Любите ли вы театр...(с)

ТЮЗ: XXIII международный театральный фестиваль «Радуга» – ТВОРЧЕСКИЙ ВЕЧЕР МИЛОША БИКОВИЧА

Ходила 31.05.2022 г.
На самом деле я собиралась сходить на спектакль «Ваал» по Брехту Белградского театра, а творческий вечер «известного сербского артиста театра и кино Милоша Биковича» прихватила за компанию. Бикович нравится моей подруге, живущей в другом городе, я как бы за неё пошла . Но спектакль чуть ли не в последний момент отменился по «техническим причинам», и я осталась со встречей с артистом (вместо «Ваала» тоже был Бикович), которому в целом симпатизирую, но дышу ровно. Видела его в «Солнечном ударе», «Крыльях империи», «Магомаеве», «Холопе».

«Не могу сказать, что это у меня в первый раз – первый раз был полтора часа назад. Тогда мне пришлось объясняться, почему театр не приехал, а сейчас я понимаю, что пришли действительно те люди, которые хотели меня увидеть.»

Сербский любопытный язык: театр – позориште, актёр – глумац.
Милош мне понравился, его интересно слушать, я даже пожалела, что сдала первый билет. Человек, умеющий шутить на неродном языке, как-то располагает к себе. Как и отношение артиста к профессии, чувство ответственности перед зрителем. То, что он не может позволить себе схалтурить «перед бабушкой, купившей на небольшую пенсию билет в театр, перед потомками тех людей, которые, если бы это было в России, защищали Сталинград.» Может показаться, что это прозвучало немного пафосно, но точно искренне. Что несомненно согрело наше сердце: «Я не понимаю, почему русские так восхищаются европейскими городами, когда есть Питер?» Конечно, приятно слышать, когда спросили, что ему больше всего нравится в России – люди, наша искренность…
Но мне не понравилась ведущая (белорусская актриса), периодически перетягивающая внимание на себя, и, на удивление, не хватило именно творчества. Я ожидала больше вопросов и рассказов о театре, подготовке к ролям, отрывков и монологов из спектаклей. «Ой, мы думали вы из “Ваала“ почитаете, а время закончилось.» Вечер был больше похож на интервью. Плюс народный сербский танец .


_________________

Возле Мариинского театра висит огромный плакат: «ДЯГИЛЕВ 150. Год Сергея Дягилева в Мариинском театре». И нахальная физиономия бакстовского Сергея Палыча немного свысока взирает на зрителей… Я собрала несколько высказываний известных людей, характеризующих этого неординарного человека. Личность.

СЕРГЕЙ ПАВЛОВИЧ ДЯГИЛЕВ (19/31.03.1872 г. – 19.08.1929 г.): шарлатан, шармёр, первооткрыватель, гений

«Я, во-первых, большой шарлатан, хотя и с блеском, во-вторых, большой шармёр, в-третьих – большой нахал, в-четвёртых, человек с большим количеством логики и малым количеством принципов и, в-пятых, кажется, бездарность; впрочем, если хочешь, я кажется нашёл моё настоящее значение – меценатство. Все данные кроме денег – но это придёт.» (Сергей Дягилев)

«Великая сила искусства заключается именно в том, что оно самоцельно, самополезно и главное — свободно. Произведение искусства важно не само по себе, а лишь как выражение личности творца.» (Сергей Дягилев)

«Надо идти напролом. Надо поражать и не бояться этого, надо выступать сразу, показать себя целиком, со всеми качествами и недостатками своей национальности.» (Сергей Дягилев)

«Я лично ни для кого не интересен; интересна не моя жизнь, а моё дело.» (Сергей Дягилев)

«Я хочу выхолить русскую живопись, вычистить её и, главное, поднести её Западу, возвеличить её на Западе... Я много раз бывал в Западной Европе, и что меня всегда поражало и оскорбляло мое национальное чувство – это незнакомство иностранцев с представителями русского искусства. » (Сергей Дягилев)

«Цинизм Дягилева и его сила. Есть в нём что-то страшное, он ходит “не один“. И перед нами возникает поистине магический и грандиозный образ Дягилева-Фауста, соблазняющегося и соблазняющего всех на своём пути в неутомимых поисках “прекрасного мгновенья“.» (Александр Блок)

«Невозможно понять, что он за человек, он очаровывает и сводит с ума одновременно, словно змея, он ускользает из рук – в сущности, его волнует только он сам и то, чем он занимается.» (Анри Матисс)

«Дягилев сделал три вещи: он открыл Россию русским, открыл Россию миру; кроме того, он показал мир, новый мир — ему самому.» (Фрэнсис Стейгмюллер)

«Это чудище, этот священный монстр, этот русский принц, которого жизнь устраивала, только если в ней происходили чудеса… Дьявол во плоти – вот кто такой Дягилев.» (Жан Кокто)

«Дягилев – вечен, Дягилев – чудо.» (Серж Лифарь)

«Привязанности Дягилева были глубокими, искренними и преданными, он старался прятать их за маской пресыщения. Он обладал настоящей нежностью, глубиной чувств, а также проницательностью и неукротимой волей… Его абсолютно чистым достоинством была преданность искусству, горевшая священным огнём. Он приносил людей в жертву, если того требовало искусство. Но он приносил в жертву и свои выгоды... Его безжалостность принадлежала искусству; его верное сердце было его собственным.» (Тамара Карсавина)

«Этот стихийный человек – одна из самых характерных фигур нашей родины, соединявшая в себе все чары и всю непогасшую мощь русской культуры.» (Александр Бенуа)

«Дягилев – человек обходительный, но страшный…» (Эрик Сати)

«Серж Дягилев – человек страшный и обворожительный, он умел заставить плясать даже камни.» (Клод Дебюсси)

«… Шикарный Дягилев… просит что-нибудь для выставки. Ничего подходящего для “Мира искусства“, казалось, не было у меня, но он и слышать не хотел и выпросил небольшую картину “Финляндский поток“ и два пастельных пейзажа, затем сам стал рыться в пыльном складе со всяким хламом, в моём “чулане“, и вытащил грязный эскиз к “Зелёному шуму“. Мы буквально вырывали его друг у друга. Пришлось согласиться. “Поток“ и эскиз теперь в Третьяковской галерее.» (Аркадий Рылов)

«За всеми его внутренними конфликтами, легендарным шармом, чудовищными диктаторскими наклонностями, необыкновенной чуткостью к таланту, хитростью и вероломством, решительностью и провидческим даром скрывалась жажда приобщения к тайне творчества в его наивысшей форме... Он не останавливался ни перед чем, чтобы только иметь возможность служить красоте и жить во имя искусства.» (Шенг Схейен)
_________________

 » Лицедейство это грех?

«ЛИЦЕДЕЙСТВО ЭТО ГРЕХ?»

Последнее время нередко слышу: «Да что вы хотите от этих скоморохов? Раньше их даже на кладбище не хоронили!» А что же такого греховного в актерской профессии?

