Some Kind of Monster пролил больше света на уход Ньюстеда из Metallica.
В июле 2001 Хэтфилду пришлось пройти курс реабилитации в связи с «алкоголизмом и другими вредными привычками». Около года Metallica не делала ничего важного. Ларс Ульрих и Киpк Хэмметт первое время всерьёз считали, что с группой может быть всё кончено. В конце концов Джеймс вернулся в группу, но работал лишь по четыре часа в день, остальное время проводил со своей семьёй. Медленно Metallica сочиняла и записывала материал для своего нового альбома. Боб Рок исполнял партии бас-гитары. Создание альбома было документировано в фильме Some Kind of Monster. После записи нового альбома Metallica проводила прослушивания для постоянной замены Ньюстеда в начале 2003 года. Роберт Трухильо, бывший член групп Suicidal Tendencies и Ozzy Osbourne, был выбран в качестве нового басиста Metallica. Резюме Роберта включало также Infectious Grooves и работу с Black Label Society на их DVD Boozed, Broozed, and Broken-Boned. Так как Metallica продолжила своё существование, Джейсон Ньюстед также нашёл себе музыкальный приют в легендарной канадской трэш-метал группе Voivod в 2002 году. Также стоит отметить тот интересный факт, что Джейсон стал заменой Роберта Трухильо в группе Ozzy Osbourne на протяжении турне Ozzfest в 2003 году (в этом турне также принимала участие группа Voivod). В июне 2003 года дебютировал восьмой студийный альбом Metallica St. Anger, занявший первые рейтинги в чартах. Будучи намеренно «сырым» и неотшлифованным альбомом, St. Anger был сурово раскритикован фанатами. «Сырое» звучание записи, «гибкость» высоты вокала Хэтфилда, «металлическая» подзвучка ударных Ульриха и полное отсутствие гитарных соло получили отдельную критику. Несмотря на всё это альбом выиграл премию Грэмми за «Лучшее метал-выступление» в 2004 году. Обширное турне «Summer Sanitarium Tour 2003» в поддержку St. Anger длилось два года, на концертах выступали также группы Mudvayne, Deftones, Linkin Park, и Limp Bizkit. Также стоит заметить, что во время длительного турне Metallica «Madly in Anger with the World» с группой Godsmack почти каждое выступление профессионально записывалось и продавалось на сайте LiveMetallica. com. Группа сделала перерыв в 2005 году, проведя большую часть времени с друзьями и семьей, однако отыграла два исторических шоу на открытии для Rolling Stones в Сан-Франциско.
Death Magnetic. (2006—2010) 16 февраля 2006 Metallica на своём официальном сайте анонсировала, что после более 15 лет сотрудничества с группой Боб Рок, который продюсировал все альбомы с 1991 года, не будет принимать участия в записи следующего альбома. На данный момент Metallica работает над новым альбомом с продюсером Риком Рубином, который продюсировал такие группы как System Of A Down, Slipknot, Linkin Park, My Chemical Romance, Red Hot Chili Peppers, Slayer и Rage Against the Machine. 6 июня 2006 в Берлине в рамках тура «Escape from the Studio '06» группа сыграла новую песню, временно названную «The New Song». 12 августа 2006 в Токио в рамках Азиатской ветви турне Metallica продемонстрировала ещё одну новую песню, названную «The Other New Song». Группа и до этого играла новые песни ещё до их выхода: четыре песни из Ride the Lightning (« Fight Fire with Fire », « Ride The Lightning », « Creeping Death » и « The Call Of Ktulu ») были впервые сыграны до выхода альбома; « Disposable Heroes » из альбома Master of Puppets была впервые представлена публике 14 сентября 1985 года; песню « Harvester Of Sorrow » из альбома ... And Justice for All сыграли ещё в 1987 году; песню « 2x4 » (альбом Load) — во время мини-турне Escape from the Studio 95 года; и четыре песни из ReLoad (« Fuel », « Devil's Dance », « The Memory Remains » и « Bad Seed ») игрались на нескольких концертах 1996-97 годов. Metallica пошла на встречу многочисленным просьбам фанатов и решила сделать каждый из своих альбомов доступным в музыкальном интернет-магазине iTunes, однако только в США и Канаде. В первые четыре альбома были добавлены эксклюзивные записи из концерта 89 года в Сиэттле. 13 октября 2006 года Metallica анонсировала выпуск нового DVD, содержащего все их видеоклипы с 1989 по 2004 год. Диск The Videos 1989-2004 был выпущен 4 декабря 2006 года во всём мире и 5 декабря в Северной Америке. Вскоре The Videos 1989—2004 также стал доступным на iTunes. Группа также выпустила кавер-версию песни Эннио Морриконе «The Ecstasy of Gold» в совместном трибьют-альбоме We All Love Ennio Morricone, который вышел 20 февраля 2007 года в честь композитора. «The Ecstasy of Gold» открывала концерты Metallica более 20 лет, но была оригинальной аранжировкой и всегда проигрывалась из записи. В новой версии сама группа исполняет её в новой интерпретации, основанной на гитарах. 12 марта 2007 года Metallica начала непосредственно запись нового, девятого по счёту, студийного альбома. Также был аннонсирован летний тур (позже названный «Sick of the Studio '07») 18 июля 2007 года, через 16 лет после первого приезда в Москву, Metallica снова отыграла концерт в России. Концерт прошел на Большой спортивной арене Лужников, на него пришло более чем 60000 фанатов группы.
12 сентября 2008 года вышёл их последний на сегодняшний день альбом Death Magnetic.
Lulu и десятый студийный альбом (2011—настоящее время).
15 июня 2011 года на официальном сайте Metallica появилась информация о новом материале, ранее называемом «секретным проектом». Этот проект включает в себя 10 песен, записанных с участием Лу Рида. Запись была осуществлена в домашней студии штаб-квартиры Metallica; звукозаписывающие сессии длились несколько последних месяцев и закончились накануне 15 июня. 22 августа было объявлено, что совместный альбом музыкантов будет выпущен 1-го ноября в Северной Америке и на один день раньше (31 октября) в остальной части мира. Совместная пластинка американских музыкантов получила название «Lulu» и была вдохновлена пьесами немецкого поэта-экспрессиониста Франка Ведекинда «Дух земли» и «Ларец Пандоры». Лу Рид написал песни и музыку для театральной постановки «Лулу» по мотивам Ведекинда, но после совместного выступления с Metallica в честь 25-летия Зала славы рок-н-ролла музыканты решили записать альбом.
16 октября Роберт Трухильо подтвердил, что группа вернулась в студию и уже пишет новый материал. Также Роберт заметил, что группа уже работает с Риком Рубином над парой новых песен и собирается записывать новый материал на протяжении большей части следующего года.
В октябре Metallica объявила о своем выступлении в Индии на фестивале «India Rocks», чтобы отметить Гран-при Индии. По «техническим причинам» группа не смогла выступить, из- за чего фанаты начали бунтовать и разгромили сцену. Позже Metallica совершила свой дебют в Индии 30 октября в Бангалоре.
5 декабря стартовала серия четырёх юбилейных концертов группы Metallica, посвященная тридцатилетию группы. Концерты прошли на родине Metallica, «Bay Area», в городе Сан-Франциско. Зрителями стали друзья группы и члены фан-клуба. Все четыре концерта отличились «экзотическим» сет-листом и приглашенными звездами. На каждом из четырёх концертов была сыграна песня, не вошедшая на их девятый студийный альбом. Всего их было четыре: «Hate Train», «Just a Bullet Away», «Hell and Back» и «Rebel of Babylon». Песни сразу же попали в интернет. После последнего юбилейного концерта 13 декабря треки были выпущены в виде EP. Мини альбом был назван Beyond Magnetic.
7 мая 2012 года Metallica начала новый тур по Европе, особенностью которого стало то, что впервые за 20 лет The Black Album («Metallica») был полностью исполнен. Состоялись такие премьеры как «Don’t Tread on Me», «My Friend of Misery», «The Struggle Within».
В июле был проведен фестиваль музыки Orion Music в Атлантик-Сити, организаторами которого является Metallica.
В июне 2013 года в интервью для South Africa’s Channel 24 Ларс Ульрих подтвердил, что запись очередного полноформатного альбома продолжается, однако появится он не раньше 2015 года.
14 сентября 2013 года в Государственном Кремлёвском дворце в Москве состоялся премьерный показ фильма «Through The Never». На премьере присутствовали Ларс Ульрих и Роберт Трухильо. Они ответили на вопросы зрителей.
8 декабря 2013 Metallica стала второй группой в истории, сыгравшей концерт в Антарктиде, а также побила собственный рекорд, сыграв на всех 6 континентах планеты Земля в течение 1 года. Трансляция, как и было обещано, состоялась в 5 утра 9 декабря по Московскому времени, однако, как таковой, трансляцией не являлась. Сам концерт завершился чуть больше, чем в 3 часа ночи по Москве, об этом свидетельствовали записи очевидцев концерта, выложенные в социальные сети. Концерт в реальном времени имели возможность смотреть лишь жители Аргентины, Бразилии, Перу, Мексики и Чили.
16 января 2014 Кирк Хэммет заявил, что Metallica начнет работать над новым студийным альбомом с конца января — начала февраля.
Дискография.
1983 — Kill 'em All
1984 — Ride the Lightning
1986 — Master of Puppets
1988 — …And Justice for All
1991 — Metallica
1996 — Load
1997 — Reload
2003 — St. Anger
2008 — Death Magnetic

...

