Любите ли вы театр...(с)

 » Правила посещения театра в XIX в.

ПРАВИЛА ПОСЕЩЕНИЯ ТЕАТРА В XIX ВЕКЕ

В XIX веке театр в России был не только местом, где можно было насладиться великолепной игрой актёров, но и настоящим светским заведением. Здесь в антракте мужчины назначали встречи и обсуждали деловые вопросы, в театре велись разговоры о политике и заводились полезные знакомства. И вся эта светская жизнь подчинялась особым правилам этикета, нарушать которые было непозволительно.

Внешний вид
Прийти в обычном платье на спектакль дама не имела никакого права. Наряд должен был быть вечерним, но ни в коем случае не бальным, а глубина декольте регулировалась тем местом в зрительном зале, которое занимала барышня. Самые глубокие вырезы были у дам, сидящих на нижних ярусах, а вот на верхних декольте были тем скромнее, чем был выше ярус.
Женщинам старшего возраста позволялось прикрыть вырез накидкой, а молодые девушки носили платья, щедро украшенные лентами, цветами и кружевом. Впрочем, солидным барышням тоже не возбранялось выбирать яркие цвета и самые разнообразные отделки для своих нарядов. Любой дамский наряд обязательно дополнялся перчатками, веером и подходящими шляпками, непременными были и ювелирные украшения с драгоценными камнями. Высокие причёски и шляпки считались дурным тоном, а этикет предписывал вести себя сдержанно и воспитанно.
Мужчины тоже выбирали для посещения театра приличествующие костюмы: тёмно-красные, чёрные или синие парадные фраки, белоснежные рубашки с накрахмаленными манжетами и воротничками, изысканные вышитые цветные жилеты. Непременным дополнением были галстуки или шейные платки, шляпы и перчатки обязательно белого цвета. Когда вошли в моду цилиндры, их стали считать приличным головным убором как раз для выхода в свет. Естественно, в театре мужчины головные уборы снимали.

Распределение мест в зрительном зале
Места в зале распределялись в соответствии с тем положением, которое занимал человек в обществе. В первом ряду партера могли сидеть только высшие гражданские и военные чиновники, а также послы со своими секретарями. Второй и третий ряд занимали сановники с дворянским происхождением, а уже за ними офицеры среднего звена, иностранные гости, известные артисты, меценаты, банкиры. На галёрке дозволялось выкупать билеты зрителям простым, происхождения незнатного: торговцам, ремесленникам, студентам.
Билеты в правой части зрительного зала покупали обычно люди, которые бывали в театре лишь время от времени, а вот слева сидели знатоки и любители искусства. У них, как правило, был свои места, которые они выкупали сразу на весь театральный сезон или, по крайней мере, на несколько спектаклей подряд.
Дамам было позволено сидеть в партере только со второй половины XIX века, до этого они могли сидеть лишь на передних креслах балконов и лож. Если же дама теперь и могла занять место в партере, то наряд её в этом случае отличался скромностью: никаких декольте и ярких цветов, только чёрный цвет, закрытый воротничок и скромная шляпка без всякой отделки. Одинокая дама, заботящаяся о своей репутации, не имела права явиться в театр в одиночестве, её обязательно сопровождал супруг, а незамужних юных барышень – старшие родственницы или родители.

Поведение во время спектакля
Опоздание на спектакль считалось крайне неприличным, однако зрителям, занимавшим ложи, можно было приходить уже после начала сценического действия или даже посмотреть всего часть постановки. Объяснялось это тем, что в ложах с отдельным входом зрители никому не мешают, уходя со своего места или занимая его позже положенного.
Громкое обсуждение происходящего на сцене считалось неприличным, как и крики «браво» и «бис». Впрочем, касалось это только аристократов, публика попроще могла себе позволить выражать эмоции. А вот дамам нельзя было даже аплодировать – это была прерогатива мужчин. В партере и на балконах воспрещалось есть и пить, однако в ложи, которые занимала императорская семья или знатные аристократы, подавали прохладительные напитки, сладости и фрукты.
Театральный бинокль можно было использовать только для того, чтобы лучше видеть происходящее на сцене, рассматривать публику запрещалось категорически. Впрочем, юным зрительницам и без бинокля нельзя было открыто рассматривать людей в зале, только в антракте они могли незаметно взглянуть на других зрителей.

Поведение во время антракта
Знатные дамы, располагавшиеся в ложах, по этикету не могли её покинуть даже в антракте. Как правило, мужчина, её сопровождавший, спрашивал, чего бы хотела барышня, и приносил желаемое. При этом фрукты и сладости надлежало предложить всем, находящимся в ложе, даже если зрители друг друга не знали. Светские люди были обязаны предложить дамам афишу.
Если в зале было жарко и душно, барышням дозволялось выйти в фойе со своими сопровождающими. Правда, иногда дамы пренебрегали сим правилом и прогуливались в одиночестве, там случались приятные знакомства, назначались свидания после спектакля и даже происходили кокетливые объяснения в любви.
Мужчины спокойно гуляли по фойе, общались со своими знакомыми, обсуждали любые вопросы, завязывали новые знакомства и даже занимались делами. Самое главное было вести разговор тихо, дабы не докучать остальным и не заставлять их слушать чужую беседу.