Театр родился из язычества
Театр родился в глубокой древности и первоначально представлял собой аллегорию производственных и трудовых процессов. Само театральное искусство происходит из охотничьих, мистических и иных ритуалов.
Набольшего расцвета в Древнем мире театр достиг в Древней Греции, где театральные представления часто сочетались с языческими ритуалами и церемониями. Древнегреческий театр считался важнейшим государственным институтом и поэтому существовал в каждом древнегреческом городе.
Так, например, одним из самых почитаемых богов в Древней Греции бог плодородия и виноделия Дионис (или Вакх). Часто его ещё называют прародителем театра. Культ Диониса развился в VII-VI веках. Первыми актёрами стали участники вакхических церемоний, которые мазали лица виноградной гущей, надевали маски и шли с песнями за повозкой с Вакхом. Из обрядовых игр возникли три жанра древнегреческой драмы: трагедия, комедия и сатировская драма.
Сначала древние греки, а позже и все жители европейской ойкумены большую часть жизни проводили в театре. Здесь заключались сделки, решались политические вопросы, предоставлялись все возможности для плотских утешений. Древний Рим пристрастие древних греков к театру перенял. При этом он привнес в него свойственную ему развращённость и жестокость, позаимствовав их из римских цирков. Однажды во время представления трагедии «Геркулес на Этне» на главную роль назначили приговоренного к смерти преступника (христианина) и в конце представления сожгли его на сцене живым.
Естественно, что с появлением христианств Церковь восстала против театральных представлений. В апостольские времена их участники и зрители таких представлений отлучались от Церкви, ведь во время их сжигали людей живьем, травили зверями.

Ранее в христианстве театр считался местом, где сосредоточенны все пороки
Правовой статус актёра в древнем мире походил на статус представителей позорных профессий, например, содержателей публичных домов. Естественно, что и христиане, видя такое положение театра и актеров, относились к ним отрицательно.
Так святой Иоанн Златоуст называет театр училищем страстей и местом блудодеяния и прелюбодеяния духовного. Тертуллиан, описывая театральные зрелища, ссылается на следующие слова священного Писания «Всякий, кто смотрит на женщину с вожделением, уже прелюбодействовал с нею в сердце своём». (Мф. 5:28). На сцене же периодически ставились, да и сегодня ставятся, спектакли с соблазнительными и натуральными сценами.
Шестой Вселенский собор строго запретил христианам и клирикам участие в зрелищах и в качестве актёров и в качестве зрителей. В случае нарушения этого правила миряне отлучаются от церкви, а клирики извергаются из священного сана (Правила 24 и 62 VI Вселенского собора 680-681 гг.)Таким образом, еще в древности верующим и священникам ходить в театр Отцы Церкви запретили.
Необходимо отметить, что театр приобрёл современный вид только благодаря таким запретам Церкви. Взаимодействуя с христианством театр, потерял черты языческой вакханалии и стал инструментом духовного преображения человека.
При этом стоит отметить, что уже в древнее времена христианство и актерство имели самые тесные связи. Так, например, известен подвиг актёра-христианина Ардалиона. Изображая на сцене страдания христианских мучеников, он сам объявил со сцены о том, что он христианин, за что его живьём сожгли на сковородке, но от Христа он не отрёкся.
Естественно, что такие примеры показывают, что спастись может каждый человек вне зависимости от его профессии или национальности. Ему нужно лишь прийти ко Христу и уверовать в Него. Именно поэтому христианство осуждало те мерзости, которые творились в языческих театрах, но с радостью принимало в свои ряды раскаявшихся лицедеев.

Лицедейство ― это грех, если оно вызвано лицемерием
Лицедейство это грех, не упомянутый в Библии. Дело в том, что в Священном Писании упоминается лицемерие, при этом под ним понимается такой стиль жизни, когда человек не живет жизнь, а играет спектакль жизни. Прямо в Библии актёрство и театр не упомянуты.
Господь же хочет, чтобы каждый день работали над собой и исполняли Его волю. То есть жизнь христианина — это каждодневное отвержение заботы о себе и несение креста, посылаемого Отцом: «Отвергнись себя, и возьми крест свой, и следуй за Мною» (Мк. 8:34).Увлекаясь же лицедейством, которое изображает придуманную жизнь, можно забыть об этом и легко впасть в грех.
Таким образом, прямо в Священном Писании театр и актёрское мастерство не упомянуты, но образно они достаточно часто упоминаются в нём. Дело в том, что притворяющийся человек, например, ханжа или же фарисей, как бы играет спектакль в жизни.
При этом верующий человек должен честно нести свой крест, искренне каяться в своих грехах и быть твёрдым в вере. Естественно, что фиглярское изображение на театральной сцене святых для каждого христианина вещей ― это безусловный грех.
Кроме того, стоит также отметить, что на сцене театра в древние и современные времена иногда происходят события, которые сами по себе являются грехом. Естественно, что проповедовать и восхвалять грех нельзя. Также нельзя перевоплощаться в театре, играя представителей нечистых сил. Именно поэтому, Церковь считает лицедейство сродни греху, хотя в Священном Писании нет прямого указания на это. В наше время христианин может служить актером.
Киприан, епископ Карфагенский (III в.), писал, что мимов нельзя допускать к общению с христианами, «ибо такое постыдное и бесчестное общение посрамило бы церковь». В 315 г. ― собор в Эльвире решил допускать актера к принятию христианства только в том случае, когда он откажется от дела своего и впредь обещает не приниматься за актерство.
В противном случае надлежит изгонять его из общины. 314 год ― собор в Арле постановил: «актеров отлучать от всякого общения с церковью, пока они остаются актерами». В средние века и вплоть до Нового времени актёрская профессия также продолжалась считаться низкой.
В настоящее время ситуация изменилась. Теперь актёры ― это не только полноценные члены общества, и его элита. Что же касается христианства, то современны богословы указывают на то обстоятельство, что правила Вселенских соборов устанавливались в языческие времена для того, чтобы противостоять языческим культам. В наше время театр уже не символизирует собой язычество, поэтому на вопрос: можно ли христианину быть актером, в наше время стоит ответить утвердительно.

Профессия актера относится к категории «духовно опасных»
В этой связи отдельно стоит сказать о том, что профессия актёра относится к категории духовно опасных. Дело в том, что актер должен уметь «перевоплощаться» в своего персонажа, в его не только мысли, но и страсти. В этом случае есть опасность полностью раствориться в той личности, которую актёр должен изображать на сцене. Особенно страшна участь актёра, дерзнувшего сыграть Христа и Его мучения. В этом случае иметься большой риск духовной гибели, ведь никто из смертных не может уподоблять себя Спасителю.
Если человек актерской профессии стал христианином, он обязан наложить на себя определённые ограничения. Так, например, он должен избегать тех постановок и ролей, которые несут и пропагандируют грех. Кроме того, даже для занятия низших церковных должностей ему необходимо оставить свою профессию. Известна история популярного актера Ивана Охлобыстина, который одно время служил священником церкви. После того, как он вернулся в актерскую профессию, он запрещён в служении, так как два этих вида деятельности несовместимы.