Chelena: 12.08.14 07:06

 » Пьеха Эдита

Полное имя: Пьеха Эдита Станиславовна
Дата рождения: 31 июля 1937 г.
Место рождения: Нуаэль-су-Ланс (департамент Па-де-Кале, Франция)
Годы активности: 1955 г. — наши дни
Страна: СССР
Профессии: певица, актриса
Жанры: эстрада
Певческий голос: контральто
Биография:
Эди́та Станисла́вовна Пье́ха (фр. Édith-Marie Pierha; польск. Edyta Piecha; 31 июля 1937, Нуаэль-су-Ланс, Франция) — советская эстрадная певица (контральто), актриса. Народная артистка СССР (1988).
Эдит-Мари появилась в шахтерском городе в 200 километрах от Парижа. По национальности оба родителя были поляками, но жили во Франции. В 1946 году Эдита с мамой и отчимом Яном Голомбом, а также годовалым братом переехала в Польшу. Там семья жила в шахтерском городе Богушуве. В школе девочка учила польский язык, который совершенно не знала. Так же в школьные годы Пьеха начала петь в хоре.
После конкурса в Гданьске, в 1955 году, Эдиту Станиславовну направили в СССР на учебу. Пьеха выбрала Ленинград и отправилась в педагогический институт имени Герцена. Но по приезду в Советский союз стало ясно, что набор на психологический факультет уже закончился, поэтому Пьеха отправилась в Ленинградский государственный институт имени Жданова. На отделении психологии филфака ЛГУ Эдита начала учить русский язык, записалась в хор, а после получила приглашение от Александра Броневицкого, руководителя ансамбля студентов Консерватории пойти к нему в ансамбль. В новогоднюю ночь 1956 года, по приглашению того же Александра Броневицкого, Эдита Пьеха выступила с ансамблем с песней «Красный автобус». Пел коллектив песню Владислава Шпильмана на польском языке. И это выступление стало триумфом польской студентки. Буквально на следующий день о девушке и студентах из ансамбля узнал весь Ленинград. Эдита Пьеха начала выступать, но концерты мешали учебе и наоборот. Пьеха специально съездила в Москву к министру образования за разрешением доучиться заочно.
Польская артистка стала солисткой ансамбля, в 1956 году который назвали «Дружба». Кстати, название придумала сама Пьеха прямо перед выступлением в Международный женский день 1956 года в Филармонии. В том же году артистка снялась в документальной ленте «Мастера ленинградской эстрады» с композициями «Гитара любви» и «Красный автобус». И чуть после на «Ленгрампластмассе» Эдита записала первые пластинки. А спустя год ансамбль и Пьеха с программой «Песни народов мира» стали золотыми призерами и лауреатами шестого Всемирного фестиваля молодежи и студентов в российской столице.
Сама артистка свою творческую деятельность отчитывает с осени 1957 года. Тогда-то Эдита первый раз увидела свое имя на афишах. Вместе с коллективом «Дружба» Пьеха начала выступать в десятках стран мира, в частности, в Чехословакии, Польше, Финляндии, ФРГ, ГДР, Австрии, Венгрии, Боливии, Перу, в Гондурасе и на Кубе. Кстати, певица выступала на сцене «Олимпии» в Париже по приглашению Б. Кокатрикса.
В 1959 году «Дружба» закончилась. Ансамбль расформировали за пропаганду джаза, а так же за то, что артистка коверкает русский язык, а музыканты являются стилягами. Но благодаря Александру Броневицкому после смотра в Министерстве культуры ансамбль вновь начал работу в новом составе. За 20 лет работы в «Дружбе» побывали многие музыканты. Но всегда на своем месте оставались руководитель Александр Броневицкий и солистка Пьеха. Правда летом 1976 года артистка ушла из «Дружбы» и от Броневицкого. Эдита Пьеха организовала свой ансамбль, который возгласил Григорий Клеймиц. В то время полячка работала с лучшими советскими авторами-композиторами А. Флярковским, А. Петровым, Г. Портновым, М. Фрадкиным, С. Пожлаковым, О. Фельцманом, В. Успенским, Я. Френкелем, А. Пахмутовой, а так же поэтами Е. Долматовским, Н. Добронравовым, Р. Рождественским, И. Шафераном, Л. Ошаниным, И. Корнелюком.
Эдита Пьеха записала на фирме «Мелодия» более 20 дисков-гигантов, кстати, песни из них попали в золотой фонд советской и российской эстрады. Часть композиций выпущены фирмами во Франции, в ГДР и на Кубе. С гастролями артистка была в 40-ка странах мира. Стоит отметить, что на Кубе певицу удостоили титула «Госпожа Песня», Эдита два раза выступала в парижской «Олимпии». Кроме этого, Пьеха стала первой советской эстрадной артисткой, которая выступила в Афганистане, Гондурасе и Боливии. На 9 Всемирном фестивале студентов и молодежи в 1968 году в Софии за песню «Огромное небо» Эдита Пьеха получила сразу три золотых медали, а кроме того, за исполнение композиции «Следующий!» В. Успенского певица получила первую премию в конкурсе фестивального Комитета борьбы с фашизмом.
А на международной музярмарке в Каннах MIDEM Пьеха принесла фирме «Мелодия» главную награду «Нефритовую пластинку», за рекордные, миллионные тиражи альбомов. К слову, сама Эдита Станиславовна не раз сидела в жюри разных Всесоюзных и международных песенных фестивалей и конкурсов.
И здесь же стоит добавить, что Эдита Пьеха, что называется, прорубила дверь на европейскую эстраду. Она была первой во многом. В частности, она первой в союзе исполнила иностранную песню на русском языке. Это была композиция «Только ты» руководителя ансамбля «The Platters» Бэка Рэма. Кроме того, она первая сняла со стойки микрофон, стала ходить по сцене и даже разговаривать с публикой. А так же, Эдита первой начала отмечать на сцене свои день рождения и юбилеи творческой деятельности. В 1997 году в день своего 60-летия Пьеха устроила на Дворцовой площади Санкт-Петербурга концерт – впервые в истории северной столицы.
Спустя десять лет, в 2007 году, свой 70-летний юбилей, а так же 50-летие эстрадной жизни Эдита Пьеха отметила в Питере двумя грандиозными концертами. Она выступила на Дворцовой площади и в БКЗ «Октябрьский». В юбилейный год артистка выступила так же с сольным концертом в Кремлевском Дворе.
А три года, до 2011 года, на восьмом десятке Эдита Пьеха объехала с гастролями страну от Калининграда до Хабаровска, а так же страны ближнего и дальнего зарубежья. И в середине 2012 года певица вновь отметила юбилей – 75-летие – на эстраде.
Личная жизнь: Первым мужем Эдиты Пьехи стал Александр Броневицкий. Мужу и руководителю ансамбля «Дружба» артистка родила дочку Илону в 1961 году. Она, к слову, пошла по стопам мамы и стала артисткой. У певицы внук и внучка – Стас Пьеха родился в 1981 году, стал певцом. Эрика Быстрова появилась на свет в 1986 году и стала дизайнером.

...

Chelena: 13.08.14 07:17

 » Fox Samantha / Фокс Саманта

Полное имя: Fox Samantha Karen / Фокс Саманта Карен
Сценическое имя: Samantha Fox / Саманта Фокс
Дата рождения: 15 апреля 1966
Место рождения: Майл-Энд, Тауэр-Хамлетс, Лондон, Англия, Великобритания
Годы активности: 1983 г. — наши дни
Страна: Великобритания
Профессии: певица, модель
Жанры: поп
Биография:
15 апреля 1966 года в Лондоне родилась девочка, получившая имя Саманта Карен. Ее родители, Патрик и Кэрол Фокс, работали рыночными торговцами в Ист-Энде. Но в их дочери очень рано проявились творческие способности, и отец с матерью сделали все для развития ее талантов.
Уже в три года Саманта впервые появилась на сцене, а с пяти занималась в театральной школе имени Томаса Мора. В четвертом классе девочка участвовала в спектакле «No Way Out», прошедшем на канале ВВС, и в одиннадцать лет начала учиться в известной театральной студии Джуди Денч. Однако гораздо больше сцены Саманту привлекала музыка. В четырнадцать она собрала собственную группу и через год сделала первую запись в фирме Lamborghini Records. В 1983 году вышло два сингла, но успеха они не получили.
Эта неудача Саманту почти не огорчила – на тот момент ее жизнь уже круто изменилась. В начале 1983-го Кэрол Фокс отправила фотографии дочери на конкурс «Лицо года», который проводил журнал «Sunday People». К восторгу Саманты, она заняла на конкурсе второе место. Но самым главным для нее оказался не сам факт победы, а то, что фотографии появились в известном журнале. Вскоре Саманта заключила контракт с модельным агентством и успешно прошла пробы для знаменитой Третьей страницы британского издания «The Sun». Родители не смогли отказать дочери сниматься топлес – и 22 февраля полуобнаженную Саманту увидела вся Британия.
Карьера юной модели развивалась стремительно, да иначе и быть не могло – Саманта по происхождению относилась к низкому социальному слою, обладала очень эффектной внешностью и немалым объемом груди. Звание «лучшая модель Третьей страницы» она получала три года подряд и застраховала свою грудь на двести пятьдесят тысяч фунтов стерлингов. Несколько ее снимков в обнаженном виде появилось и в популярных мужских журналах.
К двадцати годам Саманта уже имела личного модельера, собственную эксклюзивную линию одежды, контракты со многими модельными агентствами Европы и славу «британского секс-символа». Но такая карьера ее привлекала мало – известная и процветающая модель по-прежнему мечтала стать певицей.
В 1986 году ее музыкальными делами занялся продюсер Джон Астроп, и вскоре на лондонской студии «Battery Studios» Саманта записала сингл под названием «Touch Me». Эта песня, выдержанная в стиле современной танцевальной музыки, мгновенно взлетела на третье место британского хит-парада. Еще лучше сингл приняли в мире – он возглавил чарты целых четырнадцати стран, а в США достиг четвертой строки, немыслимо высокого места для иностранной песни. Огромный успех получил и первый альбом Саманты, одноименный с синглом.
В год выхода первого альбома Саманте повезло не только с исполнением мечты. В ее жизнь вошел мужчина – австралиец Питер Форстер. Но «любовь всей жизни» дала трещину уже через пару лет. В 1994 году Саманта и Питер вновь попытались жить вместе, но наладить свои отношения так и не сумели.
Свой второй альбом Саманта записывала в 1987 году уже в Нью-Йорке, под маркой лейбла RCA и сотрудничая с музыкантами из популярной группы «Full Force». В этот альбом, названный по имени певицы, вошел сингл «Naughty Girls» – пожалуй, самая популярная песня Саманты.
Третий альбом Саманты Фокс – «I Wanna Have Some Fun» – вышел в 1988 году, и одноименная песня тоже превратилась во всемирный хит. Во время первого своего гастрольного тура певица объехала много стран, в числе которых был и Советский Союз. В следующем году Саманта стала ведущей на BRIT Awards и около года прожила в Нью-Йорке, работая на телевидении. В 1990 году она снялась в американском комедийном сериале «Чарльз в ответе» в роли рок-звезды. Благодаря огромной популярности своих фотосессий в Индии, Саманта Фокс сыграла одну из главных ролей в болливудской ленте «Rock Dancer».
Следующий ее альбом вышел лишь спустя три года. Он назывался «Just One Night» и представлял собой переработку песен из «Wanna Have Some Fun» с добавлением элементов хип-хопа. В этот альбом также вошли песни в стиле «поп-рок», но, несмотря на все новшества, действительный успех он обрел только в Канаде.
В том же 1991 году Саманта всерьез поссорилась с отцом, который работал у нее менеджером. Заподозрив Патрика Фокса в краже миллиона со своего банковского счета, она отсудила у него треть этой суммы, и отец больше никогда с ней не общался. Год спустя Саманта выпустила альбом своих хитов и замолчала до 1998 года. Правда, в 1995-м ее поклонники увидели певицу в «Евровидении» – для участия в конкурсе Саманта создала группу, и «SOX» с песней «Go For The Heart» оказались на четвертом месте. В 1998 году вышел альбом Саманты «21st Century Fox», а последний – «Angel with an Attitude» появился в продаже осенью 2005 года.
Сейчас Саманту Фокс можно смело назвать «звездой восьмидесятых». Ее песни уже не приносят коммерческую выгоду, но певица продолжает работать над музыкальными проектами, участвует в телепередачах и конкурсах и написала автобиографию. Эта книга полна грусти, юмора и очарования и опровергает многие мифы, созданные вокруг имени Саманты.