(Источник Kulturologia.Ru)
_________________

 » Из жизни провинциальных актёров

ИЗ ЖИЗНИ ПРОВИНЦИАЛЬНЫХ АКТЁРОВ

По подсчётам историков, в 1875 году в России было 75 провинциальных трупп. В то время провинциальный театр захлестнула широкая волна частного предпринимательства. В театральное дело устремляются в поисках заработка целые группы людей, выбитых из колеи изменениями в экономической ситуации, но понимающих, что богатеющая общественная прослойка ждёт от театра увеселений и развлечений.
Провинциальными антрепренёрами становятся купцы, рассматривающие театр как разновидность своей торговой деятельности; городские домовладельцы, спешащие приспособить свою недвижимость под театральные здания; отставные чиновники, пустившиеся в погоню за наживой путём нещадной эксплуатации актёрского труда, граничащей с рабством; хозяева модных магазинов, содержатели меблированных комнат, извозопромышленники, ловкие дельцы тёмного происхождения…

Фактически провинциальный театр в России пришёл на смену крепостному.
Едва ли не главное своеобразие этой сцены заключалось в спесиво-презрительном отношении публики к постоянной, а тем паче заезжей труппе. Купечество, гарнизонные офицеры, местная знать, «крапивное семя», полуграмотное простонародье по старинке считали актеров за людей низкосортных, неполноценных то ли детей, то ли скоморохов. И делало исключение лишь для редких, именитых светил… (Кушниров М., «Просвещенная глухомань: очерки дореволюционной провинциальной жизни»).
Некоторые антрепрёнеры ставят дело на широкую ногу и содержат труппы одновременно в 2-3 городах, периодически обменивая их между собой, так как всё-таки один небольшой город не в состоянии выдержать постоянный репертуар в течение целого сезона. Но антреприза эта имела «кустарный» характер. Всё было ориентировано на прибыль, и собственники не гнушались использовать грабительские методы увеличения доходов. Актёров-мужчин облагали огромными штрафами за малейшую провинность, женщин заставляли ужинать после спектаклей в гостиницах и ресторанах, ублажая зрителей (эта обязанность напрямую была указана в контракте). Случалось и так, что ни один актер не имел права уехать домой, а должен был присутствовать на террасе буфета, в саду или даже в трактире для «развлечения» публики, и не мог отказаться от участия в кутежах и попойках известной части «любителей искусства».

В глубинке к театральной антрепризе порой прикладывают руку жулики и авантюристы, самый принцип «предпринимательской деятельности» которых строился на обычном мошенничестве. Одни поджигали собственные театры для объявления форс-мажора, чтобы не заплатить актёрам даже договоренных грошей, другие удирали по ночам из города с кассой или с «залогами» (взносами), взятыми у актёров и так далее. Лишь к концу XIX века на горизонте появляются новые фигуры, такие как К. Незлобин, П. Медведев, разворачивающие свои «прожекты» как хорошо организованные предприятия.

«Русский актёр привык к кабале…»
Хищничество тёмных театральных воротил, сплошь и рядом пускавших по миру полуголодную актёрскую братию, выработало в актёрской среде большую настороженность в отношении мелких антреприз. В сопоставлении с ними казались «благодетелями» провинциальных исполнителей крупные и серьёзные антрепренёры, обеспечивающие верный и постоянный заработок. Здесь между творцом и нанимателем устанавливались относительно нормальные отношения, близкие к цивилизованным. И всё же тех, кто относился к актёру по-человечески, были единицы. Солидный хозяин, конечно, не пускался на такое бессовестное ограбление своих актёров, но сама система позволяла организованно и систематично выжимать из них выгоду в свою пользу. В 1897 году на Первом всероссийском съезде сценических деятелей звучали такие слова: «Русский актёр привык к кабале, привык до того, что сознательно и безропотно идёт в неё… потому что в действительности и идти-то некуда – кабала везде!»
При той решающей роли, которую играла личность антрепренёра в художественной жизни театрального предприятия, актеры оказывались целиком во власти своего хозяина. Более того, от крепостных времён отдельные провинциальные театры унаследовали тяготение к всестороннему «услаждению» почтеннейших меценатов новой формации.
«Благо ещё, когда торгуют только талантом… но случается, антрепренёр смотрит на людей, как на живой товар. Послушайте разговоры такого развлекателя с представителями от города и директорами перед началом сезона: – Ну и труппочку собрал, пальчики оближете! – А. красавица, Б. просто конфетка, обворожительная блондиночка…» (Из доклада на упомянутом съезде 1897 года)

Рай для лентяев и тунеядцев
Увы, провинциальные труппы порой действительно давали основание относиться к ним как к собранию отщепенцев общества. «Провинциальных актёров развелось огромное количество, но между ними артистов, годных для сцены, почти ничтожный процент. Остальные – сброд всякого праздного народа […] Провинциальная сцена – последнее прибежище для людей, везде потерпевших неудачи, которым уже решительно некуда деться. Это рай для лентяев и тунеядцев, бегающих от всякого серьёзного дела. […] Те же любители, только не по охоте, а по неволе. Если они менее грамотны, зато более наглы, совсем не учат ролей, зато бойчее и без малейшего стыда говорят вместо роли всякую чушь… и развязность их самого дурного тона» – писал А.Н. Островский в 1882 году. Несколько позднее в том же духе отзывалась о провинциальной сцене П. А. Стрепетова.
«В маленькие антрепризы стекались преимущественно артисты праздности и лени, бездарные и глубоко невежественные субъекты, часто вконец утратившие человеческий образ. Такие труппы кишели шулерами, камелиями, пропойцами и теми отбросами вырождения, которых когда-нибудь поколения более гуманные, чем наше, будут держать в общественных больницах…» (Из воспоминаний П. Стрепетовой)
Разумеется, ни о какой настоящей творческой работе в этих условиях не могло быть и речи. Антрепрёнеры делали ставку на кассу, любыми методами жаждали «сорвать сбор», не интересуясь качеством представления. Актёры, не видя выхода ни себе, ни детям из униженного и голодного существования, «шлялись с бенефисными билетами по передним богачей», проскальзывая с чёрного хода, когда их гнали с парадного. Названия пьес были «завлекательными» (к примеру, «Кровавая заключённица»), а в конце афиши публике обещали, что на спектакле кто-нибудь будет летать по воздуху и читать мысли на расстоянии. Был случай, когда давалась реклама спектакля, где бенефициант на глазах у зрителей якобы проглотит живого человека.
В крупных антрепризах не доходило до таких безобразий, соображения коммерческие по возможности сочетались с художественными. Но и здесь прочно укрепился приоритет кассовых сборов. Обычно в сезон должно было идти до 180 спектаклей, то есть, чтобы заполнить репертуар, нужно было найти не менее 160 пьес. А это означало по одной с дробью репетиции на одно название. «При такой постановке дела, – писал И.Н. Певцов, – требовалось соблюдать только одно условие в работе: не сталкиваться лбами на сцене!»