Актеров не хоронили на христианских кладбищах, потому что их считали последователями языческих культов
До революции в России представителей актерской профессии не хоронили на христианских кладбищах. Связанно это обстоятельство со многими причинами. Так сам театр произошёл в древние времена от языческих мистических обрядов и церемоний. На Руси произошло примерно тоже самое, только наши древние лицедеи назывались скоморохами. Скоморохи на Руси считались язычниками. Скоморошество повторяло древнегреческие языческие церемонии. Именно поэтому после ликвидации скоморохов все негативные эмоции, связанные с ними, Церковь перенесла на актёров.
Впервые со словом «скоморох» мы встречаемся в хорошо известном ученым «Поучении о казнях божиих». Документ этот появился вскоре после официального принятия христианства на Руси, в середине XI века. В нём говорится: «Но этими и иными способами вводит в обман дьявол, всякими хитростями отвращая нас от Бога, трубами и скоморохами, гуслями и русалиями. Видим ведь игрища утоптанные, с такими толпами людей на них, что они давят друг друга, являя зрелище бесом задуманного действа, а церкви стоят пусты».
Церковь обвиняла скоморохов в служении дьяволу, грабежах, насилиях и прочих грехах. Позже эти обвинения перешли к актёрам, когда в 1648 году скоморошничество уничтожил царь, Алексей Михайлович. Кроме того, представителей это профессии отказывались хоронить на христианских кладбища потому, что учение Церкви запрещает людям копировать или играть чужую жизнь. Актер же делает это профессионально, поэтому как бы принимает на себя грехи того персонажа, которого изображает на сцене.
Таким образом, в конце своей жизни многие актеры становятся настолько греховными, что их просто невозможно хоронить вместе с истинно верующими.
В наше время ситуация изменилась. Дело в том, что современный театр потерял свои языческие корни и поэтому многие запреты перестали действовать. В наше время православного, служившего в театре, захоронят на православном кладбище без особых проблем. При этом он должен вести праведный образ жизни, посещать церковь, каяться в грехах, исповедоваться, а также быть допущенным к Причастию. Верующий может ходить в театр, если это театр православный.
Далеко не все верующие знают, что в христианстве издавна формировалась своя театральная культура. Она основывается на библейских сюжетах. Так издавна показывалось так называемое «Пещное действо» — сцена, посвященная библейскому сюжету о трех отроках в вавилонской печи. Позже создавались иные постановки на сюжеты Священного Писания. В России такие известные православные святители как Симеон Полоцкий и Дмитрий Ростовский избирали предметом своего творчества библеистику.
Здесь необходимо отметить, что основное отличие театра православного от театра светского в его содержании. Оно основывается на искусстве проповеди или же гомилетике. Так, если в святоотеческой литературе IV и V веков говорилось о об осуждении тех людей, которые ходят на театральные постановки, то сегодня ходить в театр христианам не запрещается. Дело в том, что сейчас театр полностью избавился от своих языческий корней, а православный вообще стал орудием проповеди.

РПЦ в наше время, в отличие от святоотеческой литературы IV и V веков театр не отрицает
В наше время Церковь осуждает не театр как таковой, а определенный театральный пласт. Режиссеру, художнику непозволительно играть на страстях, на каких-то низменных человеческих чувствах, инстинктах, чтобы театр как социальное явление не был училищем страстей. Всего этого нет в православном театре. Он утверждает традиционные христианские ценности. Это основная задача его деятельности. Православный театр ― это кафедра, с которой миру можно проповедовать светлые христианские идеи, а для некоторых он может стать ступенькой к православной вере, если, конечно, это классический театр. Естественно, что репертуар такого театра должен состоять только из произведений духовного содержания. Только в этом случае он может стать той ступенькой, став на которую человек может прийти к вере.

(Источник: https://hranitel.club/1092-licedejstvo-eto-greh )
Продолжение здесь.
_________________

В продолжение темы привожу отрывок из статьи И.Н. Чистюхина, где говорится, что всё не совсем так, и без трудностей перевода не обошлось.

«КАНОНИЧЕСКОЕ ПРАВО ПРАВОСЛАВНОЙ ЦЕРКВИ О ЗРЕЛИЩАХ И ТЕАТРЕ»

Отношение Церкви к зрелищам вообще и театру в частности – это один из самых сложных вопросов как в Церкви, так и в искусстве. Данная проблема до сих пор не теряет своей значимости в публицистике, средствах массовой информации, в творческой среде, науке и обществе в целом. Разобраться досконально, а не ограничиваться поверхностными суждениям – «это все знают», мешают определенные трудности методического характера, связанные с переводом и культурной интерпретацией церковных правил и постановлений на этот счет.
Переходя к непосредственному рассмотрению канонов Православной Церкви о «зрелищах», мы попытаемся выяснить, относятся ли они к театру и если да, то какие.

Всего лишь два примера трудностей перевода.
1) Правила Святых Апостолов. Правило 18. О жене священника
«Вземший в супружество вдову, или отверженную от супружества или блудницу, или рабыню, или позорищную, не может быти епископ, или пресвитер, ни диакон, ниже вообще в списке священнаго чина».
Толкования «Пзорищную» - «плясицу» - «ή τῶν ἐπὶ σκηνής»/ «или со сцены»
Настоящее правило не дозволяет кандидатам в священство вступать в брак с участницей в представлении зрелищ (на сцене). Здесь мы видим употребление трех совершенно разных слов по отношении к женщине, связанной со «зрелищами»: «Позорищная». От славян. «позор» – зреть, взор. В сербском «позорица» – комедиантка; «Плясица» от славян. «плясать» – веселиться, ликовать, торжествовать, шуметь; «Сценическая»: «ή» – разделительный союз «или»; «τῶν» – определенный артикль, множественного числа в родительном падеже; «ἐπὶ» – предлог, обычно переводится как «в», «на», «при», «с»; «σκηνής» – от «σκηνή» – букв. «палатка, шатер»; скена – в древнегреческом театре изначально представляла собой шатер, в котором готовились к выступлению актеры, затем стала частью театрального антуража, изображая фасады зданий, задние планы.
В окончательном варианте выражение – «ή τῶν ἐπὶ σκηνής» – можно перевести так: «или со сцены», учитывая при этом, что предстоящий артикль (который на русский не переводится) указывает на женский род множественного числа, т.е. «или сценические», – «актриса». Этот термин все-таки ближе стоит к греческому переводу, чем вообще ничего общего с ним не имеющая «плясица». По нашему мнению, именно актриса (как работник сцены) является определяющим в понимании данной категории женщин, муж которой не может быть священником. Но именно это соотнесение позорищной со сценой порождает у нас ряд вопросов.
Самое главное – в греческом театре играли только мужчины, женщины на сцене появились лишь в IV–III веках до н. э., и то не в театре (θέατρον), а в представлениях мимов (μίμοις). Кроме того, это правило было сформулировано в период с I века и до 325 года н. э. Греческого театра уже не было несколько столетий, и лишь римские представления могли здесь подразумеваться.
Славяне (первые переводчики церковных канонов с греческого на славянский) вообще не знали, что такое «сцена». И вот представим себе, что славянский переводчик в IX веке доходит до этого правила. Что такое «σκηνή»? Он не знает. Он вообще не понимает, что такое «сцена», и соответственно «со сцены», нужно было перевести каким-то близким по смыслу словом. Выбрали «плясицу», т.е. плясунью. Но такой профессии не было (в отличие от актера), значит здесь имелась ввиду манера общественного поведения женщины, а не род ее занятий. Так появилась «позорищная», которая все-таки ближе стоит к греческому тексту, чем, вообще, ничего общего с ним не имеющая, «плясица».
2) Правила Святых Апостолов. Правило 42. Об игре
«Епископ, или пресвитер, или диакон, игре и пьянству преданный, или да престанет, или да будет извержен.»
Толкования «Игре» - «игрец» - «глумится» - «люди глумит» - «κύβοις σχολάζων»/«игра в кости»
Как и в предыдущем случае, здесь мы встречаем употребление на славянском трех разных слов: «Игрец» – «лицедей, шут, потешник, скоморох» Даль; «Глумится», «глум» – шутка, смех, потеха, забава; «глумиться» – шутить, смешить, забавлять; «глумец» – потешник, забавник, скоморох; «глумилище» – место глумления.
Возникает вопрос: что в этом правиле подразумевается под словом игра – это азартное увлечение (кости, карты и т.д.) или игра как сценической действие? Ибо так можно понять из текста Кормчей книги. Греческий текст дает совершенно ясно понимание этого правила. Κύβος – игральная кость, имевшая форму куба с очками на всех шести сторонах, κύβοις – множественное число. Σχολάζων, от σχολάζω – иметь досуг, свободное время, отдыхать, посвящать свой досуг или свое время чему-либо. Можно перевести это выражение по смыслу: «играть в кости», т.е. это правило запрещает клирикам проводить свое время в игре в кости в частности и азартных играх вообще. Но вот наша Кормчая так толкует это правило: «Христианом играти не подобает: ни глумищ деяти, не позорищ глядати. Ни мирским человеком играти не подобно». Воспринимая «играти» не в азартные игры, а «позорища и глумищя деяти».
Здесь мы видим неправильный перевод с греческого на славянский, и вместо игрока в кости, появился игрец (актер), что совершенно искажает смысл данного правила, в котором осуждаются азартные игры. К актерам и театру это правило никак не относится.