...

iren-a: 13.08.14 18:16

 » Cutugno Toto / Кутуньо Тото

Сценическое имя: Toto Cutugno (Тото Кутуньо)
Полное имя: Salvatore Cutugno (Сальвато́ре Кутуньо)
Дата рождения: 7 июля 1943
Место рождения: Фоздиново, провинция Масса-Каррара, регион Тоскана, Италия
Профессии: композитор, исполнитель, певец
Биография:
Юность и начало карьеры (1943—1974)
Сальваторе Кутуньо родился 7 июля 1943 в тосканском городе Фосдиново. Спустя несколько месяцев его семья переезжает в Специю, где отец Тото (Toto — сокращенная форма имени Salvatore) служил военным моряком. С самого детства мальчик проявлял предрасположенность к музыке: вслед за отцом, который превосходно играл на трубе, освоил этот инструмент; позже самостоятельно овладел игрой на ударных и аккордеоне. В 13 лет Тото занял третье место на региональном музыкальном конкурсе.
До 19 лет Кутуньо играет на ударных в местных музыкальных группах, пока не отправляется в шестимесячное турне по Финляндии в составе ансамбля G-Unit. Вернувшись в Италию, Сальваторе организует собственную группу «Toto e Tati», с которой начинает успешно гастролировать по Италии. В то же время начинает сам сочинять музыку.
Джо Дассен: В начале 1975 года Кутуньо начинает выступать с группой «Albatros», пишет вместе с поэтом Вито Паллавичини песни Oasis, Uomo dove vai, Africa. В том же году художественный руководитель популярного французского певца Джо Дассена Жак Пле замечает тандем Кутуньо — Паллавичини. Постоянные авторы текстов Дассена Клод Лёмель и Пьер Делануа пишут на мелодии Тото Кутуньо французские тексты. Так появляются знаменитые Et si tu n`éxistais pas, Salut и французский поп-хит лета 1975 года L`été Indien.
За 3 последующих года Кутуньо напишет для Джо Дассена ещё 6 песен, в том числе рекордно длинную (продолжительность — 12 мин) композицию Le jardin du Luxembourg.
«Albatros»: В 1976 году Тото впервые участвует в фестивале Сан-Ремо с песней Volo AZ 504 в составе группы «Albatros» и занимает третье место в общем зачете. В том же году Кутуньо с большим успехом выступает на Festivalbar с песней Nel cuore, nei sensi. Французский вариант этой песни — «Voici les clés» — в исполнении Жерара Ленорма́на занимает ведущие строчки хит-парадов во Франции.
Годом позже «Albatros» вновь выступает на сцене театра «Аристон» на очередном Сан-Ремо. Песня Gran Premio занимает пятое место. Сразу после фестиваля группа распадается.
Сольная карьера: В 1980 году певец выигрывает конкурс в Сан-Ремо с песней Solo noi. Спустя несколько недель после победы в Сан-Ремо Тото занимает первое место на международном фестивале легкой музыки в Токио с песней Francesca non sa.
В 1983 году Тото Кутуньо участвует в фестивале в Сан-Ремо с песней L’italiano, которая по сегодняшний день остается «визитной карточкой» артиста. Официально песня занимает 5-е место, однако по результатам «народного» голосования Totip, проведенного сразу после фестиваля, L’italiano занимает 1-е место.
В 1984 году Тото занимает в Сан-Ремо 2-е место с песней Serenata, а ещё через год на том же фестивале песня Тото Кутуньо Noi ragazzi di oggi в исполнении 14-летнего мексиканца Луиса Мигеля снова завоевывает 2-е место.
В 1986 году Тото Кутуньо представляет в Сан-Ремо песню Azzurra malinconia, которая занимает 4-е место. В 1987 песня Figli в исполнении Кутуньо завоевывает 2-е место. Кроме того, в конкурсе участвуют ещё 3 его песни: Io amo (Fausto Leali), Il sognatore (Peppino Di Capri) e Canzone d’amore (Ricchi e Poveri). Песни занимают соответственно 4-е, 5-е и 7-е места. В этом же году Тото становится ведущим популярной воскресной программы итальянского телевидения Domenica In.
В последующие три года Тото Кутуньо снова с большим успехом выступает на фестивале в Сан-Ремо: песни Emozioni (1988), Le mamme (1989) и Gli amori (1990) занимают 2-е место. Апогеем становится 1990-й год, когда английскую версию песни Gli amori — Good love gone bad на фестивале исполняет легенда мировой музыки — американский певец Рэй Чарльз.
В 1990 году Тото Кутуньо выигрывает конкурс «Евровидение 1990» в Загребе с песней Insieme: 1992. В результате Италия получила право на проведение «Евровидения» в 1991 году. Ведущими конкурса «Евровидение-1991», проходившего в Риме, были два единственных представителя Италии, выигрывавших конкурс «Евровидение» — Тото Кутуньо и Джильола Чинкветти, победительница конкурса 1964 года.
После пятилетнего перерыва, в 1995 году Кутуньо возвращается в Сан-Ремо с песней Voglio andare a vivere in campagna, и в том же году выпускает одноименный альбом. В 1997 году участвует в фестивале с песней Faccia pulita.
C 1998 по 2000 год Тото Кутуньо ведет на итальянском телевидении программу I fatti vostri, а также продолжает с неизменным успехом гастролировать в разных странах.
В 2002 году артист выпускает альбом Il treno va, который пользуется большой популярностью во Франции. В 2005 году на фестивале в Сан-Ремо песня Come noi nessuno al mondo в исполнении дуэта Тото Кутуньо — Аннализа Минетти завоевывает 2-е место. В 2008 году Тото Кутуньо снова принимает участие в фестивале. Его песня Un falco chiuso in gabbia занимает 4-е место.
Весной 2009 года Тото Кутуньо отказывается от концертов в России из-за обострения тяжелой болезни и проходит курс химиотерапии.
В ноябре 2009 года, певец приезжает в Москву, для того, чтобы выступить в шоу «Легенды Ретро FM 2009».
В ноябре 2010 года исполнитель приезжал в Киев и давал концерт вместе с сыном Адриано Челентано, Джакомо.
В ноябре 2011 года исполнитель снова приехал в Киев и давал очередной сольный концерт вместе с тремя молодыми исполнителями с конкурса "Новая волна".
17 марта 2011 года дал концерт в Государственном Кремлевском Дворце вместе с Аннализой Минетти, InGrid, Марком Тишманом и группой «Премьер-министр».
Сейчас Тото даёт концерты во многих странах мира, занимается написанием новых песен.
Личная жизнь: Жена Карла (с 1971 года). Внебрачный сын Нико родился в 1989 году.

...

Nimeria: 13.08.14 18:33

 » Mecano / Мекано

Название группы: Mecano / Мекано
Годы активности: 1981-1993 гг, 1998
Страна: Испания
Направление в музыке: техно-поп, новая волна, поп, рок, фламенко
Состав: Ана Торроха (исп. Ana Torroja) — вокал
Начо Кано (исп. Nacho Cano) — синтезаторы, гитары, вокал
Хосе Мария Кано (исп. José Maria Cano) — гитара, синтезаторы, вокал

История группы: Mecano (Мекано) — испанская поп-группа, бывшая на пике своей популярности в конце 1980-х и в начале 1990-х годов. «Mecano» стала одним из самых известных и влиятельных испанских музыкальных коллективов как в Испании, так и за рубежом. Группа пользуется популярностью в Италии, Франции и странах Латинской Америки.
Творчество коллектива можно разделить на два периода: в 1982—1986 годах группа выпустила серию альбомов в стиле техно-поп, которые завоевали популярность в Испании, а с 1986 года с выпуском альбома Entre el Cielo y el Suelo группа приобрела международную славу благодаря смешению попа, рока, фламенко и традиционных латинских ритмов.
Группа образовалась в Мадриде в начале 1980-х годов, когда после смерти Франко Испания наблюдала всплеск культурной активности, получившей название «мадридское движение» (la movida madrileña). C выпуском дебютного альбома Mecano (1982) группа стала одним из самых ярких представителей этой эпохи.
Альбом пользовался огромной популярностью в Испании, и всего за несколько недель было распродано более 100 тыс. копий. Такие песни, как «Hoy no me puedo levantar» (Сегодня я не могу подняться), «Perdido en mi habitación» (Потерявшись в своей комнате), «Me colé en una fiesta» (Я пробрался на вечеринку), «Maquillaje» (Макияж) стали легко узнаваемой классикой испанской популярной музыки.
Второй и третий альбомы группы, ¿Dónde está el país de las hadas? (1983) и Ya viene el sol (1984), следовали той же формуле, но достигли заметно меньшего успеха.
Mecano этого периода можно сравнить с другими техно-поп и поп-группами новой волны, такими как Ultravox, Duran Duran, Гэри Ньюман или даже ABBA. В звучании группы большую роль играли синтезаторы и драм-машины, и большинство песен было построено на сложных, но чётких ритмах. Особую привлекательность композициям придавали мелодии и яркий вокал Аны Торрохи.
После 1986 года Mecano переориентировалось с техно-попа на смесь попа, рока и традиционных латинских ритмов. Этот период выработал «фирменный» звук коллектива, во многом благодаря которому группа стала известна и популярна за пределами Испании.
Первый и самый известный альбом этого периода, Entre el Cielo y el Suelo, стал настоящим прорывом для группы, будучи первым в истории Испании альбомом, достигшим одного миллиона копий по продажам. Песни Cruz de navajas («Крест из ножей»), Hijo de la luna («Сын луны»), Me cuesta tanto olvidarte («Мне так тяжело забыть тебя») получили высокую оценку как у критиков, так и у фанатов группы.
В этот период стиль Mecano стал радикально отличаться от предыдущих записей. Если раньше большинство песен было написано Начо Кано, то начиная с 1986 года его брат Хосе Мария стал доминировать в текстах и мелодиях. Самые известные хиты с последующих альбомов принадлежат именно ему. Если основными темами текстов группы периода записи первого альбома были алкоголь, вечеринки и подростковая злость, то ядром текстов Хосе Кано являются сложные отношения между мужчиной и женщиной, причём обычно с трагическим концом.
Песня «Hijo de la luna» (Сын луны) рассказывает о том, как цыганка просит Луну о муже, Луна же требует взамен отдать ей их первого сына. Ребёнок рождается с белой кожей, и цыган, подозревая жену в неверности, убивает её и оставляет мальчика на вершине горы, откуда Луна забирает мальчика к себе. Песня была переведена на итальянский (Figlio della Luna) и французский (Dis-moi Lune d'argent), была исполнена Монсеррат Кабалье, позже Сарой Брайтман и Марио Франгулисом.
Песня «Cruz de navajas» рассказывает историю о супружеской измене, а песня «Naturaleza muerta» рассказывает испанскую легенду о рыбаке, отправившемся в море, и о его невесте, которая его так и не смогла дождаться и превратилась в белый камень, покрытый солью и кораллами. Песня «Esto no es una canción» рассказывает о том, как легко начать употреблять наркотики и что случается потом. «Dali» посвящена испанскому гению Сальвадору Дали. «Aire», а также «Mujer contra mujer» — о проблемах однополой любви в современном обществе. Песня «Heroes de la Antartida» — о трагически погибших героях-первооткрывателях Антарктиды.
Группа также стала часто записывать тексты на социальные («No hay marcha en Nueva York») или исторические («Laika») темы.
Последующие альбомы пользовались похожей популярностью, часто ставя новые рекорды по количеству продаж. В 1993 году группа объявила о «временном перерыве», который продолжался до 1998 года, когда был выпущен альбом Ana | Jose | Nacho, на котором помимо старых песен присутствовали 7 новых композиций с минимальной обработкой. Альбом не получил высоких оценок критиков и широкой публики, и группа окончательно распалась в 1998 году.
Все трое участников коллектива с тех пор работают над сольными проектами, но только Ана Торроха добилась сравнительного успеха. В 2006 году под руководством Начо Кано вышел мюзикл Hoy no me puedo levantar по мотивам песен группы. Мьюзикл, представленный на сценах Испании и Мексики, пользуется популярностью как у публики, так и у критиков.