(Источник: МОСКОВСКИЙ НОВЫЙ ДРАМАТИЧЕСКИЙ ТЕАТР ©)
_________________

ТЕАТР «АРТ»: «ЭЛИЗА, ВЫ ДУРА!»

Ходила 5.05.2021 г. (премьера 14.09.2017 г.)
Режиссёр Александр Исаков по мотивам пьесы Джорджа Бернарда Шоу «Пигмалион»; в ролях: Евгения Глотова (Элиза Дулитл), Дмитрий Дмитриев (Генри Хиггинс), Никита Брусов (полковник Пикеринг), Вера Егорова (миссис Пирс), Кирилл Долгов (Элфрид Дулитл) и другие.

Прекрасно провела вечер и давно я так не смеялась. Я и забыла, что история о том, как профессор Хиггинс и полковник Пикеринг сделали настоящую леди из уличной цветочницы Элизы, такая забавная и трогательная. «“Пигмалион“ – это насмешка над поклонниками “голубой крови“, камень, который я бросил в окна викторианского благополучия.» (Дж.Б. Шоу)
Можно научить грамотности, выговаривать каждую букву (я сразу вспомнила свои занятия), но важно не только «как», но и «что». А Хиггинс сам выражается как грузчик, но «Пошёл к чертям собачьим» он скажет произнеся все звуки. И история про тётку, которую пришили из-за шляпки, в свете не прокатит. Миссис и мисс Эйнсфорд Хилл – классная карикатура на дамочек высшего общества.
Если добрый, благородный Пикеринг с цветочницей обращается, как с герцогиней, то Хиггинс – с герцогиней, как с цветочницей. Элиза долго оставалась для него подопытным кроликом, не человеком, «кочерыжкой». Даже чопорная, но безумно влюблённая в профессора экономка миссис Пирс (само очарование, её с придыханием «Х-хиггинс» я долго повторяла ) недоумевала: а что потом? Выучат девушку и выкинут обратно на улицу, к папаше с его гоп-компанией? Как-то забылось, для чего Элиза вообще пришла к профессору.
Евгения Глотова – умница и просто красавица. Герой не только вывез её героиню из деревни, но и деревню из девушки. Но разве умение Элизы схватывать на лету, желание стать кем-то большим, чем торговка, душевность этому не поспособствовали? Генри Хиггинс не просто маньяк правильной речи, он обаятельный маньяк . Вроде, и характер у него неприятный (как и у Элизы до перевоплощения), но и не улыбаться не возможно.


_________________

ЖАН МАРЕ И ЖАННА МОРО В СПЕКТАКЛЕ «ПИГМАЛИОН»

«Я снимаюсь в «Дортуаре для старшеклассниц». Я упоминаю об этом фильме, потому что на съемках я познакомился с Жанной Моро, она играла эпизодическую роль. Я восхищен ее талантом и внешностью. Спрашиваю, какую роль она мечтает сыграть в театре. Оказывается, Элизу в «Пигмалионе».
Я пообещал поставить эту пьесу для нее. Альбер Виллемец предложил мне стать его компаньоном в театре «Буфф-Паризьен». Я становлюсь художественным руководителем театра. Чтобы положить хорошее начало, выбираю пьесу Жана и предлагаю Жанне Моро сыграть Сфинкса в «Адской машине» [1954 г.] до «Пигмалиона», который я поставлю следующим. […]
Во время представлений «Адской машины» Марк Аллегре каждый вечер приходил ко мне за кулисы, уговаривая сняться в «Будущих звездах». Я объяснял ему, что, поскольку я занимаюсь декорациями и играю главную мужскую роль в «Пигмалионе», мне трудно будет еще и сниматься. Это было правдой, но правдой было и то, что мне не нравился фильм. Да и Брижитт Бардо я не представлял себе в роли вагнеровской певицы... Но в конце концов я уступил.
Как я мог выполнять все эти обязательства одновременно? Кроме всего прочего, мне еще пришлось осуществлять режиссуру «Пигмалиона». Я выбрал Жана Валла в качестве режиссера, потому что мы очень хорошо работали с ним над «Шери». К несчастью, через три дня Жанна Моро заявила:
— Или он, или я. Я не могу работать под руководством Жана Валла, его указания всегда противоречат тому, что чувствую я.
— Кого же ты хочешь в качестве режиссера?
— Тебя.
Нужно было срочно что-то делать. По истечении шести дней контракт считается принятым, а при его расторжении приходится платить большую неустойку.
Больше всего я дорожу Жанной Моро. Пришлось пожертвовать Жаном Валлом.
И вот я — импровизированный режиссер. Подготовка декораций, примерка костюмов, режиссура, съемки, работа над ролью Хиггинса, роль в «Будущих звездах», участие в пьесе «Адская машина» — и все это одновременно! Я снимаю комнату в отеле напротив театра, сплю два часа в сутки. Любопытная деталь: профессор Хиггинс — пурист фонетики, а меня постоянно критиковали за то, как я говорю на сцене. То есть этой ролью я бросаю вызов. Так что помимо всей той работы, которую я взял на себя, мне пришлось еще выполнять упражнения по дикции, зажав карандаш между зубами. Со временем я убедился, что упражнения помогают мне поставить голос и снимают усталость голосовых связок. После этого спектакля я уже больше никогда не услышу замечаний по поводу своего голоса.
«Пигмалион» пользуется огромным успехом — каждый вечер мы играем при переполненном зале. Жанна Моро тоже имеет настоящий успех. Хвалят мое благородство по отношению к ней, потому что я строю мизансцену в ее пользу, а не в свою. Я объясняю, что делаю это с эгоистической целью: хочу, чтобы она стала звездой и чтобы мой театр работал и в случае моих вынужденных отлучек. Это была правда.»
(Из книги Жана Маре «Жизнь актёра»)