И т.д., и т.п. Целиком можно прочитать в источнике:
https://azbyka.ru/otechnik/pravila/kanonicheskoe-pravo-pravoslavnoj-tserkvi-o-zrelishhah-i-teatre/

Подведем итоги. Из всего корпуса канонических правил Православной Церкви написанных в период с 325 по 818 гг., тему зрелищ затрагивают всего лишь 11. Три из них мы исключаем, потому что они, по причине неточного перевода, относятся к другой теме. Остается лишь 8 правил:
1. Правило 18 Святых Апостол. (О жене священника). Здесь имеется в виду манера общественного поведения женщины, а не род ее занятий.
2. Правило 54 Лаодикийского Собора (О представлениях на браках). Данное правило совсем не касается театра как такового (θέατρον), но лишь смехотворцев (аналог скоморохов) – μίμοις – и их представлений на праздниках, свадьбах и пирах (пиршествах), и о той благочестивой обстановке, которая должна быть там.
3. Правило 18 Карфагенского Собора. (О детях священников). Это правило воспрещает детям духовенства посещать зрелища, где бывает только богохульство.
4. Правило 61 (72) Карфагенского Собора (О зрелищах в праздники). Это правило, запрещает не сами зрелища как таковые, но просит Императора не устраивать их в дни наиболее важных христианских праздников и не принуждать христиан ходить на эти представления.
5. Правило 129 (144) Карфагенского Собора. (О доносе). Согласно этому Правилу получается, что принимать обвинения от «позорищных» нельзя только от «безчестных», а от «почетных» можно. Сами зрелища не запрещаются, но разделяются на почетные и бесчестные.
6. Правило 51 Шестого Вселенского Собора. (Об играх смехотворцев). Правило имеет ввиду представления мимов, а не классический театр; запрещаются не зрелища как таковые, но не разрешается ходить на безнравственные и азартные представления.
7. Правило 62. Шестого Вселенского Собора. (О личинах и Дионисе). Правило связано с культом Диониса и остатками языческих праздников начала месяца.
8. Правило 71. Шестого Вселенского Собора. (Об эллинских зрелищах). Смысл этого правила состоит не в самом зрелище (в данном случае театре), а в том, чтобы ученики не участвовали в языческих жребиях, не отвлекались от своей учебы и не тратили время на зрелища.

Из рассмотренных нами правил, мы видим, что по существу театр и зрелища никогда не предавались какому-то «проклятию», как это часто можно встретить в публицистической литературе. Это далеко не так. Просто рекомендовали не смотреть непотребные «зрелища».
Никогда от актеров не отворачивались и не предавали анафеме. Хотя мы часто можем услышать подобные высказывания: «Жесткое отношение было к актерам со стороны Церкви, их почитали за нечистых людей и хоронили за оградой кладбищ». Такого правила, как мы видим, нет и никогда не было в Православной Церкви. Театр, как и любой другой вид искусства можно оценивать лишь по тем плодам, что он приносит.
_________________

Отзыв копирован из "Балет, балет..."

МАРИИНСКИЙ ТЕАТР: 140 лет Игорю Стравинскому

Ходила 18 июня 2022 г.
Во-первых, хочу поблагодарить Мариинский театр за бережное воссоздание изначальных спектаклей – с хореографией, костюмами, декорациями. Во-вторых, спасибо добрым людям за билет по адекватной цене.

«ЖАР-ПТИЦА»
Премьера – 25.06.1910 г., «Русские сезоны», Парижская опера; в Мариинском театре – 28.05.1994 г.
Балет Михаила Фокина на музыку Игоря Стравинского; в ролях: Татьяна Ткаченко (Жар-птица), Иван Оскорбин (Иван-Царевич), Леа Томассон (Царевна-Ненаглядная краса), Вадим Беляев (Кащей Бессмертный) и другие.
Всё-таки как отличался балет нач.XX в. от некоторых сегодняшних «шпагатов». Я ждала, когда Иван-Царевич танцевать начнёт . Зато массовка отожгла – буйный «Поганый пляс Кащеева царства» просто шедевр. Настоящая русская сказка, то красочная и искрящаяся, то нежная и лиричная. Глаз не отвести. Бакст, конечно, постарался на славу.

«ВЕСНА СВЯЩЕННАЯ»
Премьера – 29.05.1913 г., «Русский балет Дягилева», Театр Елисейских полей, Париж; в Мариинском театре – 9.06.2003 г., возобновление – 13.07.2012 г.
Балет Вацлава Нижинского на музыку Игоря Стравинского; в ролях: Александра Иосифиди (Избранница), Мария Лебедева (Старуха 300 лет), Сослан Кулаев (Старик) и другие.
Я поняла, почему на самой первой премьере зрители испытали некультурный шок. Постановка настолько необычная, не похожая ни на что, совершенно иная… Нечто первобытное, если не сказать животное. Рассказ о древнем и сакральном – чтобы в мир пришла весна, необходима жертва… Я как замерла от восторга при виде Старухи, так и просидела, не шевелясь, всё время. Помня, что Нижинский выворачивал ступни танцовщиков, смотрела на ноги – как ставят, как шагают… Одно слово – шедевр.


_________________

Отзыв копирован из "Балет, балет..."

Вчера по «Культуре» посмотрела «ВЕЧЕР БАЛЕТА. ПАМЯТИ ИГОРЯ СТРАВИНСКОГО И СЕРГЕЯ ДЯГИЛЕВА»

«В показе фрагментов из самых знаменитых “Дягилевских“ балетов Стравинского приняли участие солисты Национального балета Испании Мириам Мендоза и Серхио Берналь; солисты балета Гранд театра Женевы Симоне Репеле и Саша Рива, также возглавляющие собственную балетную компанию “Riva & Repele Tanzarte“. Также свою версию балета “Весна Священная“ представил Национальный балет Словении.»

Скажу ещё раз – в балете я ничего не понимаю, поклонницей данного вида искусства не являюсь, явление «Русские сезоны»/ «Русский балет Дягилева» нежно люблю. Поэтому… ну вот просто как увидела… Да, в балете для меня главное – либретто .

«Пульчинелла». У Дягилева все хореографы были русскими (кроме «Лебединого озера» Петипа и испанского «Квадро фламенко», но это капля в море). Созданный по мотивам традиционной итальянской комедии дель арте балет поставил Мясин. Как говорит моя приятельница: «Балет – интернационален, его понимает каждый.»