Интересные факты: Почти все песни написаны одним из братьев Кано в мужском роде и от мужского лица, но исполняет их Ана, что часто придает текстам новые значения.
Пенелопа Крус получила свою первую кинематографическую роль в клипе La fuerza del destino («Сила судьбы»). В этот период, кстати, Пенелопе Крус была подружкой Начо Кано (Nacho Cano).
Инструментал «1917» с альбома Aidalai (1991) посвящен революции в России, а песня Laika с альбома Descanso dominical (1988) — советской собаке-космонавту, первому живому существу побывавшему в космосе — Лайке.

Дискография:

1982 Mecano
1983 ¿Dónde está el país de las hadas?
1984 Ya viene el sol
1985 Lo último de Mecano (раритеты и концертные версии)
1986 Entre el cielo y el suelo
1988 Descanso dominical
1991 Aidalai
1998 Ana | Jose | Nacho (сборник + 7 новых песен)

...

Blоndinоchka: 13.08.14 18:36

 » Профессор Лебединский

Полное имя: Алексей Игоревич Лебединский
Сценическое имя: Профессор Лебединский
Дата рождения: 28 мая 1968
Жанр: музыкальная лирика, пародия, авторская песня
Годы: 1989 — наши дни
Алексе́й И́горевич Лебеди́нский, известный под псевдонимом Профессор Лебединский (род. 28 мая 1968, Ленинград) — российский певец, композитор, фотохудожник, артист, рекламный деятель. Стал широко известен в середине 1990х годов в России песнями, которые исполняет необычно хриплым тембром голоса. Среди них "Я убью тебя, лодочник", по результатам соц. опросов вошедшая в 100 самых популярных российских песен.
Детство и юность Алексея Лебединского. Алексей родился в Ленинграде на Васильевском острове. С детства он был увлекающимся ребёнком. Музыкальную школу закончил по классу фортепиано с отличием. Он, как лучший выпускник, выступал перед самим Рихтером в Большом зале консерватории. Обладая такими отменными музыкальными способностями, в консерваторию и, даже, в музыкальное училище не поступал. Лебединский стал студентом электротехнического института, а потом пошёл в армию. Там он играл в военном оркестре.
Музыка. Играть на фортепиано начал с 3х лет, сочинять музыку начал с 5ти лет. С 4х до 6ти лет занимался в подготовительной группе музыкальной школы при Ленинградской консерватории. 1983 год Закончил городскую музыкальную школу №32 по классу фортепиано у педагога Елены Евгеньевны Хиниц. Выступал в Большом зале Ленинградской филармонии, как лучший выпускник музыкальных школ СССР, где его услышал Святослав Рихтер. По настоянию Святослава Рихтера продолжил заниматься у Элисо Константиновны Вирсаладзе, но карьеры классического пианиста делать не захотел.
1985 год по рекомендации Бориса Борисовича Гребенщикова записывает первый материал на студии Андрея Тропилло, проводит школьные дискотеки.
1986 год-1988 год Служба в армии (Эстония, Тарту). Играл в оркестре на трубе, делал оркестровки и аранжировки для различных музыкальных составов - духовой оркестр, эстрадный оркестр, ансамбль народных инструментов.
В 1989 году играл в группе «Собрание сочинений», затем у Максима Леонидова на клавишных. Работал с Михаилом Боярским.
В 1990 году создал группу «Близнецы», занявшую первое место на конкурсе «Приз-клип» и представившую Санкт-Петербург на фестивале "Белые ночи в Венеции" в 1991.
С 1991 работал на студии Союза композиторов аранжировщиком. С 1992 года — музыкальный редактор на 5м канале телевидения «Адамово яблоко». Записывал аудиотреки телезаставок и рекламных роликов, мультфильмов. На домашней студии записывает свои песни и инструментальную музыку.
В 1995 году, после выхода песен «Я убью тебя, лодочник», "Я никому не скажу", "Учат в школе" и совместного с группой «Русский размер» альбома «Давай-давай» с ироничными кавер-версиями известных хитов, Профессор Лебединский быстро завоевывает популярность в России и ближнем зарубежье и покоряет вершины хит-парадов радиостанций.
Весной 1997 года выходит дебютный сольный альбом «Хеллоу-Гудбай». Благодаря успеху альбома Алексей полностью переключается на собственное творчество.
В 1998 год - выпуск альбома "Смеяться или плакать" с популярными авторскими песнями "Доче" и "Там вдали, у метро", "Вот и вся любовь". Видеоклипы на песни "Доче" и "Там вдали, у метро" транслируются по телеканалам.
В 1999 году на экраны телеканалов выходит клип на песню "Дубак-январь" с участием друга Лебединского, тогда еще не известного Романа Трахтенберга, и клип на пародию "Спят усталые игрушки", тоже с участием Трахтенберга.
Осенью [1999 год]]а выходит альбом "Танцы-Шманцы, Кныш и смородина" со ставшими популярными ремейками "Листья желтые", "Бессаме мучо" и "Лашате ми кантаре"
2004 год - выход песни "Капельки", пародии на песню "Часики" Виктора Дробыша, в клипе принимают участие друзья артиста - актеры театра "Лицедеи". Клип побеждает в программе MTV "12 злобных зрителей", но по непонятным причинам больше в эфире не появляется.
Осенью 2004 года вместе с группой «Русский Размер» и Дмитрием Нагиевым записал пародийную песню «Я её хой» (на мелодию песни «Dragostea din tei» молдавской музыкальной поп-группы «O-Zone»). Эта пародия (распространённое название — «Я танцую пьяный на столе») в течение 7-12 месяцев занимала первые строчки хит-парадов на радио. Выходят сборники и альбомы с лучшими песнями, дополненные новыми композициями. В 2004—2005 записал заставки для музыкального оформления радиостанции Динамит FM.
В конце 2005 года Лебединский совместно с Наташей Власовой записывает новогоднюю пародию "Елочка, гори!" и снимает на нее клип.
В 2005 году отметил 10-летие музыкальной деятельности под псевдонимом "Профессор Лебединский" в концертном зале "Октябрьский" в родном Санкт-Петербурге.
2007 год - выход альбома "И снова здравствуйте". Песня "Вовкина теперь" после 5 дней в эфире попадает в 10ку радио "Шансон" и постоянную ротацию "Дорожного радио" и называется критиками одной из лучших авторских песен Лебединского.
В 2013 году, после длительного перерыва, выходит новая лирическая песня "Если не любовь", клип на нее транслировался по музыкальным телеканалам.
Фотография. Профессионально заниматься фотографией Алексей Лебединский начал в 2000 году. Свои первые фотографии Алексей стал выставлять на известном интернет ресурсе, где собираются профессиональные фотографы. Выдающийся российский фотограф, обладатель высших международных премий Сергей Максимишин определил его стиль как минималистический жанр. По рекомендации Максимишина Алексей стал сотрудничать с газетой «Известия» и уже в сентябре 2002 года в медиа-центре «Известий» открылась первая персональная фотовыставка «Фокус Профессора Лебединского».
В том же 2002 году обложку альбома Криса де Бурга (Chris de Burgh) «Timing is Everything» украсил фотоснимок Алексея Лебединского.
Не оставляя музыкальной гастрольной деятельности, начиная с 2002 года Алексей постоянно публикуется в газетах и журналах, делает заказные портретные, жанровые и рекламные съемки. Алексей попутно занимается и съемкой российских и мировых звезд: Стив Хоу (Yes), The Tiger Lillies, Стинг, Брайан Адамс, Фил Коллинз, Сезария Эвора, Авишаи Коэн, Джереми Айронс, Деннис Хоппер, Кенни Гарретт, Шаин Новрасли, Сергей Игнашевич, Анжелика Варум, Леонид Агутин, Илья Лагутенко, Владимир Кузьмин, Андрей Макаревич, Вадим Казаченко и многих других.
2005 год В Москве презентуются выход авторской рекламы для автомобилей Porsche, календаря для «Лукойл-Нева» и первая авторская фото-книга «Фотоальбом № 1».
В 2007 году на крупнейшей в стране выставке «Фотофорум-2007» Алексея Лебединского представила компания Canon. Алексей Лебединский стал первым российским фотографом среди звезд мировой фотографии, представленным Canon.
В 2009 году в галерее на Мосфильме прошла персональная выставка фоторабот Алексея «Профессора» Лебединского «Кадр за кадром: Индокитай». Галерея представляла только часть большого проекта, в котором Лебединский фотографически исследует Вьетнам, Камбоджу и столицу Таиланда Бангкок.
2012 год При поддержке Nikon, ProLab, RusHydro и киноконцерна «Мосфильм» состоялась персональная выставка-вернисаж портретов и интерьерных фоторабот Алексея «Профессора» Лебединского «СТЕНОГРАММЫ».
Работы Алексея Лебединского выставляются в известных галереях, хранятся в частных коллекциях, украшают интерьеры приемных крупных компаний.
Личная жизнь. О личной жизни композитора и исполнителя Лебединского мало было известно, особенно тогда, когда его песни распевали буквально все. Зато теперь можно сказать, что Алексею пришлось нелегко. Когда его дочери Веронике исполнился год, он расстался с её мамой и занимался воспитанием сам. По мнению Лебединского, семью, в которой люди попросту не подходят друг другу, сохранять не стоит. Естественно, что воспитывал он Веронику не один, помогали няни, бабушки и верные подруги. Те года – это пик популярности, когда концерты, записи, гастроли и съёмки занимали почти всё его время.
Профессор Лебединский никогда не был обделён вниманием красивых женщин. Благодаря этому, Вероника имела возможность общаться с подругами отца, получая, таким образом, женские советы, женское внимание и, в какой-то степени, женское тепло, пусть даже и не материнское.
Дискография.
1996 — Давай-Давай!
1997 — Хэллоу-Гудбай
1998 — Смеяться или Плакать
1999 — Танцы-Шманцы, Кныш и Смородина
2005 — Новое и лучшее
2007 — И снова здравствуйте
2013 — Лирика (винил)