«Он [Жан Маре] играет, репетирует, направляет, разучивает роль профессора Хиггинса, заботится о декорациях, костюмах, заботится обо всех деталях. Более того, будучи перфекционистом, как рассказывает Кароль Вайсвайлер, на репетициях шляпа Элизы не нравилась Маре: «”Слишком большая, слишком маленькая, слишком много цветов, недостаточно…” Наконец, набравшись терпения, Маре сам расположил шляпу», как и история о лондонском занавесе от дождя, который иногда остается невидимым, иногда затопляет зрителей: битва с техникой, в которой Маре выйдет победителем.
Маре – это Пигмалион, исполненный человечности, великолепный с саркастической элегантностью. «Это не его вина: за всю свою долгую карьеру ему ни разу не удавалось сделать неприятный персонаж по-настоящему неприятным.» Роль Пигмалиона – испытание для него, ведь актёра продолжали критиковать за его голос и дикцию.
Спектакль имел большой успех, и Жанна Моро имела к нему прямое отношение. Она была замечательна в роли Элизы, маленькой молодой женщины из пригорода Лондона, которая превращается в настоящую леди. Кто еще, как не она, мог так хорошо воплотить этих двух крайних персонажей?»
(Источник: «Жан Маре. Возлюбленный», Кароль Вайсвайлер и Патрик Рено)

Премьера – 15 января 1955 г. Театр «Буфф-Паризьен» (Париж)
Адаптация: Клод-Андре Пюже по пьесе Джорджа Бернарда Шоу. Режиссура, сценография и костюмы: Жан Маре
Актёры и роли: Сюзанна Дехелли – мадам Пирс, Мишель Эшверри – полковник Пикеринг, Жан Маре – Генри Хиггинс, Жанна Моро – Элиза Дулиттл, Ноэль Роквер – Альфред Дулиттл и другие.
Спектакль также шёл с 25 до 27 января 1957 г. в Лионе в Театре "Селестен".


_________________

Из темы «Балет, балет, балет...»

АГЕНТСТВО «СОЗДАНИЕ»: «БАЛЛАДА ДЛЯ БЕЗУМЦА»

Ходила 7.05.2021 г. (премьера – 2019 г.)
Идея и хореография – Кирилл Радев, соавтор-режиссёр – Алексей Радев, музыка – Оркестр TANGO EN VIVO; в ролях: Андрей Остапенко (Вацлав Нижинский), Ринат Ханджян (Сергей Дягилев), Мария Заплечная (Ромола Пульска) и другие.

«Произведение искусства важно не само по себе, а лишь как выражение личности творца» (С.П. Дягилев)

Сходила на пластический спектакль, поставленный «по мотивам истории жизни легендарного русского танцовщика Вацлава Нижинского».
Идея интересная, красивая постановка, с хорошей хореографией, есть потрясающие моменты, но раскрытие сюжета подкачало. Если не знать эту историю – мало что поймёшь. До появления на сцене Дягилева (в жутком красном халате), мне было ничего не ясно. А дальше…
Ну, я слишком люблю Сергея Павловича, чтобы согласиться с представленной трактовкой. Злой гений Дягилев (прямо Мефистофель) несчастного Нижинского ломал и эксплуатировал, но пришла светлая любовь Ромола и спасла танцовщика. Только «противоречивые отношения с известным театральным деятелем» уже «исказили сознание главного героя». Ну, мелодрама так мелодрама… Но, если не знать, то зачем тут толстовцы? Финальный выход Петрушки трогательный – если знаешь, что к чему. Жаль, что о творчестве не «обмолвились», но тогда бы концепция поменялась и Мефистофель перестал быть Мефистофелем.


_________________

СПЕКТАКЛЬ «РОМЕО И ДЖУЛЬЕТТА» С ЛОРЕНСОМ ОЛИВЬЕ И ВИВЬЕН ЛИ

«Я спросил Оливье почему он так уверен, что из мисс Ли получится потрясающая Джульетта. Он ответил: “У Вивьен в запасе буйная молодость, ярко выраженная красота, острохарактерное чувство комедии и огонь в груди. Большинство даже не догадываются, какая она великолепная комедийная актриса. Она еще всех удивит. Скарлетт позади. Впереди – прекрасная, умна, нежная и трагичная Джульетта. Если мы добавим к ее героине немного комедии, я думаю, мы получим блестящую роль!”»
(Из статьи «Don't call me a great lover!», 1940 г. Перевод: К. Малкович)

«Я не назову "Ромео и Джульетту" ошибкой. Это был провал, но благодаря ему мы многому научились.» (Вивьен Ли)

«Ромео и Джульетта (Уильям Шекспир; продюсер Лоуренс Оливье). Со времен «Сотерна и Марлоу» ни одна пара актеров не играла «Ромео и Джульетту» с большей аурой, чем Лоуренс Оливье и Вивьен Ли. В прошлом году Оливье проявил себя в роли большого романтического любовника в киноверсии «Грозового перевала», а мисс Ли на данный момент является самой обсуждаемой киноактрисой в мире. Оба молоды, очень красивы и влюблены друг в друга (они не могут пожениться до тех пор, пока их декреты о разводе не станут окончательными).
Но на прошлой неделе одна из самых ярких премьер в истории Манхэттена увидела постановку «Ромео и Джульетты», которая была не просто слабой или пятнистой, но и катастрофической. Они увидели Джульетту, которая выглядела как стихотворение, но не имела чувства поэзии, Ромео, который был красивым любовником, но говорил так, как будто чистил зубы, и проводил свои ухаживания, как если бы был д'Артаньяном. Они видели страх и горе, изображаемые извивающимся животом и звериным воем. Они видели, как Оливье в первой сцене на балконе мечется, как ошеломленный пожарный, пытающийся спасти девушку в ловушке из пламени. Поэзии, поднимающей рассказ до трагического романа, просто не было.
Несмотря на то, что из них двоих он был более шекспировским актером, Оливье был намного хуже, чем мисс Ли. Но его самым большим грехом была не игра, а режиссура.
Он ошибся, применив практически необработанную версию пьесы. Эту ошибку он попытался исправить, заставив забросить одни из своих линий, поглотив другие. Какие бы достоинства ни были в постановке, они были чисто живописными: комедийным сценам не хватало огня, а романтическим сценам не хватало чувств.»
(«Нью-Йорк Таймс», 1940 г.)