«Петрушка». Без первоначальной нашей балаганности, с европейскими персонажами, что-то потерялось. И авторская задумка не искажена, а не то…

«Жар-птица». Интересно, что бы сказал Фокин, увидев такую трактовку? Показали фрагмент или балет целиком? А то я приготовилась и Царевну мужчиной увидеть – хотя тогда я бы подумала, что в этой труппе одни мужчины. При этом хреография и движения потрясающие, смотрится очень красиво. Но от русской сказки остались рожки да ножки.

«Весна священная». Фрагментарно, моментами скучала. Но некоторые сцены «ах!» Когда в этих первобытных людях просыпалось животное, когда «выдавались» эмоции, когда полилась вода… Когда Избранница испугалась оказанной чести быть принесённой в жертву… Тогда «ах!»
_________________

Отзыв копирован из "Балет, балет..."

МАРИИНСКИЙ ТЕАТР – 2: «ПЯТНАДЦАТЬ ЖИЗНЕЙ ВЛАДИМИРА ШКЛЯРОВА»

«Владимир Шкляров служит в Мариинском театре с 2003 г. За свои без малого 20 лет на сцене истинный театральный принц Шкляров с упоением исполнил ведущие партии классического, неоклассического и современного балетного репертуара — Дезире, Зигфрида, Альберта, Базиля, Солора, Спартака, Онегина, де Грие, Армана, Петрушку, Евгения в “Медном всаднике“. Как один артист способен создать пятнадцать совершенно не похожих друг на друга образов, надолго остающихся в памяти зрителя?»

Шкляров пришёл в Мариинку как раз тогда, когда я из неё ушла… почти на 20 лет. И так получилось, что нашего прославленного танцовщика на сцене я не видела. Только 2 года назад, когда я вернулась «в балет», я посмотрела запись «Юноши и Смерти» и узнала о Владимире .
Этот вечер, прошедший 27 июня 2022 г., не творческая встреча, а презентация фотоальбома и небольшая беседа. Но, конечно, разговор был о творчестве. И жизни. Мне в любом случае артиста, даже с которым я не очень знакома, послушать интересно.
Как пришёл в профессию? – Мама привела, чтобы во дворе не болтался. Какие мысли о том, чем заняться после завершения карьеры? – Сначала нужно выучиться, но, например, преподавателем себя не видит. Есть ли любимая роль, любимый балет? – Евгений в «Медном всаднике». С кем бы из уже ушедших хотелось пообщаться? – Недоговорил с Майей Плисецкой. Любимый театр? – Историческая сцена Мариинки, которую узнает с закрытыми глазами. Лучший друг? – Жена. Отдал бы своих детей в балет? – Ни за что.


_________________

ИСТОРИЯ ШЕДЕВРА № 1: «ТЕАТРАЛЬНАЯ ТРУППА» НИКОЛАЙ КАСАТКИН

Тема театра в творчестве передвижника Николая Касаткина приоритетной не была; этого мастера волновали другие проблемы… Тем не менее, в историю мировой живописи вошли две его «театральные» картины: «Крепостная актриса в опале, кормящая грудью барского щенка» (1910) и групповой портрет «Театральная труппа», начатый в 1913 и завершённый в 1924 году. О первой написано довольно много, да и в комментариях этот страшный сюжет вряд ли нуждается. Интереснее поразмышлять о второй — не только в связи с особенностями художественной манеры Николая Касаткина, но и как о ценном источнике знаний о театральном быте первых послеоктябрьских лет. Мастер, писавший в сугубо реалистическом, жизнеподобном ключе, почти документально точен — и в передаче общей атмосферы, и в мелких деталях, вплоть до женской моды 1920-х годов, с её шляпками-колокольчиками и туфельками с ремешком-перепонкой.

Несмотря на то, что картина называется «ТЕАТРАЛЬНАЯ труппа», собственно театра с его специфической обстановкой (сцена, зал) мы не видим. Шесть актрис расположились на длинной скамье, усевшись рядком — вероятно, в ожидании начала репетиции в каком-нибудь клубе, каких в 1920-е годы в Советской России было предостаточно. Количество новых театральных коллективов в период НЭПа росло лавинообразно. Журнал «Вестник театра» писал: «И не только каждый город, но, кажется, что уже и каждый квартал, каждый завод, фабрика, госпиталь, рабочий и красноармейский клуб, село, а то и деревня имеют свой театр…» Актрисы выглядят уставшими, они почти не объединены общим действием. Ряд женских фигур — ряд образов, в каждом из которых можно угадать индивидуальность, характер, амплуа и даже вехи биографии. Но разобщённость эта явно минутная, вот-вот прозвучит приглашение — и они вновь начнут совместную работу…
«Всех их — молодых и пожилых, более или менее опытных в своем искусстве, — объединяет сейчас новое дело — служение массам, просвещение масс с подмостков клубных сцен… характерная группа в целом — страница жизни одного из отрядов советской интеллигенции» — так писали об этой картине советские искусствоведы, задачей которых было подчеркнуть социально-идеологическую составляющую произведения искусства. Но можно просто рассматривать полотно, не концентрируясь на общественных явлениях…

Шесть персонажей в ожидании режиссера
В центре композиции оживленно беседуют две актрисы судя по всему, «влюблённая» или «проказница» (по классификации В. Э. Мейерхольда) и «наперсница». У первой уверенная поза, прямая спина, выразительный, наиболее из всех «театральный» костюм, кокетливый головной убор; она улыбается, рассказывая подруге какой-то забавный случай. Вторая слушает, отвернувшись от зрителя — видимо, это привычно для неё, молча внимать чужим откровениям. Обе явно актрисы-профессионалки, в отличие от той, что сидит слева от «наперсницы» — типичный образ начинающей актрисы-комсомолки в кепке и белой блузке с подвёрнутыми рукавами. Выражение её юного лица слегка настороженное и отчуждённое, ей ещё не очень близки и понятны театральные будни, взаимоотношения, разговоры.
Крайняя слева — женщина в чёрном старомодном платье с сумочкой-тубусом для грима. Её силуэт отсылает к театру XIX века, особенно на контрасте с комсомолкой-травести. Мягкие линии, романтический полупрофиль, белая длинная шея, высокая причёска, убранная под шляпу… Она смотрит куда-то в сторону, будто вспоминая о былом успехе. Теперь главные роли отданы другим, её дарование не так востребовано, как раньше, когда она молоденькой девочкой играла нежную Офелию или рыжеволосую, порывистую Джульетту. Но искусство, как известно, требует самоотдачи в любых условиях, нужно продолжать выходить на сцену, быть достойной и надёжной партнёршей… и сейчас, в громкую эпоху потрясений и экспериментов. Трудно представить такую артистку в пьесе Маяковского или Билль-Белоцерковского, но у Эрдмана или Булгакова… почему бы нет?
На противоположной стороне лавки — артистка с белыми аксессуарами и в длинном пальто с пышным меховым воротником. Она тоже погружена в свои мысли, но не о прошлом, а о будущем. Из всей труппы эта девушка наиболее эффектна, амбициозна и если не очевидно талантлива (этого мы не знаем), то уж во всяком случае серьёзна и ответственна. Живописец делает акцент на ней за счёт ярко-красной папки, которую героиня держит в руках (скорее всего, это текст роли, который актриса только что повторяла). Сосредоточенный взгляд; кажется, будто вот-вот шевельнутся губы, складывая фразы пьесы в яростный и вдохновенный монолог…
Её соседка попроще, вид у неё измученный и не очень здоровый, что наводит на догадку о бедности, тяжёлой жизни и невзгодах. На ней, правда, тоже красивые белые туфли на каблуке и кисейный воротничок, но что-то нам подсказывает — это единственное «приличное платье» в будни и в праздники. Крепкие трудовые руки, заколотая прядь (чтобы не лезла в глаза и не мешала работать), измождённое лицо, в котором очень мало «от театра», зато много от реальной жизни.