...

Nimeria: 13.08.14 19:06

 » Bebe / Бебе

Имя: Bebe / Бебе
Дата рождения: 9 мая 1978 года
Место рождения: Валенсия-де-Алькантара, Испания
Направление в музыке: латино-поп, рок, фламенко
Годы активности: с 1995 года по настоящее время

Биография/Карьера: Мари́я Ньéвес Ребойе́до Ви́ла (исп. María Nieves Rebolledo Vila, известная как Бебе (исп. Bebe) — испанская певица, музыкант, композитор, обладательница премий Latin Grammy Awards, периодически снимается в фильмах.
Бебе Ребойедо пишет и исполняет песни ещё со времён отрочества, к чему располагает деятельность её родителей — они пели в фолк-группе «Surberina», но на профессиональную сцену Бебе вышла в 1995 году став участницей группы «Vanagloria».
Через год она уезжает в Мадрид изучать театральное искусство, но уже в 2001 году заявляет о себе как о полноправном авторе и исполнителе песен, выиграв конкурс в Эстремадуре (Extremadura).
В 2004 году вышел её дебютный альбом «Pafuera Telarañas», он был принят неоднозначно, но с большим ажиотажем (особенно после церемонии Latin Grammy Awards, где Бебе выдвинута в рекордных 5 номинациях, включая категории «Открытие года» и «Лучший альбом»), и всё из-за необычного стиля исполнения — ключевые слова, описывающие «Pafuera Telarañas» — фламенко, броский, альтернативный латино.
Бебе Ребойедо дебютировала на экране в ролях второго плана в фильмах Фернандо Коломо «Южнее Гранады» (Al sur de Granada) и Хесуса Бонильи «Золото Москвы» (Oro de Moscú). В 2006 году она снялась в картине Хосе Луиса Куэрды «Воспитание фей» (La educación de las hadas), за который номинировалась на премию «Гойя» как лучшая актриса-дебютантка и была награждена этой статуэткой Испанской киноакадемии как автор лучшей оригинальной песни. Ранее она уже номинировалась за другую песню — из фильма Мигеля Бардема «Неосторожные» (Incautos).
Бебе постоянно сочетает работу в кино и театре с концертами, гастролируя по Европе, США, Мексике.

Интересный факт: По каким-то причинам песню Bebe Siempre me quedará (Cocaine) многие считают песней Пенелопы Крус (Penélope Cruz) под названием «Кокаин» («Cocaine»), хотя в саундтрек к фильму «Кокаин» (2001, ориг. название «Blow») с участием Пенелопы Крус по данным IMDB эта песня не входит.

Личная жизнь: Бебе имеет дочь (2010 года рождения). Не замужем.

...