На сцене Оливье и Ли сыграли в «Ромео и Джульетте» на Бродвее. Это была экстравагантная постановка, но коммерчески неудачная. В «Нью-Йорк Таймс» Брукс Аткинсон хвалил декорации, но не игру: «Хотя мисс Ли и мистер Оливье – красивые молодые люди, они почти не играют своих ролей».

«... Исполнение Оливье не производит такого впечатления, как мисс Ли... Здесь мы видели нетерпеливую, жизнерадостную девушку, юную во всех своих проявлениях, страдающую от любви и охваченную ужасом. Без сомнения, эта английская актриса - открытие, какого не было долгие годы.»
(Из рецензии на спектакль, 1940 г.)

«На афишах красовались по-американски броские слоганы: “Настоящие любовники занимаются любовью на глазах у публики.” От постановки ожидали многого - в смысле искусства, а не секса. Но... “При том, сколько труда, денег и знаний было вложено в "Ромео и Джульетту", катастрофический провал спектакля остаётся одним из самых загадочных в истории театра”, - писал Джон Котрелл, биограф Оливье. Вокруг театра вилась очередь... желающих сдать билеты обратно в кассу.»
(«Лоуренс Оливье: он родился актёром», Валерия Горелова)


_________________

Всем привет!)

«Дороги, которые нас выбирают»
Театр: Московский академический театр сатиры
Премьера: 21 декабря 2011 г.
Продолжительность: 2 часа 30 минут (1 антракт)
Руководитель постановки: Александр Ширвиндт
Режиссер-постановщик и балетмейстер: Валерий Архипов
Композитор: Андрей Семенов
Музыкальный руководитель и дирижер: Андрей Рубцов
В ролях: Олег Кассин, Игорь Лагутин, Сергей Колповский, Максим Демченко, Юрий Нифонтов, Александр Чернявский, Анастасия Микишова, Елена Ташаева, Марина Маняхина, Любовь Козий, Евгения Свиридова и др.

Посещала Театр Сатиры почти три недели назад, но, как обычно, запоздала с отзывом об увиденном спектакле. Итак, довольно успешный спектакль «Дороги, которые нас выбирают», одна из визитных карточек Театра Сатиры, построен на трёх рассказах О. Генри: «Последний лист», «Русские соболя» и «Фараон и хорал». Три сюжетные линии переплетаются в одном большом городе, а именно в Нью-Йорке, городе, куда стекаются со всех концов страны (и за её пределами), в поисках лучшей доли и реализации себя. Нью-Йорк – город, в котором сбываются мечты, но, правда, далеко не у всех. Две подруги – художницы переезжают в НЙ, строят творческие планы, но одна из них тяжело заболевает пневмонией, и мечты девушек оказываются под угрозой.

В том же городе бывший бандит бросил своё криминальное занятие ради любви к девушке. Но мало кто может поверить в подобное преобразование преступника. Пока окружающие делают ставки, когда же закончится правильная жизнь героя, он сам постоянно колеблется (ибо раньше был богат, а ныне занимается честным трудом, хоть и малооплачиваемым), и лишь его возлюбленная безоговорочно верит в него, строя планы на их общее будущее. Но вокруг так много соблазнов…

Третья история, самая весёлая, рассказывает о судьбе бродяги, который решает сесть в тюрьму на три месяца, ибо, как он прослышал, тамошним постояльцам предоставляются великолепные условия, да и вкусный обед. Хотя бы на три месяца, но крыша над головой и сытый желудок. Но вот, как оказалось, попасть в тюрьму не так-то просто…

Спектакль музыкальный, хотя, конечно, нужно понимать, что поют не профессиональные певцы, а всё же актёры. Сам спектакль мне очень понравился. В нём есть грамотный баланс между комедией и драмой, между смехом и слезами. Самое мощное впечатление произвела актуальность спектакля. Не знаю, специально ли, но акценты и фразы, звучавшие на сцене, отражали наши реалии, буквально то, что творится за окном. И это заметили многие в зале. Ну, это, да, смело! Зал приветствовал актёров овацией.

Оценка – 5.

Привет, Кристина, спасибо за впечатления .


Ой, я очень люблю актёрское пение. Даже несовершенное.


Один из признаков хорошего спектакля - актуальность, узнавание на подмостках жизненных ситуаций .


Актёр Валерий Гаркалин рассказал о своём отношении к современным спектаклям.
Говоря об экстравагантных современных постановках, народный артист РФ Валерий Гаркалин отметил, что плохие и хорошие спектакли были всегда. Он считает неправильным утверждать, что в советском театре выпускались только шедевры. Актёр признался, что до сих пор со стыдом вспоминает некоторые советские спектакли, в которых он участвовал.
«Например, “Прощай, конферансье!“, поставленный Андреем Мироновым, где не было театра, а был набор тех самых штампов, о которых вы говорите», — рассказал артист в интервью.
Актёр считает, что ругать всё подряд не стоит, однако подчеркнул, что сегодня действительно увеличилось количество плохих, «штампованных» спектаклей. Валерий Гаркалин считает, что в современном театре мало чувства, а актеры, выходя на сцену, просто проговаривают заученные слова из-за чего зрители стали реже посещать театр.
_________________

Привет, Настя!)
Спасибо за сердечко!)