Созвучие эпохе
В детстве Касаткин жил на нынешней Трубной улице, в маленьком старинном домике. Этот район Москвы был излюбленным местом для поселения людей свободных профессий. Художник вспоминал: «Жили музыканты Большого и Малого театров (в Малом театре тоже был оркестр) и всех других театров (и цирка): скрипачи, флейтисты, гармонисты и прочая всякая музыка, включая шарманщиков с поющими девочками, и не только что состоящие на службе, но и выгнанные (за пьянство, конечно)… Работники искусств тут жили густо…» Можно предположить, что детские воспоминания сыграли определённую роль в обращении художника к театральной теме в поздний период творчества.
Почему театральная труппа 1920-х годов состоит из одних женщин? Чтобы ответить на этот вопрос, не надо сильно углубляться в историю, достаточно вспомнить, что в то время происходило становление нового государства. Ещё буквально вчера шла гражданская война; в январе 1924-го умер Ленин, утверждается первая Конституция СССР, налаживаются дипломатические связи… Мужчины если и занимаются театром, то больше профессиональным, на больших и серьёзных сценах. Картина «Театральная труппа» вполне адекватно отражает эпоху…

В 1920 году Касаткин назначается заведующим студией при показательном санатории «Захарьино» (детский костнотуберкулезный стационар). Здесь он развивает особенно бурную деятельность: преподает ребятам, оформляет санаторий, пишет большое панно на стене вестибюля, готовит с детьми театральные постановки, делает к ним декорации, читает лекции по истории искусства и театра. Сохранился, например, очень содержательный конспект одной из его бесед, проведенной в связи с постановкой очередного спектакля в «Захарьино», в котором он набрасывает главные вехи развития театра в России, указывает происхождение русского театра из народных зрелищ, восхищается ролью создателя русского театра Фёдора Волкова. Но картин на театральную тему у него так больше и не появилось.

(Источник: Московский Новый драматический театр)
_________________

Вчера ходила на постановку "Гроза" нашего местного театра. Очень понравилось. Изумительная игра актеров в классической постановке, хорошие декорации, костюмы, смотреть было приятно. В конце, когда Катерину вынесли из реки, даже слезы на глаза навернулись. Вечер провела очень хорошо, надо чаще ходить в театр
_________________

Отзывы копированы.

ВЛАДИМИР ФЕДОРОВСКИЙ «СЕРГЕЙ ДЯГИЛЕВ, или Закулисная история русского балета»
19/31 марта 1872 г., 150 лет назад, родился Сергей Павлович Дягилев. Обаятельный, безжалостный, эгоистичный, добрый «русский принц», как называл его Кокто, без которого не было бы целого пласта культуры. Дягилев не был хореографом, композитором, художником, он даже долгое время не был балетоманом – и стал великой фигурой русского и мирового искусства.
Автор был знаком с Тамарой Карсавиной, Сержем Лифарём, Матильдой Кшесинской, Рудольфом Нуреевым, но этого оказалось мало, чтобы написать действительно интересную книгу. В ней мало и Дягилева, и закулисья – чуть поверхностно, без глубокого исследования, но с симпатией. Кратко о Иде Рубинштейн, Нижинском (абсолютно всем не нравится Ромола), Мясине, Лифаре, Шанель, Пикассо и Хохловой. О некоторых моментах Федоровский пишет не вполне точно.
Может быть, для первого, краткого ознакомления с Русским балетом и основными «действующими лицами» книга и подойдёт, но я знаю немного больше. Не понятно, для чего в книге главы «Сталин и Большой театр» или «Танцовщица, Кеннеди и КГБ».
Оценка – 4 -.

ВЕРА КРАСОВСКАЯ «АННА ПАВЛОВА. Страницы жизни русской танцовщицы»
Красовская написала зарисовки, наброски к творчеству балерины «русского периода», т.к., по мнению автора, за границей Павлова только повторяла то, что наработала дома. В других странах ей было неоткуда черпать вдохновение, она застыла в творческом росте, отчего происходили кризисы и срывы.
Анна Павлова не была универсальной балериной. Технически она могла всё (но не всё одинаково выразительно), но по душе «лебедю русской сцены» был академизм, чистые, нежные балеты XIX в. Воздушные, страдающие и чуточку друг на дружку похожие Сильфиды, Жизели, Раймонды. Я считаю, что Павлова не приняла Русские сезоны не потому, что в новых спектаклях не хватало глубины (тут зависит от мастерства артиста), а потому, что её героини терялись на фоне костюмов и музыки. Анна же музыку переделывала под себя и чувствовала себя органично в условной наивности традиционного балета.

Оценка – 5 –.
_________________

Отзывы копированы.

СЕРЖ ЛИФАРЬ «МЕМУАРЫ ИКАРА»
«Гордость, одержимость и упрямство Овна (это мой знак) в соединении с уверенностью, что “очевидность“ и “справедливость“ восторжествуют, – всё это у меня в характере.»
Сергей Михайлович прекрасен: «Я гений, а вокруг одни завистники и клеветники.» Но ему было чем гордиться. В 24 года (1929 г.) приняв парижскую Гранд-Опера, Лифарь «кафе-шантан превратил в храм искусства». Он велел гасить свет в зале и запретил входить после 3-го звонка, запретил публике глазеть на репетирующих танцовщиц, запретил выносить цветы на сцену (т.к. чаще всего букеты дарят хорошенькому личику, а не таланту). Серж жил исключительно танцем, а Опера стала его домом на десятилетия. Сколько он поставил балетов, скольких танцовщиков воспитал – и не сосчитать. Когда в 1958 г. Лифаря отстранили от гастролей в СССР, он подал заявление об уходе, что стало настоящей трагедией.
Война, да… Было два варианта: уехать куда-нибудь в Америку или продолжить работать (как большинство французов). Если верить Сержу, правительство Виши велело ему сохранить Оперу любой ценой. Сохранил. Что Гитлера принимал – не правда, даже справка есть. Что в Берлин ездил – а была возможность отказаться? А вот с поздравительной телеграммой какой-то дурной анекдот, потому что Лифарь пишет, что ничего не отправлял и вообще не понимает, откуда она взялась.
Выходцы из «Русского балета» Дягилева не теряли друг друга из вида – дружили, сотрудничали, ругались. На могилу Дягилева Серж ездил ежегодно, а в 1-ю годовщину познакомился там с Наташей Палей. «Она хотела, чтобы я женился на ней, но я уже обручился с Оперой.» Здесь он несколько преувеличил . Княжна притягивала к себе странных мужчин, из-за неё Лифарь едва не разругался с другом Кокто. Тут же оказывается, что «Адская машина» написана для Сержа, но по неизвестным причинам сыграть Эдипа в драматическом спектакле ему не удалось.
Лифарь мечтал поставить балет в Москве или Ленинграде, мы ему чего-то обещали, но так и не разрешили…
«Я горжусь тем, что я русский, я горжусь русской культурой, её могуществом. Будь то императорская Россия, русская эмиграция или Советская Россия, для меня всё это есть и навеки останется – Россией вечной.»
Оценка – 5 -.