Blоndinоchka: 13.08.14 23:54

 » Depeche Mode / Депеш Мод

Группа: Depeche Mode
Жанр: альтернатив-дэнс, синти-поп, новая волна, электроник-рок, индастриал-рок
Годы: 1980 — наши дни
Страна: Великобритания
Состав: Дэйв Гаан, Мартин Гор, Энди Флетчер
Бывшие участники: Алан Уайлдер, Винс Кларк
Depeche Mode — британский музыкальный коллектив, образовавшийся в 1980 году в городе Базилдон. Эта группа создала собственный стиль в жанрах электронной и рок-музыки и является одной из наиболее успешных и долгоживущих групп мира.
1977—1980: Образование группы. Истоки Depeche Mode прослеживаются с 1977 года, когда Винс Кларк и Эндрю Флетчер создали группу Composition of Sound, в которой Винс был вокалистом и гитаристом, а Эндрю — басистом. В 1978 году Кларк играл в группе The Plan вместе со своим школьным приятелем Робертом Марлоу (англ. Robert Marlow), который был вокалистом, а Кларк — гитаристом и клавишником. В это же время, в 1978—1979 годах, Мартин Гор в качестве гитариста участвовал в акустическом дуэте Norman and The Worms вместе со своим школьным другом Филипом Бёрдеттом (англ. Philip Burdett), который в настоящее время является фолк-певцом. В 1979 году Марлоу, Гор, Кларк и их приятель Пол Редмонд (англ. Paul Redmond) организовали группу The French Look: Марлоу — вокал/клавишные, Гор — гитара, Кларк и Редмонд — клавишные. Примерно через год, в марте 1980, Кларк, Гор и Флетчер создали новую группу Composition of Sound, в которой Кларк был вокалистом и гитаристом, Гор — клавишником, а Флетчер — басистом. The French Look и Composition of Sound однажды выступили совместно на концерте в июне 1980 года в молодёжном клубе школы Св. Николая (англ. St. Nicholas School Youth Club) города Саутенд-он-Си (англ. Southend-on-Sea), Эссекс.
Вскоре после образования Composition of Sound Кларк и Флетчер перешли на синтезаторы, зарабатывая деньги на их приобретение случайными заработками или занимая инструменты у друзей. Дэвид Гаан присоединился к группе в 1980 году, после того как Винс Кларк услышал его проникновенное исполнение песни Дэвида Боуи (англ. David Bowie) «Heroes» на одном из местных концертов. Так появился Depeche Mode. Новое название было взято у французского журнала мод Dépêche Mode, которое переводится как «Новинки моды».
1981—1982: Первые успехи. После одного из выступлений в клубе «Бридж Хауз» (англ. Bridge House), группе сделал предложение Дэниел Миллер (англ. Daniel Miller — основатель звукозаписывающей компании Mute Records), который хотел, чтобы они сделали дебютную запись для раскрутки его лейбла. Результатом этого устного контракта стала песня Dreaming of Me, которая была выпущена в феврале 1981 года. Ей удалось достичь 57-го места в британских чартах. Вдохновлённая этим неожиданным успехом, группа записывает свой второй сингл New Life, который значительно превзошёл первый, поднявшись до 11-й позиции. Через три месяца группа выпускает Just Can’t Get Enough — первый свой сингл, который вошёл в десятку лучших в Соединённом Королевстве, достигнув 8-го места. Эта запись во многих отношениях стала прорывом, и её успех проложил путь их дебютному альбому Speak & Spell, который вышел в ноябре 1981 года, в конечном итоге достигнув 10-го места среди альбомов в британских чартах. Критические отклики были разные. Журнал «Мелоди Мейкер» писал о нём следующее: «… великий альбом, именно такой, который они должны были записать, чтобы завоевать новую аудиторию и порадовать ненасытных фанатов», в то время как журнал «Роллинг Стоун» был более критичен, назвав его полным провалом.
Во время гастролей в поддержку альбома, Винс Кларк начал высказывать свое недовольство по поводу направления, в котором развивается группа. Позднее он сказал:«никогда не было достаточно времени, чтобы сделать что-нибудь». В ноябре 1981 года Кларк объявил, что покидает группу. Кроме того, утверждалось, что Винс Кларк был болен во время гастролей, на что Дэйв Гаан спустя несколько лет сказал :«фигня это, если честно». Вскоре Кларк занялся другими проектами. Он присоединился к блюзовой певице Элисон Мойе (англ. Alison Moyet) и сформировал Yazoo, а затем дуэт Erasure с Энди Беллом (англ. Andy Bell).
В конце 1981 года участники группы разместили объявление в газете «Мелоди Мейкер» следующего содержания: «Нужен клавишник для устоявшейся группы — не для времяпровождения». На объявление откликнулся Алан Уайлдер, 22-летний клавишник из Западного Лондона, и после двух прослушиваний у Дэниела Миллера он был принят в качестве четвёртого участника группы. Однако, несмотря на это, Миллер сказал Алану, что ему нет необходимости принимать участие в записи текущего альбома. Первый музыкальный вклад в деятельность группы Алан внёс в 1983 году.
Второй альбом группы A Broken Frame вышел в 27 сентября 1982 года. Этот альбом в целом выглядел как переходный. После ухода Кларка, Мартин Гор стал основным и фактически единственным автором песен Depeche Mode. Теперь композиции стали более мрачными, указывая на то, в каком направлении группа будет работать в следующие годы.
1983—1988: Рост международной популярности. Для выпуска своего третьего альбома Construction Time Again, Depeche Mode приняли решение о работе с продюсером Гаретом Джонсом (англ. Gareth Jones), на студии Джона Фоккса (англ. John Foxx) The Garden. В альбоме произошло резкое изменение в звучании группы. Отчасти это объясняется использованием цифровых семплеров Synclavier и Emulator, в добавление к ранее использовавшимся аналоговым синтезаторам. Использовав шумы от повседневных предметов, группа создала электрический, индустриальный звук, схожий со звучанием таких групп, как Art of Noise и Einstürzende Neubauten. Хорошим примером нового звучания стал первый сингл этого альбома Everything Counts, комментарий по поводу жадности транснациональных компаний, который стал № 6 в Великобритании, а также вошёл в 30 лучших в Южной Африке, Швейцарии, Швеции и Западной Германии. Алан Уайлдер сочинил две песни для этого альбома (The Landscape is Changing, Two Minute Warning). В первые годы своего существования Depeche Mode добились популярности только в Великобритании, Европе и в Австралии. Как бы то ни было, всё изменилось в марте 1984 года, когда они выпустили свой сингл People Are People. Эта песня, посвящённая проблеме расизма, достигла 13-го места в американских чартах, 4-го места в чартах Великобритании и Швейцарии и стала первой достигшей 1-го места в хит-парадах (Германия). Стараясь извлечь максимальную выгоду из неожиданного успеха сингла, Sire Records, звукозаписывающая компания группы в Северной Америке, выпустила сборник с таким же названием. Через месяц группа закончила работу над альбомом Some Great Reward, который в целом был воспринят хорошо. Газета «Мелоди Мэйкер» заявила по поводу альбома следующее: «вы будете приятно удивлены тому, что происходит здесь, прямо у вас под носом». Some Great Reward показал что группа экспериментирует со всё более мрачными темами, такими как нестандартные сексуальные отношения (Master And Servant), внебрачные связи (Lie To Me), несправедливый суд Всевышнего (Blasphemous Rumours). Также в альбом вошла первая баллада Мартина Гора (Somebody) — идея, ставшая ключевой для всех последующих альбомов. Это был первый альбом Depeche Mode, вошедший в чарты США, а также в десятку лучших в некоторых странах Европы. Именно в этот период группа ассоциировалась с готической субкультурой, которая недавно зародилась в Британии и постепенно приобретала популярность в Соединённых Штатах. Там группа сначала приобрела известность благодаря студенческим радиостанциям и радиостанциям, транслирующим современный рок, таким как KROQ из Лос-Анджелеса и WLIR из Лонг-Айленда, Нью-Йорк, следовательно, они главным образом обратились явно к альтернативной аудитории. В этом плане группа резко контрастировала с ситуацией в Европе и Великобритании, несмотря на всё более мрачные и серьёзные тона в их песнях. Наибольшие изменения Depeche Mode претерпели в 1986 году с выходом их пятнадцатого сингла Stripped и сопровождавшего его альбома Black Celebration. Отказавшись, в основном, от «индастриал» звука, который был характерен для двух их предыдущих альбомов (но сохранив свой зачастую образный семплинг), группа представила тревожный, более атмосферный и текстурированный звук, сопровождающийся одними из самых безрадостных по сегодняшний день, проникающими в суть текстами, написанными Мартином Гором. Также в альбом вошёл переработанный вариант песни «Fly On The Windscreen», которая изначально вышла как сингл вместе с «It’s Called a Heart».
Клип A Question Of Time, который снял режиссёр Антон Корбейн (англ. Anton Corbijn), положил начало длительным рабочим отношениям, которые продолжаются по настоящее время. Антон снял большинство, точнее 20 клипов (последний Should Be Higher снят в 2013 г.) и концертных записей группы, а также был дизайнером обложек большинства альбомов и синглов Depeche Mode.
Но самый главный и эпохальный период в истории группы был ещё впереди. 13 апреля 1987 года вышел сингл Strangelove, видео для которого также сделал Антон Корбейн. Сингл занял 16 позицию в чартах UK, но для поклонников группы это было нечто особенное. Так DM не звучали ещё никогда в своей истории. С выходом Strangelove можно говорить о Depeche Mode как о классике электронной музыки. Летом, 24 августа 1987 года, вышел второй сингл — Never Let Me Down Again, предваряющий новый, уже шестой по счёту, альбом группы, и по сей день остающийся у поклонников Depeche Mode одной из самых любимых композиций, которую многие называют лучшей песней группы. 28 сентября 1987 года выходит альбом «Music for the Masses», который разошёлся миллионными тиражами. Альбом, наряду с предыдущим, является классикой группы.
1989—1994: Два успешнейших альбома и уход Алана Уайлдера. В середине 1989 года группа начала записываться в Милане с продюсером Марком Эллисом (англ. Mark Ellis), более известным как Флад (англ. Flood). Результатом этой сессии стал сингл Personal Jesus, в котором Depeche Mode продемонстрировали запоминающееся, ритмичное звучание, радикально отличавшееся от того, что группа делала ранее. Перед выходом сингла в местных газетах, в разделах частных объявлений, появилась реклама со словами «Ваш собственный персональный Иисус». Позднее в рекламу был включён телефонный номер, позвонив по которому, можно было услышать эту песню. Разгоревшаяся вслед за этим полемика позволила синглу достичь 13-го места в Великобритании и стать одним из самых продаваемых синглов группы. В США он стал первым золотым синглом и первым попавшим в 40 хитов со времён выхода «People Are People», а также одним из самых продаваемых 12-дюймовых синглов в истории Warner Bros. Records. Кавер-версии этой песни были впоследствии выпущены такими исполнителями, как Джонни Кэш (англ. Johnny Cash), Нина Хаген (нем. Nina Hagen), Мэрилин Мэнсон (англ. Marilyn Manson) и др. В сентябре 2006 г. по результатам опроса читателей британского ежемесячого журнала Q песня была названа в числе 100 лучших песен всех времён. Также песня входит в 500 лучших композиций всех времён по версии журнала Rolling Stone. В это время группа получает дополнительную известность в США, где их влияние на сцене техно- и хаус-музыки становится всё более признанным.
В феврале 1990 Enjoy the Silence, ставший одним из самых успешных синглов группы, достиг 6-го места в британских чартах. Несколькими месяцами позже в США он стал первым (и единственным на сегодня) синглом Depeche Mode, который вошёл в первую десятку, достигнув 8-го места, кроме того, он стал вторым золотым синглом группы. В 1991 году Enjoy the Silence побеждает в номинации «Лучший британский сингл» на Brit Awards. Эта динамичная песня была задумана как медленная гипнотичная баллада в до-миноре. В демозаписи, которую принёс в группу автор песни Мартин Гор, был только его голос в сопровождении фисгармонии. Идея убыстрить запись пришла в голову Алану Уайлдеру. Группе этот вариант понравился, но автор песни некоторое время обижался и противился такой «обработке».
Раскручивая свой новый альбом Violator, они устроили раздачу автографов в музыкальном магазине Wherehouse Records в Лос-Анджелесе, что привлекло около 17 000 фанатов и чуть не стало причиной беспорядков. Violator смог войти в лучшую десятку в Великобритании и в США. Он также стал трижды платиновым в США с продажами более 3,5 миллионов копий. Последующий мировой тур стал ещё одним заметным успехом, когда 40 000 билетов на концерт на Giants Stadium в Нью-Йорке было продано в течение 8 часов, а на концерт на «Доджер-стэдиум» в Лос-Анджелесе 48 000 билетов разошлись меньше, чем за час. Два других сингла из этого альбома, Policy of Truth и World in My Eyes, добились умеренного успеха в Великобритании.