Всё-таки есть определённое отличие в пении профессионального певца и актёра. Какая-то приятная душевность, "шершавость" и "непричёсанность" актёрского пения. Но вот натыкалась на комментарии критического характера, как раз по поводу качества пения непрофессиональных певцов. И меня это всегда удивляло, особенно если речь идёт о музыкальном спектакле, а не мюзикле в чистом виде.


Даже если бы речь шла об общей актуальности, а тут прямо в конкретную ситуацию попадали. Мне очень понравилось))) И не мне одной))
___________________________________

 » Удачный поход в театр: пошаговая инструкция

УДАЧНЫЙ ПОХОД В ТЕАТР: ПОШАГОВАЯ ИНСТРУКЦИЯ ДЛЯ НОВИЧКОВ

Если вы спросите десять человек, на какой спектакль стоит сходить, то получите десять разных ответов. Любители классики будут советовать одно, поклонники современной драмы — другое, а кто-то вообще скажет, что после смерти Товстоногова в театр ходить нет смысла. Есть, конечно, профессиональные рейтинги театральных критиков, но их выбор, как правило, понятен лишь специалистам, они редко ориентируются на «нормального зрителя». Коммерческим же обзорам с заголовками «лучшие», «суперхиты», «топовые» и «культовые» верить не стоит — по понятным причинам…
Мы составили пошаговую инструкцию для новичков по выбору спектакля, чтобы вы не терялись перед сводной репертуарной афишей, и могли просить в театральной кассе не что-то абстрактно «хорошее», а конкретный билет.

Шаг 1. Выбор жанра
Если вы на дух не переносите «скучных разговоров» на сцене, и любите песни, танцы, водевильную лёгкость, красивые костюмы — вам нужна музыкальная комедия или оперетта. Театр ассоциируется у вас с вечерними платьями, веерами, позолотой, классическим вокалом — добро пожаловать в оперу. Обожаете зрелищные многофигурные синтетические постановки с современной хореографией, эстрадными номерами и драматической основой — вам нужен мюзикл. Нужен танец без пения — балет, модерн данс.
Драматический театр, как и музыкальный, в свою очередь делится на жанры. Но тут несколько сложнее: «трагедию» в чистом виде вы встретите очень редко, а то, что называют «комедией», может оказаться вовсе не смешно. В 20 веке, с развитием режиссуры, появилось бесчисленное количество авторских жанров: «печальный детектив», «мелодрама-размышление», «псевдотрагифарс» и так далее. Разобраться в этом с непривычки непросто, поэтому лучше ориентироваться на автора и название пьесы.

Шаг 2. Пьеса
Как ни странно, в современных пьесах ориентироваться проще. Во-первых, их не так много в московской афише. Во-вторых, аннотация даст вам исчерпывающее представление о том, что за историю вы увидите, и у вас не будет обманутых ожиданий. Иван Вырыпаев, Ярослава Пулинович, Василий Сигарев, Дмитрий Данилов… о них масса информации в сети, и вы сразу поймёте, чем они отличаются друг от друга. Сложнее с советской драмой. Очень мало кто ставит сейчас пьесы советского периода всерьёз, «в лоб», как сегодняшние тексты. Поэтому, если вы хотите окунуться в детство, лучше пересмотрите старые спектакли на видео. Но если вас не смущают смелые интерпретации, ирония, неожиданные трактовки — идите смело!
Задавайте себе простые вопросы: чего я хочу от театра? Посмеяться? Поплакать? Подумать о глобальном? Развлечься? Интеллектуально поупражняться? Полюбоваться красотой шоу? Поверьте, московская театральная палитра достаточно разнообразна, чтобы удовлетворить любое желание.
Наконец, классика… Думаете, «Ревизор» Гоголя — комедия о Хлестакове, «Ромео и Джульетта» — история несчастных влюблённых, «Три сестры» — грустная драма о провинциальной жизни? Не тут-то было. Сто лет успешного развития режиссёрского театра не прошли даром, и сегодня «классику» в театре можно увидеть лишь в версии того или иного режиссёра. И к этом нужно быть готовым. Даже самая «традиционная» постановка классики будет сегодня выглядеть совсем не так, как это было двадцать, а тем более сорок лет назад. И СОВЕРШЕННО не так, как вы себе представляете. Поэтому, чтобы понять, что именно вы увидите на сцене, переходим к третьему шагу.

3. Фамилия режиссёра
Без знания особенностей творчества конкретного режиссёра, к сожалению, выбор спектакля превращается в лотерею. Потребуется хотя бы поверхностное знакомство с эстетикой, свойственной постановщику спектакля, который вы наметили для посещения. Почитайте рецензии (только не отзывы зрителей, а именно театроведческие статьи!), посмотрите трейлеры спектаклей, фотографии. Вы видите какие-то радикальные мизансцены, и это для вас неприемлемо — не тратьте деньги и нервы. Особая история — малоизвестные режиссёры и студенческие спектакли, тут вы немножко рискуете, но со временем у вас начнёт срабатывать интуиция.
Режиссёры очень разные, и каждый творит собственный художественный мир. У кого-то он спокойный и тихий, у кого-то помпезный и красочный; кто-то любит говорить с залом простым и понятным языком, а кому-то наоборот привычнее язык метафор, иносказаний… Например, о Сергее Женоваче известно, что это мастер гармоничного, культурного и в хорошем смысле старомодного театра; о Вячеславе Долгачёве пишут как о приверженце «мхатовской» школы и профессионале высочайшего класса, а о Максиме Диденко — что он смелый экспериментатор, которого очень любит продвинутая молодёжь. Ищите информацию, размышляйте, «примеривайте» её на себя, пробуйте вообразить себя в зале театра… Кстати, а какого именно?