ТАМАРА КАРСАВИНА «ТЕАТРАЛЬНАЯ УЛИЦА. Воспоминания»
Тамара Платоновна – умница, красавица, талант, одна из «трёх граций XX века», по выражению Лифаря. Балерина пишет просто и, кажется, искреннее, но книга довольно неровная.
Много внимания уделено детству, семье, учёбе в балетном училище на Театральной улице. Добрый отец, строгая мать, брат Лёва, трогательная няня Дуняша… Интересно, что танцовщиков отправляли на пенсию через 20 лет службы, так Платон Карсавин вынужденно оставил императорскую сцену. Интересно, что старших учениц не отпускали домой на каникулы, чтобы не повторилась ситуация, когда одна девушка влюбилась и сбежала. Повседневная жизнь училища со строгими правилами Тамару совершенно не стесняла, все её мысли были только о балете.
До поступления в Мариинку у Карсавиной всё подробно и душевно, а дальше началось галопом по Европам. Закулисной жизни в книге мало. Не каких-то сплетен, а подготовки к спектаклям, репетиций, отношений. С неизменной добротой Тамара Платоновна вспоминает своих партнёров и коллег. Запомнилось, как балерина рассказывала сказку «Жар-птица» притихшему Кокто. Айседору Дункан она критикует за теоретическую базу, но восхищается, как танцовщицей. Почти так же с Нижинским, который под страхом смерти не сумел бы на словах выразить свои мысли – исключительно в танце. Причём именно в балетах «Русских сезонов», т.к. к репертуару императорских театров, по мнению Карсавиной, талант Вацлава совершенно не подходил. Отношение к Дягилеву прекрасно выражено в его словах, обращённых к Тамаре: «Я обожаю вашу позицию: “Я люблю Дягилева, а все вы грязные собаки.“»
Больше всего в воспоминаниях Карсавиной мне не хватило самой Карсавиной. Тамара Платоновна пишет, что в детстве любила читать и фантазировать, что помогло в артистической деятельности, что она была довольно чопорной и правильной, «недотрогой», рестораны и Париж считала «рассадником разврата». Не из-за «легкомыслия» ли она разошлась с лучшей подругой по училищу Лидией Кякшт, которая неожиданно исчезает со страниц? В личную жизнь «Жар-птица русского балета» не пускала никого. Я не призываю трясти бельём, но, например, в упоминании о замужестве не вижу ничего страшного. А так неожиданно в конце книги появляются муж и сын Никита. Второй муж – англичанин Генри Брюс, поэтому из революционной России они выбрались с помощью посольства Великобритании.
Оценка – 5 -.
_________________

ИСТОРИЯ ШЕДЕВРА № 2: «АКТРИСА» ЮРИЙ ПИМЕНОВ

Советского художника Юрия Ивановича Пименова мы знаем прежде всего как автора знаменитых полотен «Новая Москва», «Свадьба на завтрашней улице», «Лирическое новоселье», «Инвалиды войны»… Столица, её жители, романтика труда, созидательная жизнь советского человека, городской пейзаж, жанровые сцены, где будничные сюжеты становятся необыкновенными за счёт ракурса, композиции, импрессионистской лёгкости исполнения и свежести красок… Имя Юрия Пименова прочно ассоциируется с понятием «соцреализм», несмотря на то, что ни тематика, ни творческая манера живописца (а этот художник прежде всего живописец, хотя работал и в графике) не укладываются в прокрустово ложе этого понятия. Впрочем, если относиться к этому направлению в искусстве безоценочно, можно сказать и так: мы видим работы одного из самых талантливых его представителей. Сам Юрий Иванович предпочитал называться «реалистическим импрессионистом»… певцом московских окон, шумных улиц, высокого неба и счастливых улыбок на молодых лицах.

Однако была и особая тема, о которой мастер отзывался с неизменной нежностью:
«… Театр околдовал меня… Как замирало сердце, когда медленно гас свет в зале, мерцание золота и трепетное сияние люстр сливались с первыми звуками оркестра и поднимался занавес, эта волшебная стена, отделяющая тебя и других зрителей от таинственного мира сцены…» (Цит. По: «Мастера и шедевры», т. 3)
И это не просто слова: свою страсть художник воплотил в картинах, которые могли бы, собранные вместе, составить небольшую тематическую выставку о театре: прелестная акварель «Антракт актрисы», исполненное сладкого предчувствия полотно «Перед выходом на сцену», живая и естественная сценка «Опоздавшие», необычайно атмосферная иллюстрация к пьесе Островского «Бесприданница» и множество других работ. Пименов был и сценографом, о чём тоже вспоминал с радостью:
«Я узнал необыкновенный и не знакомый зрителю мир изнутри, он стал моим «производственным местом»… Я знакомился с тем, как живопись эскиза переходит в большой размер сцены, как свет освещает и меняет расписанный холст, как бутафорские материалы на сцене становятся драгоценными, а спектакль, собранный по частям из разных цехов, от разных мастеров, превращается в нечто единое и цельное. Душа зрелища как-то приблизилась и раскрылась, стали понятны механизмы многих тайн, но очарование осталось…»

Посмотрим внимательно… Лицо главного персонажа скрыто от нас, виден лишь краешек подбородка и руки, чуть полноватые, но красивые, даже перед зеркалом – в привычно изящном жесте. В стандартных описаниях можно встретить предположение, что актриса готовится к выходу, до которого остались считанные минуты, но это, на наш взгляд, странно: ведь костюм небрежно брошен на спинку стула, когда же актриса успеет одеться, поправить причёску? К тому же, перед выходом с платьем так не обращаются: его бережно вешают на плечики, чтобы не измять и не повредить… Нет, скорее всего, взгляд художника застал происходящее в гримёрке сразу после спектакля, в тот момент, когда женщина сбросила сценический костюм и, ещё взволнованная аплодисментами, начинает снимать грим.
Чего только нет на столике в женской грим-уборной! Пустой винный бокал, белые перчатки, недопитая чашка кофе, стакан воды, духи, косметические принадлежности… Сочетание красного и золотого в цветовой гамме не только создаёт ощущение «творческого беспорядка», но и символически отсылает нас к оформлению старинных театральных залов, с их алым бархатом, позолотой и роскошными хрустальными люстрами.
Юрий Пименов – ценитель мгновения, он схватывает, казалось бы, обычные для каждого актёра минуты, и они оборачиваются на картине целым миром… Пройдут столетия, но актёры всё так же будут сидеть за своими столиками, пить вино после премьер и кофе перед утренней репетицией, волноваться, учить текст, ждать… Каждый предмет, изображённый художником, наполнен поэтическим смыслом. Даже то, что мы можем только догадываться, как выглядит актриса – можно прочесть как призыв поразмышлять не о конкретной судьбе, а о тайне актёрского искусства как явления, в любые времена и в любой точке планеты… Есть, правда, и более прозаичное объяснение, предлагаемое специалистами: не показав лица, автор даёт понять, что героиня погружена в творчество, и ничто её не может отвлечь.

Написана «Актриса» в 1935 году, а московская театральная жизнь в середине 1930-х годов была столь же насыщенной, сколь сложной. Ещё творит Мейерхольд, но официально «эксперименты» 20-х уже не поощряются; ещё жив Станиславский, но МХАТ отчаянно ищет новые пути; в Малом театре ставят «Отелло», идёт волна спектаклей по Шекспиру… Театр пытается соответствовать требованиям власти. Но в полотне Пименова при всём желании не найти тревоги и мрака.
«Есть еще одна, очень важная тонкость в моих отношениях с театром. Именно театр давал мне много работы в ту, теперь уже давнюю пору, когда моя живопись «не шла», когда меня прорабатывали за «импрессионистичность» и обвиняли в тысячах несуществующих формалистических грехов. Тогда театр просто помогал мне жить. Это был хлеб мой насущный, это была и моя любовь.»