В 1991 году Depeche Mode записали Death’s Door — одну из песен в саундтреке к фильму Вима Вендерса «Когда наступит конец света», а Алан Уайлдер записал для своего сольного проекта Recoil третий альбом Bloodline, который вышел в апреле 1992 года.
Значительные изменения стиля группы произошли в 1993 году с выходом восьмого альбома «Songs of Faith and Devotion». В это время Depeche Mode находились под влиянием таких групп, как Nirvana и Jane's Addiction. В альбоме главный акцент сделан на инструментальные аранжировки, которые основаны, в основном, на сильно искажённом звучании электрогитары и живых барабанах (на которых играет Алан Уайлдер, чей дебют в качестве студийного барабанщика состоялся при записи песни Clean из альбома Violator), нежели на синтезаторах. К звучанию группы добавились живые струнные инструменты, ирландская волынка (англ. Uilleann pipes), а также женский вокал в стиле госпел.
Вслед за гранжевым синглом I Feel You альбом дебютировал на 1 месте и в США, и в Великобритании. Depeche Mode стали первой британской альтернативной группой, которая заняла первое место в чарте музыкальных альбомов Billboard 200. Затем последовало 14-месячное мировое турне Devotional. Оно было записано на видео, а позднее вышли концертное видео с таким же названием, который был номинирован на премию Грэмми и второй концертный альбом Songs of Faith and Devotion Live. К 1994 году Depeche Mode вошли в мировую элиту групп, собирающих стадионы, наряду с U2, R.E.M., INXS и The Rolling Stones. Несмотря на это, в группе нарастала напряжённость. Наркотическая зависимость Дэвида Гаана от героина начала сказываться на его поведении, он стал более непредсказуемым и замкнутым. У Мартина Гора случилось несколько приступов ярости, и Эндрю Флетчер отказался участвовать во второй «экзотической» части турне, сославшись на «психологическую нестабильность». В этот период на сцене его заменил Дэрил Бамонт (англ. Daryl Bamonte), который работал с группой в качестве личного помощника уже много лет.
1995—2000: Продолжение успеха. В июне 1995 года Алан Уайлдер заявил, что покидает Depeche Mode, по его словам, «из-за растущей неудовлетворённости внутренними отношениями и рабочей обстановкой в группе». Он продолжил работу над своим персональным проектом Recoil, выпустив четвёртый альбом (Unsound Methods) в 1997 году. Уайлдер заявил, что он проделал львиную долю работы во время создания последних альбомов и что «этот вклад так и не получил того уважения и признания, которых заслуживал». После ухода Алана Уайлдера многие скептически относились к тому, что Depeche Mode будут записываться когда-либо снова. Психическое состояние Дэвида Гаана и его пагубное пристрастие к наркотикам стали главной причиной беспокойства: чуть не ставшая смертельной передозировка наркотиками в лос-анджелесском отеле Sunset Marquis считается многими попыткой самоубийства, тем не менее Гаан неизменно это отрицает.
Несмотря на усиливающиеся личные проблемы Гаана, Гор неоднократно пытался в течение 1995—1996 гг. убедить группу записываться снова. Тем не менее, Гаан только изредка появлялся на запланированных сессиях, а когда всё-таки появлялся, ему требовались недели, чтобы записать какую-либо вокальную партию. Гор был вынужден задуматься о распаде группы и выпуске написанных им песен сольным альбомом. В конце концов беспокойство Гора оказалось безосновательным: в середине 1996 года Гаан начал проходить курс реабилитации от героиновой зависимости. После окончания Гааном курса реабилитации группа продолжила записываться с продюсером Тимом Сименоном (англ. Tim Simenon), и в следующем году был выпущен альбом Ultra, а также два предваряющих его сингла — Barrel of a Gun и It’s No Good. Альбом вновь дебютировал на 1-м месте в Великобритании. Из-за напряжения, возникшего во время предыдущего мирового тура, было решено полностью отказаться от тура в поддержку Ultra.. В записи альбома «Ultra» принимал участие Яки Либецайт, бывший участник известной краут-рок-группы Can.
Второй сборник синглов The Singles 86-98 был выпущен в 1998 году. Выходу сборника предшествовал сингл Only When I Lose Myself который был записан во время сессий Ultra.
2001—2004: Exciter. В 2001 году Depeche Mode выпустили альбом Exciter, который был спродюсирован Марком Беллом (англ. Mark Bell), бывшим участником группы LFO. Белл представил минималистический, цифровой звук под влиянием таких жанров, как IDM и глитч. Критическая реакция на альбом была неоднозначной. Exciter получил довольно позитивные рецензии от некоторых журналов (британского NME, и от американских Rolling Stone и L.A. Weekly), но большинство других (включая Q, PopMatters, Pitchfork Media), а также многие поклонники, отмечали, что альбому недостаёт глубины, вдохновения и блеска. Exciter стал первым студийным альбомом Depeche Mode, который в чартах США достиг более высокого места, чем в Великобритании. В марте 2001 года Depeche Mode провели пресс-конференцию в отеле Валентино в Гамбурге, чтобы объявить о начале нового мирового турне Exciter Tour, ставшего одним из самых успешных в истории Depeche Mode. Концерт проходивший в Париже в Palais Omnisports Paris-Bercy был снят, а затем выпущен в качестве концертного DVD под названием One Night in Paris.
В октябре 2002 года группа выигрывает премию «Innovation Award» журнала Q.
В 2003 году Дэйв Гаан выпустил свой ​​первый сольный альбом Paper Monsters и отправился в концертный тур.
В 2003 году вышел второй сольный альбом Мартина Гора Counterfeit, а Эндрю Флетчер основал свой ​​собственный лейбл Toast Hawaii, специализирующийся на продвижении электронной музыки.
В 2004 году выходит сборник ремиксов Remixes 81-04, в который вошли новые и неизданные промо-миксы из синглов группы с 1981 по 2004 год. Майк Шинода сделал ремикс «Enjoy the Silence», выпущенный в качестве сингла под названием Enjoy the Silence 04 и достигший 7-го места в британских чартах.
2005—2007: Playing the Angel. 17 октября 2005 года Depeche Mode выпустили свой одиннадцатый студийный альбом Playing the Angel, получивший хорошие рецензии. Многие поклонники рассматривают этот альбом как возвращение группы в былую форму. Это первый альбом группы со времён Some Great Reward (1984 г.), в котором представлены песни, написанные не только Мартином Гором: автором текстов к трём песням (Suffer Well, I Want It All и Nothing’s Impossible) стал Дэвид Гаан, а музыки — Кристиан Айгнер и Эндрю Филлпотт[en].
В ноябре 2005 года, раскручивая свой альбом Playing the Angel, группа отправилась в мировое турне Touring the Angel, которое длилось до лета 2006 года. В общей сложности группа сыграла более чем для 2,8 миллиона человек в более 30 странах. Touring The Angel был признан критиками одним из самых кассовых туров 2005/06 годов.
Группа была хедлайнером на двух фестивалях в 2006 году, Coachella Valley Music and Arts Festival, в Калифорнии, и O2 Wireless Festival, который проходил в последние выходные июня в лондонском Гайд-парке. 25 сентября 2006 года вышел их концертный альбом Touring The Angel: Live In Milan, срежиссированный Блю Личем (англ. Blue Leach) и записанный 18 и 19 февраля 2006 года в Миланском Fila Forum. Альбом состоит из двух DVD и одного CD. Первый DVD содержит полный концерт и две дополнительные концертные записи песен A Question of Lust и Damaged People. На втором DVD — 20-минутный документальный фильм, представляющий Антона Корбэйна, официальный анонс тура, о котором было объявлено на пресс-конференции в Германии летом 2005 года, а также некоторые другие материалы, посвящённые Playing the Angel. Третий диск представляет собой CD с концертными записями песен этого альбома.
Сборник лучших хитов был выпущен в ноябре 2006 года под названием The Best Of, Volume 1. В компиляцию также вошла новая песня Martyr, записанная во время сессий Playing the Angel.
2008—2011: Sounds Of The Universe. 6 октября 2008 года в Берлине на стадионе Olympiastadion прошла пресс-конференция Depeche Mode, на которой они анонсировали свое новое мировое турне, получившее название Tour of the Universe.[60] Билеты на некоторые концерты европейской части турне, которая стартовала 10 мая 2009 г. в Тель-Авиве, поступили в продажу 13 октября 2008 г.
15 января 2009 года на официальном сайте группы был помещен пресс-релиз, посвященный выходу нового альбома."Sounds Of The Universe" — именно такое название носит альбом, и он вышел в свет 20 апреля 2009 года. На этот раз внимание участников группы смещено в сторону аналоговых инструментов. Кроме того, по словам музыкантов, во время работы над новой пластинкой они записали немало дополнительного материала, который представлен в люксовой версии альбома.
Первым синглом с альбома стала композиция Wrong. Так же как и альбом 2005 года «Playing the Angel», «Sounds Of The Universe» содержит музыкальные произведения как Мартина Гора, так и Дейва Гаана. Релиз стал также воссоединением между группой и саунд-продюсером Беном Хиллиером.
21 февраля 2009 года на немецкой ежегодной церемонии вручения музыкальных премий ECHO Awards, Depeche Mode презентовали свою песню Wrong, которая стала первым синглом с альбома «Sounds Of The Universe». Сам сингл стал доступен для общественности 6 апреля 2009 года.
4 февраля 2010 года в Санкт-Петербурге и 6 февраля в Москве состоялись концерты группы Depeche Mode в рамках мирового турне «Tour of the Universe» в поддержку их нового альбома. Также группа впервые в полном составе посетила столицу Украины (Киев) 8 февраля 2010 года. Завершилось турне 27 февраля 2010 года в Дюссельдорфе, Германия.
17 февраля 2010 года в Лондоне (Royal Albert Hall), на концерте в поддержку Teenage Cancer Trust (Фонд по борьбе с раком у подростков) свершилось событие, которого поклонники группы ждали 15 лет: во время исполнения Мартином Гором песни «Somebody» ему аккомпанировал Алан Уайлдер, покинувший группу летом 1995 года. На официальном сайте Recoil (проект Алана Уайлдера) сказано, что Уайлдеру позвонил Гаан и пригласил поучаствовать в концерте. Уайлдер с удовольствием согласился.
3 марта 2010 на немецкой премии Echo Awards 2010 Depeche Mode победили в номинации «Best International Group — Rock / Pop» (лучшая зарубежная рок/поп-группа). На церемонии присутствовали Дэниэл Миллер, Мартин Гор и Энди Флетчер.
В 2011 году Depeche Mode выпустили второй сборник ремиксов, над которым работали все участники группы, включая Винса Кларка и Алана Уайлдера, давно покинувшие группу. Сборник получил название Remixes 2: 81-11. Релиз альбома состоялся 6 июня 2011 года. Сборник включает ремиксы, подготовленные Arcade Fire, Yeah Yeah Yeahs, вокалистом The Killers Брэндоном Флауэрсом, Бернардом Самнером из New Order, Ником Роудсом из Duran Duran, Röyksopp и многими другими. Ремикс на песню «Personal Jesus», подготовленный Stargate, вышел в качестве сингла 30 мая 2011 года под названием «Personal Jesus 2011».
2012 — настоящее время: Delta Machine. Во время своего выступления в Италии в ноябре 2011 года Эндрю Флетчер сообщил, что группа готова приступить к записи 13-го студийного альбома. Позднее, в январе 2012 года Мартин Гор подтвердил, что выход альбома состоится в начале 2013 года и затем группа отправится в новое мировое турне. 2 марта 2012 года Дэйв Гаан заявил, что уже готово 20 демозаписей, а продюсером вновь станет Бен Хиллер. 21 июля 2012 года состоялся совместный концерт Дэйва Гаана с группой Soulsavers, после которого менеджер Depeche Mode Джонатан Кесслер заявил, что релиз тринадцатого студийного альбома состоится в апреле 2013 года. 23 июля 2012 года в интервью Дэйв Гаан объявил о том, что в студию возвращается продюсер Флад для микширования тринадцатого альбома Depeche Mode.
23 октября 2012 года на конференции в Париже была объявлена дата начала тура в поддержку нового альбома Depeche Mode, первое выступление планируется провести в Тель-Авиве 7 мая 2013 года, а завершится европейская часть тура 29 июля в Минске, также среди городов заявлены Москва, Санкт-Петербург.
Первый сингл «Heaven» с нового альбома вышел 1 февраля 2013 года. Новый же альбом с названием Delta Machine вышел в Европе 26 марта 2013 года.
Дискография.
Speak & Spell (1981)
A Broken Frame (1982)
Construction Time Again (1983)
Some Great Reward (1984)
Black Celebration (1986)
Music for the Masses (1987)
Violator (1990)
Songs of Faith and Devotion (1993)
Ultra (1997)
Exciter (2001)
Playing the Angel (2005)
Sounds of the Universe (2009)
Delta Machine (2013)