Шаг 4. Выбор театра
Когда-то, во второй половине прошлого века, у каждого московского театра было своё лицо — художественный лидер, определяющий политику, направление развития, подбирающий труппу под свои цели и задачи… Публика понимала, что увидит в «Ленкоме», что во МХАТе, а что в «Современнике». Теперь не то, театров-индивидуальностей на карте города — единицы. В этом смысле Новый драматический театр наиболее надёжен, здесь практически не бывает «инородных» явлений.
Учтите, что бренды в театральном мире живут долго, но сами театры меняются до неузнаваемости. Люди пенсионного возраста могут взять билеты в Театр на Малой Бронной, потому что помнят о спектаклях Анатолия Эфроса… и попасть там сегодня на спектакль Константина Богомолова. Возможно, им даже понравится (нет!), но это будет совсем не то, чего они ожидали. Театр вовсе не так консервативен, как многие думают, это не музей и не храм. Он живёт, развивается, меняется вместе с обществом. Попробуйте исходить из «презумпции невиновности» театрального коллектива, он далеко не всегда хочет взять с вас деньги за билет — и только!
Есть распространённая практика — подбирать театр, исходя из состава труппы, то есть идти целенаправленно на спектакль, где играет любимый артист. Но такой подход может себя и не оправдать. Вы посмотрите пять минут на «живую звезду», а потом заскучаете, если вас не захватит зрелище и не тронет происходящее в пьесе.

Шаг 5. Покупка билета
Непременно изучите схему зала. Чтобы вам ничего не испортило впечатление, продумывайте дорогу в театр и обратно.

Ничто не может так сильно испортить впечатление от театра, как предубеждения. Когда человек изначально настроен на то, что «нынче всё ужасно, везде новшества, обязательно всё исковеркают и исказят» (или наоборот — в нашей стране театр безнадёжно отсталый, не то что в Европе, где всё самое актуальное и передовое!), он не получит удовольствия даже от замечательного, тонкого и умного произведения искусства. Быть зрителем не так просто, необходимо учиться понимать театральный язык, быть открытым и восприимчивым, и главное — настраиваться на диалог.

(Источник: МОСКОВСКИЙ НОВЫЙ ДРАМАТИЧЕСКИЙ ТЕАТР ©)
_________________

«РУССКАЯ АНТРЕПРИЗА» им. Андрея Миронова: «РЮИ БЛАЗ»

Ходила – 16.05.2021 г. (премьера – 30.01.2016 г.)
Режиссёр Вадим Милков-Товстоногов по драме Виктора Гюго; в ролях: Андрей Аладьин (Рюи Блаз), Николай Смирнов (Саллюстий де Басан), Михаил Драгунов (Цезарь де Басан), Олег Куликович (Дон Гуритан), Марианна Семёнова (Мария Нейбургская, королева Испании) и другие.


Начну с хорошего – спектакль очень красивый, праздник для глаз. Декорации, костюмы в стиле Веласкеса – божественно. Интересна задумка с фигурами-тенями, когда придворные пересказывают сплетни. Скованная этикетом затхлого двора королева Марианны Семёновой прекрасна. Т.е. мой любимый персонаж спектакля – Мария Нейбургская, которая не нравилась мне ни в литературном первоисточнике, ни в фильме. Первый тревожный звоночек.
Второй звоночек – если во время представления я начинаю задумываться, как бы сделала я (урезала монологи и добавила движения), это плохо. Действие на сцене не увлекает, оно переполнено длиннющими монологами – как в оригинале, но, получается, события не показывают, а рассказывают. Я вспомнила французский фильм (да-да, с Жаном Маре) – в нём тоже можно было, извините, без конца шпарить александрийским стихом, но создатели подошли к делу творчески.
В актёрах нет азарта, эмоций. Рюи Блаз Андрея Аладьина – «лакей с благородной душой» – милый, симпатичный, но блеклый. Моя любимая парочка – братья де Басан. Смирнов (жаль, не попала на Барковского) в роли раздираемого злобой и жаждой мести Саллюстия, отмахивающегося от государственных дел ради своих шкурных интересов, не впечатлил. В «благородном разбойнике» Сезаре (какой он Цезарь?) мало лихости и много серьёзности, но с проблесками.
К финалу у меня есть вопросы, но это вопросы к Гюго.
Спектакль посвящён памяти Владислава Стрежельчика, игравшего Рюи Блаза, но при этом немного свысока было сказано, что «в БДТ пробовали ставить» это произведение. Т.е. там «пробовали», а вот вы ого-го?
_________________

Из темы «Всем любителям оперы».

МИХАЙЛОВСКИЙ ТЕАТР: «ОПРИЧНИК»

Ходила на премьеру 18.05.2021 г.
Опера П.И. Чайковского по драме И.И. Лажечникова. Режиссёр Сергей Новиков; в ролях: Валентина Феденёва (Наталья), Иван Гынгазов (Андрей Морозов), Екатерина Егорова (Боярыня Морозова), Александр Безруков (Князь Жемчужный), Алексей Тихомиров (Князь Вязьминский), Вадим Волков (Фёдор Басманов) и другие.

«Жажда мести за разорённую семью толкает молодого боярина Андрея Морозова вступить в опричнину. Но этот поступок приводит к последствиям, которых он не мог представить.»