(Источник: Московский Новый драматический театр)
_________________

Клуб «ГРИБОЕДОВ»: поэтический ВЕЧЕР ЛИЗЫ ФИРТИЧ

Легендарный «Грибоедов»… Миллион лет назад здесь выступал «Ленинград», этим летом в нём снимали сериал о «Короле и Шуте», 4 ноября – читали стихи.
Заметила, что сейчас, как в 10-е, 20-е или 60-е годы прошлого века, стали популярны поэтические вечера. Шла наугад. При всей моей любви к стихам, с современной поэзией я знакома плохо. Имя Лизы Фиртич слышала, что-то читала, но в целом её творчество идёт мимо меня. Были и гости, например, читал Егор Сергеев.
Я видела, что записалось много молодёжи, но подумала, что они хотят больше потусоваться. А стихи слушали. Сидели на ступенях лестницы и слушали стихи.
Мне, конечно, надо глазами читать, на слух плохо воспринимаю слова. А так понравилось.


_________________

Отзывы копированы.

Составители АНН ФИЛИП и КЛОД РУА "ЖЕРАР ФИЛИП"
"Жерар Филип оставляет после себя лишь образ весны..." (Луи Арагон)
Не могу отнести себя к большим поклонникам Жерара Филипа (4.12.1922 - 25.11.1959 гг.), но я очень рада, что в мои руки попала эта книга. В сборник, посвященный творчеству французского актера, включены воспоминания его коллег и друзей. Этап за этапом прослеживается путь Филипа в театре и кино, от "Содома и Гоморры" до "Капризов Марианны", от князя Мышкина до "Опасных связей". Мне было интересно читать именно о спектаклях, ролях, работе актеров - качественно, по полочкам, словно я перенеслась на 65 лет назад и побывала в Народном национальном театре Жана Вилара. "Жерар Филип играл лишь те роли, в которых воплощается мечта людей. Он создавал образы, воплощавшие мечту всех", - писал Клод Шублие.
Жерар производил впечатление человека искреннего и открытого. Он таким и был - с близкими людьми. На самом деле актер был довольно скрытным, защищаясь непрерывной внешней веселостью. Скромный, оберегающий жену и детей от назойливости журналистов и поклонников, Филип мог быть и достаточно неприятным. "Подлинного Жерара я никогда не знала. Он проходил по жизни неуловимый, невидимый. Глубоко романтичный, влюбленный в легенды, он жил словно в изгнании - между небом и землей. Он был одновременно слабым и необычно сильным", - вспоминала актриса Мария Казарес.
Оценка - 5.

АННИ ЖИРАРДО «УЙТИ, ВЕРНУТЬСЯ. Сила страстей»
Взбалмошная, смелая, смешная, страстная, резкая, обаятельная, прямолинейная, без тормозов. Анни Жирардо, одна из двух талантливейших актрис послевоенной Франции (другой назвали Жанну Моро), начинала субреткой. Разглядел в девушке драму и глубину Жан Кокто и, скорее всего, от него, через Маре, о Жирардо узнает Лукино Висконти. И откроет актрису уже всему миру.
Образ её киношных героинь - самостоятельная, современная женщина, с сильной волей, но неудачница в личной жизни – чем-то перекликается с жизнью самой Жирардо. Громкие актёрские удачи перемешивались с ещё более громкими провалами. Анни везло с партнёрами – Жан Габен, Ален Делон, Филипп Нуаре, Луи де Фюнес, Ив Монтан. Конечно, с кем-то не сработались, с кем-то оказалось обниматься не так здорово, как казалось , но о большинстве Жирардо пишет благожелательно. Я мало знаю французский кинематограф и плохо помню фильмы с Жирардо, но сама Анни – актриса незабываемая.
В её романах я запуталась, Анни никогда не была обделена мужским вниманием. Но Жирардо скажет: «В моей жизни была одна-единственная любовь, один-единственный мужчина — Ренато Сальватори. Что же до остальных мужчин… Я встречала в жизни потрясающих актёров, режиссёров. Они меня научили лучше самовыражаться в искусстве. Но любовь бывает лишь раз в жизни». Ссоры, примирения, бесконечные перелёты Париж-Рим, интрижки на стороне. Они будут любить друг друга безумно, жить вместе не смогут, но так и не разведутся.
Самое интересное, что я узнала из воспоминаний – метод работы Клода Лелуша, основанный на чистой импровизации для актёров. Режиссёр не давал слов, артисты всё произносили от себя. Мог актёра настроить на одну сцену, а актрисе сказать совершенно другое – и снимал их реакцию. Сложно, но интересно.
Ещё я вместе с Жирардо узнала, что на острове Леван, известном нудистскими пляжами, во 2-й пол.XIX в. размещалась колония для сирот. Нищих и беспризорников собрали с парижских улиц и вывезли на остров, и большинство детей оттуда уже не вышли.
Оценка – 5 -.
_________________

Копирую из темы “Всем любителям оперы“

МИХАЙЛОВСКИЙ ТЕАТР: «АИДА»

Ходила 17.11.2022 г., премьера – 25.11.2019 г.
Опера Джузеппе Верди, либретто – Антонио Гисланцони. Режиссёр – Игорь Ушаков; в ролях: Мария Литке (Аида), Фёдор Атаскевич (Радамес), Екатерина Егорова (Амнерис), Антон Пузанов (царь Египта), Александр Кузнецов (царь Эфиопии) и другие.

После посещения «Аиды» 20 лет назад в Мариинке, меня от оперы как отрезало на долгие годы. Этот спектакль любви к произведению Верди мне не прибавил. Режиссёр правильно сказал: «Мне хочется, чтобы в этой истории были объём и глубина, чтобы каждый персонаж стоял перед своим выбором, а мы, сидящие в зале, или сочувствовали ему, или выражали своё негодование.» Но я не прониклась этой постановкой о Аиде, сделавшей трагический выбор между возлюбленным и любовью к Родине. Она послужила Эфиопии, чем осудила любимого человека на смерть, и пошла вслед за Радамесом в подземелье.
Хорошо поют . Играют… Играют? Я, как всегда, хотела увидеть именно спектакль, а не просто послушать голоса артистов. Мне понравилась Екатерина Егорова, исполняющая партию Амнерис. Видна драматическая трансформация героини – надменная царевна превратилась в страдающую женщину. По Аиде и Радамесу я не заметила ничего – они трагически вскидывают руки, но это какие-то условные чувства в условном Древнем Египте. А ведь какие эмоции, терзания должны они испытывать! Но нередко мне интереснее было смотреть на свою знакомую из хора, чем на главных действующих лиц.


P.S. В театре новшество. «Вам программку на двух языках или с картинками?» – спросили при входе. Зачем мне на двух языках? Только заняв своё место в зале я обнаружила, что взяла детскую программку и без состава исполнителей. В антракте к девочкам-капельдинерам выстроилась очередь. «Чтобы узнать состав, нужно отсканировать код, а если нет такой возможности, мы сейчас принесём вкладыш.» Что это за два притопа, три прихлопа? Уважаемый Владимир Абрамович, а для чего мне вообще покупать программку, если я всю информацию о спектакле могу найти на сайте?
_________________