...

Chelena: 14.08.14 07:09

 » Joy / Джой

Группа: Joy / Джой
Жанр: евродиско, европоп
Годы: 1984 - 1990, 1994 - наши дни
Страна: Австрия
Состав:
Энди Швайцер
Манфред Теммель
Фредди Яклич
Михаэль Шайкль
Бывшие участники:
Анцо Моравиц (1988 — 1990)
Йоханес Грёбль (1994 — 1997)
Кристиан Грюбер (1997 — 2001)
Андреас Леммерер (2002 — 2004)
История группы:
В 1984 году три школьных приятеля из небольшого австрийского городка Bad Aussee, Freddy Jaklitsch (родился 22.01.60), Manfred Temmel (родился 25.02.59) и Andy Schweitzer , решили создать свою поп-группу и назвали её “Joy”. До образования группы, Фредди Джаклич работал учителем немецкого языка в школе, Манфред Теммэль – ди-джеем, а Энди Швейцер служил в полиции.
Первый сингл новой австрийской группы “Joy” с названием "Lost In Hong Kong" появился на свет в феврале 1985 года. Песня особенного успеха не имела, но о группе стали появляться небольшие заметки в прессе.
Следующий сингл “Joy” - "Touch By Touch", который был записан в сентябре 1985 года сразу попал в Тор 20 лучших танцевалок. Эта песня задала тон всему дальнейшему творчеству группы.
Первый альбом группы “Joy” – “Hello”, пять недель был на первом месте в нескольких чартах и принес группе «Джой» настоящую популярность. Их пластинки выходили в 30 странах.
Летом 1986 года группа закончила запись второго альбома - "Joy And Tears". Самая известная и популярная песня с этого диска - "Japanese Girls". Благодаря «Японским девочкам», группа «Джой» покорила Азию.
Их гастрольный тур 1987-го года посетили 60.000 зрителей. После концерта на Сеульском стадионе, где собралось 20.000 человек, “Joy” стали очень популярны в Южной Корее. Специально к этому туру была выпущена компилляция из лучших песен с первых двух альбомов группы.
В течении следующего года “Joy” выступили с концертами в Америке и Европе - в Германии, Португалии, Италии.
Во время подготовки третьего альбома, в 1989 году, отношения между членами группы и руководством компании OK-Musica обострились до такой степени, что Фредди и Манфред отказались от работы в студии.
Чистовую запись нового альбома группы “Joy” закончил клавишник Энди Швейцер. В 1989 году альбом "3rd" был выпущен на виниле, а в 1992 году издан на CD, позже диск переиздавался под названием "She's Dancing Alone".
Диск отличается от предыдущих альбомов “Joy”, музыка стала более спокойной, мелодичной и достаточно стильной. Как и раньше, автором большинства композиций (10 из 11-ти) был сам Энди Швейцер. В дальнейшем Швейцер продолжил музыкальную карьеру работая с разными группами в Германии, Швейцарии и Испании.
Манфред Теммэль некоторое время работал дискжокеем в Австрии и Германии.
Казалось что на этом история трио “Joy” закончилась, но на гребне успеха очередного сборника, выпущенного в 1993 году, Фредди Джаклич и Манфред Теммэль получили от австрийского отделения BMG Music предложение реанимировать группу. В 1994 году они записали сингл сингл "Hello, Mrs. Johnson", который имел некоторый успех у публики.
В 1995 году, к группе присоединился клавишник Йоханес Грёбль, музыканты записали сингл “Felicidad ”, а следом вышел альбом "Full of Joy", состоящий из 10 композиций.
В 1999 году, звукозаписывающая компания OK-Musica выпустила на CD ремастированный сборник "Best Of Joy", включающий в себя 12 песен из первых двух альбомов группы, трек "Chinese Girls", а также "Touch By Touch Millenium Mix".
В 2010 году участники оригинального состава JOY решили отметить 25-летие своего первого успеха - объединившись и записав новую версию своего первого хита Touch by touch . В октябре 2010 года JOY выступили в Москве, на фестивале "Легенды Ретро ФМ" , прошедшем в спорткомплексе Олимпийский.
В 2011 году JOY выпустили на лейбле Major Babies новый альбом Enjoy. В альбом вошли 10 совершенно новых композиций, а также обновлённые версии двух главных хитов группы: Touch by touch и Valerie. Партии бэк-вокала ко всем двенадцати композициям были записаны Михаэлем Шайклем . В России альбом Enjoy был выпущен звукозаписывающей компанией CD Land , в Венгрии - лейблом Hargent Media.
В настоящее время второй состав группы “Joy” продолжает активно концертировать, исполняя для своих поклонников в основном хиты репертуара 1986 года...

...

Nimeria: 14.08.14 13:56

 » Ricchi e Poveri / Рикки э Повери

Название группы: Ricchi e Poveri / Рикки э Повери
Годы активности: с 1968 года по настоящее время
Страна: Италия
Направление в музыке: диско, поп-музыка
Состав: Анджела Брамбати, Анджело Сотджу, Франко Гатти
Бывшие участники: Марина Оккиена (1968—1981)

История группы: Ricchi E Poveri (произносится: Ри́кки э По́вери; итал. Богатые и Бедные) — итальянская поп-группа, популярная в начале-середине 80-хх гг.
Музыкальная карьера коллектива началась в Генуе в 1968 году, когда он принял участие в фестивале «Кантаджиро» с песней L’Ultimo Amore («Последняя любовь»), в которой было заметно влияние американской группы Mamas & Papas. Группа состояла из 4 человек: Анжело Сотжу, Франко Гатти, Анжела Брамбати и Марина Оккиена.
Участники коллектива с детства увлекались музыкой. Анжело и Франко занимались музыкой и играли в группе «I Jet», Анжела пела в дешевых лигурийских заведениях, а Марина училась вокалу. В одном из интервью Анжело и Анжела признались в том, что в юности были влюблены друг в друга и планировали пожениться. Они решили начать отношения тогда, когда Анжеле было 16 лет.
Скоро четвёрку заметил Франко Калифано, который стал первым продюсером группы. Именно он придумал название «Ricchi E Poveri» и создал имидж музыкантов: «Вы бедны, у вас совсем нет денег, но вы богаты своим талантом, фантазией, энергией». Анжелу и Франко он одел шикарно, а Марину и Анжело стилизовал под бедняков. Двоим из них Калифано предложил поменять цвет волос. Первая песня «богатых и бедных» была записана в 1968 году.
В 1970 году группа впервые принимает участие в фестивале в Сан-Ремо с песней La Prima Cosa Bella («Первая прекрасная вещь»), которую написал Никола Ди Бари, и занимает на этом фестивале 2-е место. В 1971 году Ricchi e Poveri вновь вторые на фестивале с песней Che Sarà («Что будет»), которую музыканты исполняют совместно с Хосе Фелисиано. В том же году коллектив участвует в музыкальной комедии на телеканале RAI. В 1972 году Ricchi e Poveri снова участвуют в фестивале в Сан-Ремо с песней Un Diadema Di Ciliege («Вишнёвая диадема»).
В 1973 году вместе с итальянским телеведущим Пиппо Баудо группа участвует в мюзикле «Сладкий фрукт», который имел грандиозный успех по всей Италии. В 1976 году коллетив вновь выступает на фестивале в Сан-Ремо с песней, которую для них сочинил Серджо Бардотти. В том же году Ricchi e Poveri совершают театральный тур с Вальтером Кьяри.
В 1978 году Ricchi e Poveri представляют Италию на конкурсе «Евровидение» с песней Дарио Фарины Questo Amore («Это любовь»), где занимают 12-е место. В 1980 году они являются почётными гостями на празднике Радио Монте-Карло. В этом же году они записывают свой последний диск вчетвером «La Stagione Dell’amore».
В 1981 году в Сан-Ремо группа приехала в полном составе, выступив на репетициях (итальянское телевидение сохранило видеозапись репетиций). Однако перед первым конкурсным выступлением в первый вечер фестиваля случился скандал — участница группы Марина Оккиена заявила, что отказывается выступать и покидает группу. «Рикки э повери» пришлось выходить на сцену втроём, песня — Sarà Perché Ti Amo («Наверное потому, что я тебя люблю») при бурной поддержке зрителей зала, заняла 5-е место. Затем песня приобрела огромную популярность, 10 недель продержавшись на первом месте в хит-параде Италии, по итогам года заняла 6-е место, опередив все песни фестиваля. Песня стала также супер-хитом и в Европе, во Франции по итогам 1981 года песня стала 8-ой, в Швейцарии поднималась до 2-го, в Австрии до 7-го, в ФРГ — до 11-го места. Выступление с этой песней в «Томми поп-шоу» ТВ ФРГ (1983), также вошло в новогодний (1983/84) выпуск передачи «Мелодии и ритмы зарубежной эстрады», став первым появлением «Рикки э повери» на советском телевидении. В альбом «E penso a te» вышедшего в этом году вошла также песня Come Vorrei («Как бы я хотел»), поднявшаяся до 3-го места в итальянском хит-параде, ставшая заставкой для телевизионного шоу «Портобелло». В 1982 году выходит сингл Mamma Maria («Мама Мария»), который занимал высокие места в европейских хит-парадах, в том числе 19 недель входил в чарты ФРГ, а вышедший в Италии альбом с одноимённым названием дошёл до 4 места в хит-параде за 1983 год.
В следующем году в Европе выходит популярные альбом Voulez-Vous Danser («Хотите потанцевать?»). В том же году группа становится почётным гостем музыкального фестиваля в Чили. В 1985 году группа побеждает на фестивале в Сан-Ремо с песней Se Mi Innamoro («Если я влюблюсь»), получив за неё 1506812 голосов зрителей, поднявшись до 6 места в хит-параде Италии, а также проводит гастроли по Австралии. Прошедшие летом 1986 года первые гастроли в Советском Союзе включают 44 концерта, которые собирают 780 тыс. зрителей, 21 ноября 1986 года Центральное телевидение показало телеверсию концерта.
В 1987 году коллектив занимает 7-е место на фестивале в Сан-Ремо с песней Тото Кутуньо Canzone D’Amore и выпускает последний, в смысле новизны песен, альбом «Pubblicita`». После этого выходят только альбомы с ремейками старых и незначительным количеством новых песен («Baciamoci», 1994, автор — Умберто Наполитано; «Parla Col Cuore», 1998).
В 1988 музыканты занимают 9-е место в Сан-Ремо с достаточно сложной и бледноватой в музыкальном смысле песней Nascera`Gesu, посвященной проблемам генной инженерии и принятой довольно неоднозначно как публикой, так и критиками. Однако, выступление на фестивале 1989 года с песней, написанной бывшим продюсером Эроса Рамаццотти Пьеро Кассано Chi Voglio Sei Tu, вызывает гораздо больший интерес у слушателей, песня заняла 8-е место. Фестивальная песня 1990 года Buona Giornata становится заставкой одной из итальянских телевизионных программ.
В 1991 году участники группы подписывают контракт с телеканалом RAI и становятся ведущими популярной телевизионной программы «Domenica In» и выпускают альбом «Una Domenica Con Te». В 1992 году Ricchi e Poveri исполняют на фестивале в Сан-Ремо песню Тото Кутуньо Così Lontani («Так далеки»), а в следующем году подписывают контракт с итальянским телеканалом Mediaset. В том же году они записывают альбом «Allegro Italiano» — собственные версии популярных итальянских песен: Caruso, L’italiano и некоторых других.
В 1994—2008 годах группа проводит многочисленные гастроли по Италии, Франции, Германии, Бельгии, Молдавии, Грузии, Литве, Австралии, Албании, Словении, Венгрии, Канаде и США. Также группа принимает участие в различных телевизионных шоу. К сегодняшнему дню пластинки группы выпущены тиражом более 20 млн копий. В 2012 году группа выпустила первый после 14-летнего перерыва альбом с несколькими новыми песнями под названием «Perdutamente Amore».

...