Итак, это мой второй «Опричник» – ходила на оперу в Мариинский. В Михайловском традиционная постановка, и браво художнику и декоратору. Сценография выдержана в стиле картин московского цикла Аполлинария Васнецова. Расшитые кафтаны и летники, богатый свадебный стол – всё на месте.
Андрей Морозов не такой мямля, каким казался. Он добрый, доверчивый, смелый и готов на подвиг. Видна драма, душевные терзания, как морально трудно далась ему опричная клятва. В спектакле ещё сцену придумали, чтобы Морозов сразу доказал преданность, казнив маленького боярского сына – «новобранец» испытание прошёл успешно. Он сделал выбор между добром и злом, перешёл черту, что для его матери оказалось неприемлемым. Тем удивительнее, что герой решил, что обратная дорога есть и от клятвы легко можно избавить. Пали в ноги царю коллективно – Андрей, Наташа, боярыня и Басманов – и гуляй на все четыре стороны. Ладно, Морозов наивный, но Фёдор?
Мама была права: не знайся с молодым Басмановым, он плохому научит.
«Да под одеждой этой парчевою Греха, греха схоронено – не сместь
Метлой кромешников! Да в этой чаше Намешано слёз больше, чем вина!..»
Чайковский написал роль Басманова для женского голоса, у нас исполняют в очередь. Вадим Волков, контртенор: «Партия не простая, но для меня нет различий, кто поёт, женщина или мужчина. Главное — мастерство вокала, либо ты умеешь петь, либо не умеешь. Мне комфортно петь эту партию.»
Я не подпрыгнула от восторга только потому, что в таких театрах не прыгают. Совершенный мальчишка, мелкий бес и змей-искуситель под нарядным кафтаном . Жесты, движения, взгляды наводят на определённые мысли – Чайковский намекал на любовный треугольник. Я предугадывала: сейчас он положит ладонь на плечо, сейчас сядет на стол, сейчас… Иногда хотелось спросить: «Да как тебя на площади не сожгли?» Басманов Андрею друг, но за ним чувствуется нечто тёмное – у Фёдора отрицательное обаяние, он по ту сторону.
Нежная и светлая – Наталья. Понимаю её потрясение, когда девушка узнаёт, что отец решил выдать её замуж не за любимого Андрея, как было сговорено, а за другого. Понимаю её неловкость, когда на свадьбе опричники изгаляются над Жемчужным. Понимаю стыд Наташи и возмущение Морозова, когда её попросили к царю – а для окружающих это в порядке вещей. Вязьминский на негодование Андрея вообще сказал: что ты дёргаешься, не тебя ж позвали? Или… это была последняя проверка?
Чайковский стремился оставить в либретто главное, и хотя на первый взгляд логика слегка хромает, события заставляют задуматься. У Лажечникова броситься в ноги Грозному предложил Вязьминский (со злобной целью), а у композитора – Басманов. Но тогда не понятно, почему на свадебном пиру он со скорбной физиономией сообщает другу о царском недовольстве. Или – понятно? Ситуация благополучно разрешилась, но наклюкавшийся Фёдор сбегал к государю и настроение Ивана Васильевича поменялось. Ревность и вредность – страшные вещи…

Понравилось, что артисты не только изумительно спели (особенно Тихомиров хорош), но и прекрасно сыграли. Таких бурных зрительских изъявлений чувств на опере я никогда не видела – премьера удалась.



_________________

Настя, поздравляю тебя с новой премьерой любимой оперы!
Я, со своей стороны, рада, что спектакль обрел нормальные декорации.
___________________________________

Всем привет! Как же давно я не заходила в эту тему! Тему, с которой для меня когда-то всё началось. Но вот сегодня я снова пришла сюда.
За это время многое изменилось. К сожалению, в Новый Драматический Театр я больше не хожу. Посчитала - я побывала там на 12 спектаклях, причём некоторые смотрела по 4-5 раз. Первое место в моём рейтинге занимает "Месяц в деревне" И.С.Тургенева - именно на этот спектакль я ходила пять (!) раз. С мамой, с папой, со школьной подругой, с троюродной сестрой - всегда по-разному. Второе место в моём рейтинге поделили два спектакля (по четыре просмотра) - "Один из последних вечеров карнавала" Карло Гольдони, а также "От первого лица" ("Герой нашего времени" М.Ю.Лермонтова). Почётное третье место достаётся постановке "Прекрасное воскресенье для пикника" (Теннесси Уильямс). Также я была на спектаклях: "Богатые невесты", "Шутники", "Лес" (А.Н.Островский), "Настасья Филипповна" ("Идиот" Ф.М. Достоевского), "Что угодно или 12 ночь" (Уильям Шекспир), "Три мешка сорной пшеницы" (Владимир Тендряков), "Визит старой дамы" (Фридрих Дюрренматт), "Улыбки летней ночи" (Ингмар Бергман).
Почему я вспомнила про эту тему? Наверное, потому, что вчера мы со школьной подругой ходили в Малый Театр на премьерный спектакль "Месяц в деревне" (сцена на Большой Ордынке). Постановка, конечно, значительно уступает своему собрату из Нового Драматического Театра - это относится и к игре актёров, и к декорациям, и к костюмам. А впрочем, это не так уж важно. Главное, что я снова окунулась в театральную жизнь. Последний раз я была в Малом Театре (на основной сцене) давно, ещё в школе с мамой смотрела "Недоросль" Д.И.Фонвизина. Теперь хочу сходить на "Вишнёвый сад" А.П.Чехова (кстати, когда-то я смотрела постановку по этой пьесе в Молодёжном Театре, осталась под большим впечатлением). Хорошо то, что никто не заставляет всё время сидеть в масках - это очень важно (хотя я всё равно была в маске, а моя подруга нет, она недавно привилась, и ей маска ни к чему). Думаю, теперь я буду присматриваться к Малому Театру. Кроме "Вишнёвого сада", меня ещё интересует "Слуга двух господ" Карло Гольдони.
P.S. Желания идти, например, в "Современник" у меня нет - моё знакомство с этим театром ограничилось "Тремя сёстрами" Чехова.
P.S. Кстати говоря, "Лес" в Новом Драматическом Театре мне совершенно не понравился, постановка явно проигрывает той, которую я когда-то смотрела во МХАТе с Татьяной Дорониной. Вообще, НДТ Островского совершенно не чувствует, недаром мне не понравились аж три постановки - "Богатые невесты", "Шутники" и "Лес".
P.S. Моим первым в жизни спектаклем стал "Ревизор" Н.В.Гоголя в театре на Малой Бронной.
_________________

Спасибо, Вика . Кажется, у нас эту премьеру весь город ждал .


Видела этот спектакль году в 2004, мне не понравилось.


Я тоже привитая, но кто меня спрашивает? Положено - будьте добры . Хотя и у нас во многих местах не сильно зверствуют по поводу масок.
_________________